Evelyne Axell (1935-1972)

 

Pop art 

Axell, Evelyne (Namur , Bélgica, 16 de agosto de 1935 - Gent , Bélgica, 10 de septiembre de 1972) fue una pintora pop belga . Es mejor conocida por sus pinturas psicodélicas y eróticas de desnudos femeninos y autorretratos en plexiglás que combinan los impulsos hedonistas y pop de la década de 1960. Elementos de la década de 1960: la guerra de Vietnam, el movimiento Black Panthers y la liberación sexual de la mujer afectaron su trabajo.

Biografía

Primeros años

Nacida el 16 de agosto de 1935 en Namur , Bélgica , Evelyne Axell (de soltera Devaux) nació en una familia católica tradicional de clase media. Su padre, André Devaux, era un conocido artesano en platería y joyería en la región y su madre, Mariette Godu, provenía de una familia muy modesta. A la edad de dos años fue declarada "La bebé más hermosa de la provincia de Namur"; su belleza siguió siendo un rasgo definitorio de su vida adulta. Aunque la casa familiar y la tienda en Namur fueron destruidas por una bomba de la Royal Air Force en 1940, el joven Axell se vio poco afectado por la Segunda Guerra Mundial . Después de graduarse de la escuela secundaria, estudió cerámica en la Escuela de Arte de Namur en 1953. En 1954, se cambió a la escuela de teatro y rápidamente comenzó una carrera comola actriz .

En 1956 se casó con el director de cine belga Jean Antoine, quien se especializó en documentales de arte para la televisión belga. Decidió cambiar su nombre por el de Evelyne Axell a los efectos de su carrera como actriz, lo que su esposo alentó. La eligió como entrevistadora en Jeunes Artistes de Namur (1957), en la que presentaba a jóvenes pintores belgas de vanguardia . Después del nacimiento del hijo de Antoine y Axell, Philippe, Axell trabajó como locutor de televisión. Aunque ganó una buena cantidad de celebridad local, encontró el trabajo trivial. En 1959, se mudó a París para seguir una carrera como actriz más seria. Allí actuó en una variedad de obras de teatro y televisión. Finalmente se mudó de regreso a Bélgica para protagonizar varias películas, incluidas tres dirigidas por su esposo (Jardins français , La Nouvelle Eurydice y Comacina ) y uno dirigido por André Cavens ( Un tren sale a cada hora ( Il ya un train toutes les heures )). En 1963, escribió y protagonizó la provocativa película Le Crocodile en peluche , también dirigida por su esposo. Aunque la película ganó el primer premio en el Festival Internacional de Cine de Alejandría , sería el último proyecto cinematográfico en el que Axell y Antoine trabajaron juntos.

Carrera artística

En 1964, Axell dejó su prometedora carrera como actriz para dedicarse a la pintura. Ella alistó surrealista pintor René Magritte , un amigo de Antoine de familia, ser su mentora artística. Axell visitó a Magritte dos veces al mes durante todo un año, tiempo durante el cual la ayudó a mejorar su técnica de pintura al óleo. Al mismo tiempo, Antoine se embarcó en una serie de documentales dedicados al Pop Art y al Nouveau Realisme . Axell fue con Antoine a Londres para filmar y conoció a Allen Jones , Peter Phillips , Pauline Boty , Peter Blake , Patrick Caulfield.y Joe Tilson. Inspirada por estas visitas al estudio, Axell creó su propio estilo de arte pop, convirtiéndose en una de las primeras artistas belgas en experimentar con este idioma de vanguardia. Aunque los coleccionistas belgas estaban interesados ​​en su trabajo, las galerías privadas se resistían a mostrar sus pinturas. En ese momento comenzó a usar el nombre andrógino "Axell" profesionalmente, con la esperanza de que la tomaran en serio como artista a pesar de su género, juventud y belleza, sin mencionar la naturaleza sexual explícita de su trabajo.

En 1966, sus pinturas Erotomóviles ganaron una mención de honor en el Premio Pintores Jóvenes. A principios de 1967, tuvo su primera exposición individual en el Palais des Beaux-Arts de Bruselas . Poco después, se detuvo utilizando óleo sobre lienzo y comenzó a pintar plástico, primero Clartex y posteriores plexiglás , con auto esmalte . Este nuevo método se convirtió en su técnica insignia, que mostró por primera vez en una exposición en la Galerie Contour de Bruselas en el otoño de 1967.

En 1969 ganó el Premio de Jóvenes Pintores Belgas, una hazaña no pequeña para una artista femenina en ese momento. Organizó algunos eventos ilícitos mientras continuaba haciendo pinturas cada vez más eróticas. En 1970 pintó Le Peintre (Autorretrato) [El pintor (Autorretrato)], según se dice, el primer cuadro en el que una mujer se pintaba desnuda y como artista. [7] El crítico Pierre Restany comentó: "La pintora belga Evelyne Axell se ha unido a la compañía del arte de la mujer, con Niki de Saint Phalle de Francia, Yayoi Kusama de Japón, Marisol de Venezuela - y la lista continúa. Estas mujeres están viviendo su revolución sexualcomo mujeres reales, con todas las consecuencias directas y nada sorprendentes: la otra parte está tomando la iniciativa ".

En 1972 Axell visitó a la familia de su tío en Guatemala , Jean Devaux, el creador del Ballet de Guatemala, donde se enamoró del paisaje y juró regresar. Había conseguido una exposición en México para 1973, decidió divorciarse de su esposo y mudarse a Centroamérica por unos años donde encontró una linda casa en Guatemala con la ayuda de la familia Devaux. Pero su vida y su carrera se vieron truncadas inesperadamente en un trágico accidente automovilístico en las afueras de Gent , Bélgica. Axell murió en la madrugada del 10 de septiembre de 1972. Su pieza final, L'herbe folle , muestra a una mujer descansando cómodamente con sus gafas de sol a su lado y rodeada por un bosque tropical.

Estilo artístico

Las primeras pinturas de Axell se basaban más clásicamente en óleo. Poco después, Axell desarrolló una técnica de firma innovadora mediante el uso de láminas de plástico transparentes y translúcidas de las que cortaba siluetas de sus hembras voluptuosas y heroínas conscientes de sí mismas absortas en poses y actividades (homo) eróticas. En 1970, acuñó el término "La era del plástico". Pintó con esmalte estas hojas cortadas contorneadas, a menudo pintando tanto en la superficie posterior como en la frontal, y las montó en paneles de fondo para crear imágenes en capas y en bajo relieve de las figuras imbuidas de una calidad opalescente y onírica. Con su imaginería sexual directa, el uso de colores brillantes y materiales plásticos manufacturados, sus intensas superficies monocromáticas y lienzos con forma de grandes carteles y cuadros públicos, las pinturas de Axell poseían la inmediatez y la similitud del pop.

Fuente:  https://es.wikipedia.org/

Galería

Autorretrato con el pájaro verde o Mujer con el pájaro verde, 1962

Helado, 1964

Pieter Brueghel el Viejo (1525-1569)

Renacimiento. Pintura flamenca.

Bruegel, Pieter I, llamado el Viejo (Breda o Brueghel, h. 1525 - Bruselas, 5 o 9 de septiembre de 1569) Pintor y grabador brabanzón. Fundador de la dinastía de pintores Brueghel, es considerado uno de los grandes maestros del siglo XVI, y el más importante pintor holandés de ese siglo. Con Jan Van Eyck, El Bosco y Pedro Pablo Rubens, es considerado como una de las cuatro grandes figuras de la pintura flamenca.

Biografía

Nacimiento

La biografía de Pieter Brueghel el Viejo presenta lagunas debido a la ausencia de fuentes escritas. Los historiadores a menudo se ven reducidos a formular hipótesis. Entre otros datos, el lugar y la fecha de su nacimiento se prestan frecuentemente a conjeturas. Karel van Mander dice que nació «cerca de Breda en el pueblo cuyo nombre tomó para transmitirlo a sus descendientes». Sin embargo, había dos pueblos con el nombre de Brueghel o Brogel, uno en el Brabante Septentrional a unos 55 km de la actual villa holandesa de Breda, y el otro –que era doble y se denominaba Grote (Gran) Brogel y Kleine (Pequeño) Brigel- estaba situado en el actual Limburgo belga, alrededor de 71 km de Breda, y perteneciente en aquella época al principado de Lieja. Diversos biógrafos e historiadores han establecido posteriormente que Kleine-Brogel y Grote-Brogel estaban a alrededor de 5 km de Brée que, en el siglo XVI, se llamaba Breede, Brida o en latín Breda. Van Mander no habría pensado en que Breda en Brabante pudiera se confundida con Breede-Brida-Breda en Limburgo. Así pues, el problema no está resuelto.2

Para calcular la fecha de su nacimiento se tienen en cuenta dos hechos. El primero, que se sabe cuándo murió, en 1569, y que se produjo «en la flor de la vida» (medio aetatis flore) lo que quiere decir entre los 35 y 45 años. El segundo, que fue admitido como maestro en los liggeren («registros») del gremio de San Lucas en Amberes en 1551,​ siendo así que esto solía ocurrir entre los 21 y 25 años.​ Con ello se puede situar la fecha de nacimiento de Brueghel entre 1525 y 1530, por lo que es un contemporáneo de Felipe II de España.

También es insegura la ortografía exacta de su apellido, siendo las formas más frecuentes Brueghel, Bruegel y Breugel. ​Tampoco es seguro que adoptase ese apellido por ser el del lugar de nacimiento, porque para el siglo XVI ya existían los apellidos como nombres de familia.

Carrera

Siempre según van Mander,​ fue aprendiz de Pieter Coecke van Aelst, artista cultivado, decano del gremio de artistas, a la vez pintor y arquitecto y con cuya hija Mayken terminó casándose. Prácticamente desconocido en su etapa de formación, los únicos datos sobre su vida y su carrera nos los ofrece una biografía de 1609, que le presenta como un ignorante dedicado a la pintura cómica. Sin embargo, parece suficientemente demostrado que fue un hombre de cierta cultura, puesto que conoció a estudiosos y científicos de su país. En 1551 fue aceptado como maestro en el gremio de pintores de Amberes.

Entre 1551 y 1553 viajó por Francia e Italia. En Roma pudo trabajar con el miniaturista Giulio Clovio. Permaneció una temporada en el taller de un maestro siciliano. Algunos de los cuadros que ilustran este viaje son Combate en el puerto de Nápoles, la escena de La caída de Ícaro y El suicidio de Saúl, así como algunos dibujos. Al hacer el viaje, tuvo que atravesar los Alpes, realizando una importante colección de dibujos sobre su paisaje. Parece que el viaje, más que para formarse, fue para realizar dibujos de paisajes italianos y alpinos que el grabador Hieronymus Cock pudiera reproducirlos en grabado.​

Entre 1555 y 1563 se estableció en Amberes, donde trabajó para el editor Hieronymus Cock, haciendo dibujos preliminares para una serie de grabados. Allí frecuentó un círculo de artistas y eruditos humanistas como el mecenas Nicolás Jonghelinck que tenía dieciséis de sus obras. Se sabe que fue amigo del cartógrafo Abraham Ortelio, quien escribió algunas conmovedoras líneas en su memoria.9

En 1562, a petición de su futura suegra,​ se trasladó a Bruselas, al barrio de Marolles, en el número 132 de la calle principal (rue Haute) en una casa con tejados escalonados de estilo medieval flamenco típico del siglo XVI. En la iglesia de Nuestra Señora de la Capilla (Notre-Dame de la Chapelle o Kapellekerk) se casó, en el año 1563, con Mayken Coecke, hija de su maestro Pieter Coecke van Aelst.

En 1564 nació el primogénito de sus hijos, Pieter Brueghel el Joven, llamado Brueghel d'Enfer («del Infierno»). La situación política y religiosa en Flandes se está deteriorando. En 1567 el duque de Alba inició una sangrienta campaña de represión contra los rebeldes. Su segundo hijo, Jan Brueghel el Viejo, llamado Brueghel de Velours («de Terciopelo») nació en 1568, el mismo año de la ejecución de los condes de Egmont y de Horn. Parece seguro que Brueghel el Viejo fue protegido por el gobernador de los Países Bajos españoles, Granvela, coleccionista de sus obras. Sus dos hijos, Pieter y Jan, se convirtieron en pintores, pero ninguno de ellos fue discípulo de su padre, ya que este falleció cuando ambos era aún niños. Según Karel van Mander, es probable que fueran instruidos por su abuela Mayken Verhulst van Aelst, quien también era un artista. Jan Brueghel siguió los pasos de su padre y se convirtió en pintor, especializándose en paisajes; en cambio Pieter Brueghel el Joven se dedicó a la escritura. Los dos se destacaron mucho en lo que hicieron ya que tenían el talento de sus padres.

Otros miembros de la familia fueron Pieter van Aelst y la ya mencionada Mayken Verhulst (suegro y suegra de Pieter Brueghel el Viejo), Jan van Kessel, padre (nieto de Jan Brueghel el Viejo) y Jan van Kessel, el Mozo. A través de David Teniers, la familia está también emparentada con toda la familia Teniers de pintores y la familia Quellinus de pintores y escultores, puesto que Jan-Erasmus Quellinus se casó con Cornelia, hija de David Teniers el Joven.

Se sabe muy poco de la personalidad de Brueghel, aparte de estas pocas líneas de Carel van Mander: «Era un hombre tranquilo, sabio y discreto, pero en compañía, era divertido y le gustaba asustar a la gente o sus aprendices con historias de fantasmas y cientos de otras diabluras.»

La vida social de Brueghel se extendió mucho más allá del círculo intelectual, asistiendo voluntariamente a bodas campesinas a las que se hacía invitar como «pariente o paisano» de los esposos. Recibió el apodo de «Brueghel campesino» o «Brueghel el Campesino» por su supuesta práctica de vestirse como un campesino para mezclarse en las bodas y otras celebraciones, obteniendo así inspiración y detalles auténticos para sus pinturas de género. También se ha indicado que el origen de este apodo viene de sus representaciones de la vida campesina

Van Mander cuenta algunas anécdotas, un poco fantasiosas, como su intromisión en el matrimonio con su amigo Hans Frankaert, joyero de Amberes: «En compañía de Franckert, a Brueghel le gustaba visitar a los campesinos, en las bodas o ferias. Los dos hombres se vestían como los campesinos, e incluso como los demás invitados llevaban regalos, y se comportaban como si pertenecieran a la familia o pertenecían al círculo de uno u otro de los esposos. Le encantaba observar las costumbres de los campesinos, sus modales en la mesa, bailes, juegos, formas de cortejo, y todas las bufonadas que podían ofrecer, y que el pintor supo reproducir, con gran sensibilidad y humor, con el color, tanto a la acuarela como al óleo, siendo muy versado en las dos técnicas. Conocía bien el carácter de los campesinos y campesinas de Kempen y de sus alrededores. Sabía cómo se visten al natural y pintar sus gestos groseros cuando bailaban, caminaban o se quedaban en pie mientras se dedicaban a tareas diferentes. Dibujaba con convicción extraordinaria y dominaba particularmente bien el dibujo a pluma.»

Brueghel murió en Bruselas en septiembre de 1569 y fue enterrado en la iglesia de Nuestra Señora de la Capilla en Bruselas.

Su retrato se encuentra en Pictorum Aliquot Celebrium Germaniae Inferioris Effigies, de Dominicus Lampsonius. Este retrato del pintor, atribuido al grabador Johan Wierix, se publicó con un poema de Lampsonius en 1572.

Fuente: https://es.wikipedia.org/

Obras comentadas

La Adoración de los Reyes en la nieve

Proverbios neerlandeses

Obra

Paisaje con Cristo apareciendo a los apóstoles

en el lago de Tiberíades, 1553

La Adoración de los Reyes, 1556

La Adoración de los Reyes en la nieve de Pieter Brueghel el Viejo

 

Brueghel ha cambiado la Adoración del centro al borde izquierdo de la imagen, describiéndola bastante indistintamente detrás de una cortina de nieve. El trabajo se caracteriza no por el motivo religioso sino por un evento natural y la vida de las personas en un pueblo en invierno. Es posible que tengamos aquí la primera pintura en la historia del arte europeo para representar la nieve que cae.

Fuente:  https://www.wikiart.org/

Proverbios neerlandeses de Pieter Brueghel el Viejo

Los Proverbios neerlandeses (Le monde renversé, représenté par p/usieurs Proverbes et Moralités) es una de las primeras obras más importantes de Bruehgel el Viejo, uno de los principales pintores flamencos del siglo XVI. El sentido moralizante era uno de los temas vigentes en la pintura del momento. Los proverbios se convirtieron en un importante medio de expresión en los Países Bajos, incluso se realizaban grabados con estas representaciones, que se vendían a bajo coste a los amantes de este tipo de trabajos.

El resultado de la composición de Brueghel no es muy equilibrada, pero es vivaz en color y movimiento. Los personajes de la escena están próximos unos de otros y cada uno de ellos, ya sea mediante una sola figura o un grupo, se identifica con un proverbio.

El artista ha conseguido reunir en esta tabla unos ciento veinte dichos, muchos de ellos resultan hoy casi incomprensibles, mientras que la mayoría son interpretados de diferente manera. El significado global puede ser, sin embargo, resumido en la lámpara colgada al revés en la primera casa de la izquierda, o sea: el mundo al revés. De hecho, con este título, la pintura era registrada, en 1668, en el inventario de los bienes de Peter Stevens de Amberes, rico coleccionista, que poseía otras diez obras del pintor.

A continuación, se identifican algunos de los proverbios. En la parte superior izquierda, el vivir bajo la escoba se relaciona con la pareja que vive en pecado al llevar vida marital sin estar casados; en la ventana de la casa vemos a una persona que defeca sobre la bola del mundo, no le importa absolutamente nada; la misma figura hace trampas con las cartas, la suerte está echada, mientras que en el interior dos hombres se cogen las narices, claro símbolo de necedad; en el necio que se cae entre dos taburetes al intentar sentarse, el desear mucho y no obtener nada; un cerdo quitando la espita de un tonel, simboliza el exceso y la gula como también el saber hacer sólo las cosas más sencillas; la mujer que lleva el agua en una mano y el fuego en la otra, chismorrear o también hacer mal por una parte y remediarlo por otro e incluso la indecisión; el hombre que sujeta un pilar, símbolo de la iglesia, es la hipocresía; la figura que ata al diablo al cojín, homenaje a la astucia femenina.

Algunas de la zona central, la mujer que pone la capa azul al marido, en lenguaje popular flamenco, que lo engaña; una, enrueca lo que la otra hila, es el difundir chismes malévolos; el que cubre el pozo tras haber caído dentro el ternero, poner el remedio tarde mientras que el personaje medio introducido en el globo de cristal representa el hipócrita, el oportunista o el necio. El lanzar flechas, no ser recompensado el propio trabajo o como asimismo imagen de optimismo.

En la derecha de la tabla se aprecia un hombre con el mundo en sus manos, como símbolo de la sabiduría, pero también del saber engañar a todos; el hombre que pone una barba a la figura de Cristo, del creer salir bien librado. En el río se encuentra a un personaje masculino cogiendo la anguila por la cola. Esta alegoría se refiere a quien se implica en un asunto difícil que irremediablemente terminará mal. El hombre que arroja dinero al río es la imagen clara del despilfarro.

El cuadro, que mide 117 x 163 cm y conservado en el Museo de Berlín, debe ser considerado del primer período de la actividad del pintor, de hecho, la fecha autógrafa lo confirma: "Brueghel. 1559".

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat. 

Tarsila do Amaral (1886-1973)

Arte Naíf. Modernismo.

Do Amaral, Tarsila (Capivari, Brasil, 1 de septiembre de 1886 - São Paulo, Brasil , 17 de enero de 1973) Pintora brasileña. De tendencia primitivista, su obra pretende encarnar el rechazo de las normas académicas.

Biografía

Tarsila do Amaral nació en Capivari, Brasil en 1886. Sus padres eran Lydia Dias de Aguiar y José do Amaral Stanislaus. Su abuelo paterno, conocido como “O Milionário”, era un rico empresario y hacendado. Estudió en el Colegio Sion de la ciudad de Saõ Paulo. En 1902, ella y su hermana viajaron a Europa con sus padres, que las dejaron internas en el Colegio del Sagrado Corazón, en Barcelona. Dos años más tarde Tarsila regresó a Brasil y se casó con un primo de su madre, André Teixeira Pinto, con quien tuvo a su única hija, Dulce. En 1913 se separaron y se trasladó a São Paulo.​ Con Oswald de Andrade se casó en 1926, separándose en 1930.

Tarsila do Amaral es la pintora más representativa de la primera fase del movimiento modernista brasileño. Su cuadro Abaporu, de 1928, inauguró el Movimiento Antropofágico en los artistas plásticos del país.​

En 1916 empezó a trabajar en el taller del escultor sueco William Zadig y en los años siguientes estudió dibujo y pintura con el maestro académico Pedro Alexandrino y más tarde con el artista alemán George Elpons. La producción inicial de Tarsila se limitó a estudios de animales o bodegones y a bocetos de retratos, que recopiló en cuadernos de apuntes.​

En 1920 viajó a París y frecuentó la Académie Julien, donde recibió la orientación de Émile Renard. En Francia, conoció a Fernand Léger y participó del Salón Oficial de los Artistas Franceses de 1922, desarrollando técnicas influenciadas por el cubismo. De vuelta a Brasil el mismo año, se unió a Anita Malfatti, Menotti del Picchia, Mário de Andrade y Oswald de Andrade, formando el llamado Grupo de los Cinco, que defendía las ideas de la Semana de Arte Moderno y se colocó al frente del movimiento modernista en el país.

En 1926 realizó su primera exposición individual, en la Galería Percier, en París. A partir de entonces, sus obras adquirieron fuertes características primitivistas y nativistas. Es característico de esta época su cuadro Abaporu, que sirvió de inspiración al movimiento antropofágico, pudiendo considerarse incluso el primer manifiesto antropófago.​

En 1933, pasó a desarrollar una pintura más conectada a temas sociales, de la cual son ejemplos las telas Obreros y Segunda Clase. Expuso en las dos primeras Bienales de São Paulo y ganó una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de São Paulo (MAM) en 1960. Se le dedicó una sala especial en la Bienal de São Paulo de 1963 y, el año siguiente, se presentó en la 32.ª Bienal de Venecia.

Tarsila do Amaral fue llevada al cine y la televisión, interpretada por Ester Góes en la película Eternamente Pagu (1987),​ y por Eliane Giardini en las miniseries Um Só Coração (2004) y JK (2006).

El MoMA inauguró una exposición de su obra, siendo la primera artista latinoamericana y la octava retrospectiva a nivel latinoamericano después de Diego Rivera, Cândido Portinari, Roberto Matta, Manuel Álvarez Bravo, Armando Reverón, José Clemente Orozco y Joaquín Torres García.

Fuentes: https://es.wikipedia.org 

              Historia del Arte. Editorial Salvat.

Obra comentada

El pescador

Obra

Art decó

Cubismo

Posimpresionismo

Realismo social

Surrealismo

Galería

El negro, 1923

El cocinero, 1924

Obra de Tarsila do Amaral. Art decó.

Autorretrato. Art Decó

Obra de Tarsila do Amaral. Cubismo.

Desnudo

La Caipirinha

La muñeca

Sao Paulo

Sao Paulo

Obra de Tarsila do Amaral. Posimpresionismo.

Retrato de Oswald de Andrade, 1922

Sombrero azul, 1922

Naturaleza muerta. Arte Naíf

Retrato de Mario de Andrade

Obra de Tarsila do Amaral. Realismo social.

Antropofagia, 1929. Arte Naíf

Segunda Clase. Arte Naíf,

Obra de Tarsila do Amaral. Surrealismo.

El huevo, 1928. Arte naíf.

 

La Luna, 1928. Arte naíf.

Bosque

Trabajo. Arte Naíf

El pescador de Tarsila do Amaral

También conocido como Paisaje exótico, este cuadro fue adquirido por el departamento de arte moderno occidental del museo en 1931 tras el éxito de Tarsila do Amaral en varias exposiciones de París. Alejado de sus conocidas pinturas antropofágicas de formas bubónicas y fondos burbujeantes y abombados, esta artista ligada al grupo modernista brasileño pintó en las dos décadas siguientes una serie de obras que representaban escenas de la vida cotidiana de su país y que apuntaban cierta carga de denuncia social.

(Museo del Ermitage, San Petersburgo).

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.