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Artistas de la A a la Z

Carlos Alvarado Lang (1905-1961)



Alvarado Lang, Carlos (La Piedad Cavada, 14 de enero de 1905 – México, 3 de septiembre de 1961) Grabador mexicano.

Biografía

Carlos Alvarado inició sus estudios de bellas artes a los catorce años en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (UNAM). Después estudió grabado con Emiliano Valadéz en la Escuela Nacional de Bellas Artes (ENBA) en la Ciudad de México. En 1929 sustituyó a Valadéz en la ENBA, y al año siguiente ocupó la cátedra de grabado recién creada. Dirigió la ENBA de 1942 a 1949. A su muerte, sus obras fueron expuestas en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado "La Esmeralda", en el Museo de Arte Moderno, en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México y en otras instituciones notables de México.

Fuente: https://es.wikipedia.org/

Obra

Caballos, 1937

Gallina, 1937

Ramón Alva de la Canal (1898-1985)



Alva de la Canal, Ramón (México, 29 de agosto de 1898 -  4 de abril de 1985) Pintor mexicano, uno de los iniciadores de la pintura mural en México. 

Biografía

Alva de la Canal estudió en la Academia de San Carlos siendo alumno de Alfredo Ramos Martínez en la escuela de pintura al aire libre de Santa Anita, Iztacalco, municipio de la Ciudad de México. Después de 1920 fue profesor de pintura en la Academia de San Carlos, y se unió al Sindicato de Pintores. En 1922 pintó el primer fresco del siglo XX en México en el Colegio Grande de San Ildelfonso, titulado "La llegada española y la Siembra de la Cruz en la nueva tierra", estudió grabado en madera con técnicas de Jean Charlot . Junto con otros, fundó el ¡30-30! en 1928, y se convirtió en miembro de la corriente "estridentista", un grupo de artistas e intelectuales, que acuñó el término de Estridentismo.​

Alva de la Canal dio conferencias en varias escuelas y se convirtió en director de la escuela de escultura de la Universidad Veracruzana en Xalapa. Sus trabajos incluyen ilustraciones de libros, murales y pinturas del panel. También trabajó como pintor escénico, y se convirtió en miembro de la Academia de Artes en 1981.


Obra
El desembarco de los españoles y
la cruz plantada en tierras nuevas, 1922-1923

Campesinos, 1927

Autorretrato, 1965

Hard edge​


Hard edge​ (literalmente borde duro) es un movimiento pictórico de la pintura abstracta definido por las transiciones abruptas entre las áreas de color, que generalmente son de un sólo color invariable. Las transiciones de color se dan muchas veces a lo largo de líneas rectas, aunque los bordes curvos también son comunes. Este estilo está relacionado con la Abstracción geométrica, el Op Art, la Abstracción postpictórica, y el Color Field.

El término fue acuñado por el escritor, curador y crítico de arte del Los Angeles Times Jules Langsner en 1959 para describir el trabajo de pintores de California, quienes, en reacción a las formas más pictóricas o gestuales del Expresionismo abstracto, adoptaron una aplicación impersonal de la pintura y el delineado de áreas de color con particular nitidez y claridad. Este enfoque de la pintura abstracta se extendió en la década de 1960. La hard-edge painting se conoce por el nombre de pintura de contornos nítidos.

Otros movimientos o estilos anteriores también presentaron la característica de los contornos nítidos, como los precisionistas, que la utilizaban en sus trabajos. El hard edge puede ser visto asociado a una o más escuelas de arte, pero también se usa como término descriptivo, para nombrar estas características cuando se encuentran en cualquier pintura. Las pinturas hard edge pueden ser tanto figurativas como abstractas.

Doble Metamorfosis III (frontal) de Yaacov Agam



Vista frontal de  esta obra del artista israelí que ya se interesó por la participación del espectadores sus pinturas polimórficas, ante las cuales cualquiera podía componer a su antojo. Si bien en esta obra se vale de un vocabulario geométrico abstracto elemental, el mismo se enriquece con el cambio continuo de formas según el ángulo visual que el espectador elija.

(Museo Nacional de Arte Moderno, París). 

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Doble Metamorfosis III de Yaacov Agam



Imagen tomada de forma oblicua desde uno de sus extremos. Su autor ha logrado que, según la posición del espectador, la composición de sus obras varíe aparentemente hasta el infinito.

 (Museo Nacional de Arte Moderno, París)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Santiago Calatrava (1951)



Calatrava, Santiago (Benimámet, 28 de julio de 1951) Arquitecto, ingeniero civil y escultor español. Entre los premios y reconocimientos que ha recibido destaca el Premio Príncipe de Asturias de las Artes de 1999, ​ el Premio Nacional de Arquitectura de 2005​ y el Premio Europeo de Arquitectura de 2015.​ Actualmente, cuenta con oficinas en Nueva York, Doha y Zúrich.

Biografía

Etapa académica

Desde los ocho años estudió en la Escuela de Bellas Artes donde comenzó formalmente su preparación como dibujante y pintor. A los 13 años su familia lo envió a París a través de un programa de intercambio estudiantil. De regreso a Valencia, tras asistir a clases nocturnas en la Escuela de Bellas Artes y Oficios de Burjasot, Santiago Calatrava inició en 1969 la carrera de Arquitectura en la Universidad Politécnica de Valencia, donde se graduó en 1974 y realizó un curso de posgrado en urbanismo, siendo discípulo del eminente arquitecto conquense Juan Carlos Jiménez. A continuación, Calatrava, que se interesaba por las grandes obras de los maestros clásicos y que deseaba ampliar su formación, se trasladó en 1975 a Zúrich, donde estudió durante cuatro años ingeniería civil en el Instituto Federal de Tecnología, (ETHZ, por sus iniciales en alemán) en el cual se graduó con un doctorado en Ciencias Técnicas con la tesis Acerca de la plegabilidad de las estructuras y ejerció asimismo la actividad docente en 1979.

Le fue concedido el Premio Nacional de Arquitectura del Ministerio de Vivienda correspondiente al año 2005 por su dilatada y prestigiosa carrera profesional.

Trabajos y proyectos

Finalizada la etapa de estudios, trabajó como profesor auxiliar en el Instituto Federal de Tecnología, donde comenzó a aceptar pequeños encargos y a participar también en concursos de nuevos proyectos. En 1983 le fue adjudicada su primera obra de cierta importancia, la Estación de Ferrocarril de Stadelhofen, situada junto al centro de Zúrich donde también había establecido su despacho. Al año siguiente, Calatrava diseñó el puente Bac de Roda en Barcelona que fue el primero que empezó a darle cierto reconocimiento internacional. A este seguirían el puente Lusitania de Mérida (1991), del Alamillo de Sevilla (1992) y el puente de 9 de octubre en Valencia (1995).

En 1989 Calatrava abrió su segundo despacho en París, mientras estaba trabajando en el proyecto de la Estación de Ferrocarril del Aeropuerto de Lyon llamada Estación de Lyon-Saint-Exupéry TGV. Dos años después creó su tercer despacho, esta vez en Valencia, donde trabajaba en un proyecto de grandes dimensiones, la Ciudad de las Artes y de las Ciencias.

En 1992, Calatrava firma la torre de comunicaciones de Montjuic (Barcelona) y uno de los puentes de la Exposición Universal de Sevilla, el Puente del Alamillo, que une la capital hispalense y la vecina localidad de Camas. En el año 2003 concluyó el edificio del Auditorio de Tenerife en la ciudad de Santa Cruz de Tenerife, en su inauguración estuvieron presentes algunos de los diarios más prestigiosos del mundo como The New York Times o Financial Times, entre otros.​

En 2009 inauguró el puente Samuel Beckett de Dublín (Irlanda). El puente Samuel Beckett (en inglés Samuel Beckett Bridge) es un puente atirantado, ​ que une Macken Street en el lado sur del río Liffey, con Guild Street y North Wall Quay, en la zona de los Docklands de Dublín.​

En 2010 firma el edificio Roundhouse, en la localidad de Suhr, cantón de Aargau (Suiza). En el año 2014, Santiago Calatrava fue seleccionado para realizar el proyecto de reconstrucción de la Iglesia Ortodoxa Griega destruida como consecuencia de los atentados del 11 de septiembre de 2001 en Nueva York.​ En su diseño, Calatrava se ha inspirado en formas de la iconografía Bizantina, al estilo de Santa Sofía. La iglesia sustituirá a la iglesia de cuatro plantas de principios del siglo XX que fue destruida.​

En 2016 inauguró el intercambiador de transporte de Nueva York Oculus. Ya en 2003 se le adjudicó la construcción de dicha infraestructura intermodal del 1 World Trade Center, en Nueva York, en la denominada Zona Cero generada tras los atentados del 11 de septiembre de 2001. El intercambiador combina los transportes de tres medios diferentes: los trenes de cercanías de la Autoridad Portuaria Trans-Hudson, el metro neoyorquino y el enlace ferroviario con el Aeropuerto Internacional John F. Kennedy. Calatrava ha diseñado una estructura de vidrio y acero que tendrá el aspecto, en sus propias palabras, de "un ave liberada por las manos de un niño".


Obra comentada


Obra
Torre de comunicaciones de Montjuic, Barcelona, 1992

El Ágora, Valencia, 2010

Auditorio de Tenerife de Santiago Calatrava



La construcción de la Tenerife Opera House se inició en 1997 y se inauguró en 2003, convirtiéndose en un icono de la ciudad. Ubicado en la vieja zona industrial, junto al mar, la imaginación de este arquitecto parece haber creado una escultura orgánica más que un edificio, sobre todo por la gigantesca pluma que lo corona.

(Santa Cruz de Tenerife)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Mario Abréu (1919-1993)



Abréu, Mario  (Turmero, Aragua, Venezuela, 22 de agosto de 1919 - Caracas, Venezuela, 20 de febrero de 1993) Pintor y artista plástico venezolano.

Biografía

Diestro en el dibujo desde niño, realiza sus primeros dibujos a los 9 años y a los 10, pinta sus primeros paisajes; se traslada joven a Caracas. Trabaja como obrero en la Casa Benzo mientras estudia de noche para terminar sus estudios primarios. Más tarde asiste de 9 a 11 de la noche a los cursos nocturnos de la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas, dirigida por Antonio Monsantos. En 1942, gracias a que gana un concurso de pintura y obtiene una beca de 100 bolívares mensuales, puede dejar su trabajo y asistir a los cursos diurnos de la citada Escuela, de la que se diplomó en 1947. Participó en el Taller Libre de Arte, fundado al año siguiente de que regresara. ​

Da inicio, entre 1950 y 1952, a una pintura vivencial con temas como gallos, catedrales vegetales, diablos danzantes. Esta pintura distinta le hace recibir en 1951 el Accésit al Premio Nacional de Pintura en el XII Salón Oficial Anual de Arte Venezolano, lo que le permite obtener una beca para continuar estudios en Europa. Entre 1952 y 1959 reside en París, donde desarrolla una intensa vida intelectual y comienza una nueva etapa de su obra.

Al retornar a Caracas comenzó a trabajar en su más célebre serie de obras, conocida como "Objetos mágicos", la cual dio a conocer en el MBA, en una exposición realizada en 1965. Desde entonces Abreu mantuvo una posición independiente, solitaria y alejada de la actividad institucional, identificándose en su búsqueda de un realismo mágico con los grupos literarios protestantes o surrealistas del país.

En 1975 recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas y, en 1985, el Premio Armando Reverón, que le otorga la Asociación Venezolana de Artistas Plásticos. 

Mantuvo siempre una posición independiente, solitaria y alejada de la actividad institucional, identificándose en la búsqueda del realismo mágico que envuelve al arte de su momento.

A su muerte se le da su nombre al Museo de Artes Visuales de Maracay, hoy Museo de Arte Contemporáneo de Maracay Mario Abreu (Macma) y en este mismo centro, de manera póstuma, se presentó la primera exposición retrospectiva de su obra, en 1994.


Galería
Los gallos, 1950

El gallo, 1951

César Hipólito Bacle (1794-1825)



Bacle, César Hipólito (Versoix, Ginebra, 16 de febrero de 1794 - Buenos Aires, 4 de enero de 1838) Litógrafo suizo que trabajó en Buenos Aires los últimos diez años de su vida, publicando numerosas obras y periódicos ilustrados. Vinculado a los enemigos políticos de Juan Manuel de Rosas y a gobiernos extranjeros enfrentados a la Confederación Argentina fue detenido, muriendo al poco tiempo de salir de prisión, lo que se convirtió en una de las excusas para el bloqueo francés al Río de la Plata.

Biografía

César Hipólito Bacle (Michel–César-Hyppolite Bâcle) nació en Versoix, en los alrededores de Ginebra, Suiza, el 16 de febrero de 1794, hijo de Jacques Bacle de Saint Loup y de Marta N..

Aprendió dibujo, topografía, cartografía y ciencias naturales, y a los 22 años se casó con la pintora Adrienne Pauline Macaire (Andrea Bacle). Entre 1817 y 1818 viajó por el interior de África y fue nombrado brevemente gobernador de Senegal.

Buenos Aires (1828-1831)

Llegó finalmente al Río de la Plata alrededor del año 1828, en que publicitó en la Gazeta Mercantil de Buenos Aires del 19 de noviembre la apertura de su establecimiento litográfico.

Instaló en la Calle de la Catedral N° 17 el taller de litografía que se convertiría rápidamente en el establecimiento litográfico más prolífico del país y en fuente de algunos de los documentos gráficos más valiosos de la época.

Para su trabajo adquirió al estado las herramientas y materiales utilizados en 1826 por el comerciante y naturalista francés Juan Bautista Douville, quien con la asistencia del pintor francés Luis Laisney se había dedicado al oficio en ese año y publicado litografías de Guillermo Brown y Carlos María de Alvear entre otros.

En 1829 el gobernador Juan José Viamonte nombró a su establecimiento como Impresores Litográficos del Estado por lo que se convirtió en el "Taller de Litografía e Imprenta del Estado". Bacle publicó los Principios de Dibujo, primer material didáctico publicado en el país, la Vista de la ciudad de Salta, retratos de Manuel Belgrano, Pascual Echagüe, Gregorio Perdriel, Manuel Dorrego, facsímiles de cartas de Dorrego, etc. Publicó en diez cuadernos una monumental Colección general de marcas de ganado de la Provincia de Buenos Aires. Trabajó también sobre el Proyecto de los Fastos de la República Argentina y Trages y costumbres de la Provincia de Buenos Aires.

En 1829 propuso la creación de un Montepío y un Jardín de Aclimatación. En 1830 publicó el Boletín de Comercio, periódico con información comercial y de tráfico marítimo. El 1 de marzo de 1831 con el nombre "Ateneo Argentino", reabrió en Florida 122 con la participación de su esposa el Colegio de Señoritas, antes dirigido por los esposos Curel.

Primeros problemas (1832-1835)

En 1832 Juan Manuel de Rosas decretó que los editores de periódicos que fueran extranjeros debían optar por la nacionalidad. Bacle cerró su periódico y transfirió la imprenta a un administrador, emigrando a la isla de Santa Catalina, Brasil, donde vivió algo menos de un año, durante el cual trabajó principalmente en reunir una vasta colección de minerales, vegetales y animales disecados o embalsamados y objetos indígenas.

En 1833 regresando a Buenos Aires, su buque naufragó en las cercanías de la isla de los Lobos perdiendo su trabajo. En la ciudad se hizo cargo de la Litografía del Estado, reiniciando la colección de Trages y Costumbres de la Provincia de Buenos Aires que terminó de publicar en 1835. Contó para esta, quizá su obra de mayor relevancia histórica, con la asistencia de dibujantes como Arturo Onslow, Hipólito Moulin y Carlos Enrique Pellegrini. Ese año abrió la Imprenta del Comercio, que puso a cargo de su hijo mayor Augusto Bacle.

Publicó también el Diario de Anuncios y publicaciones oficiales de Buenos Aires, en el que incluyó litografías lo que lo convierte en el primer periódico ilustrado del país. El 4 de abril de 1835 inició la publicación del Museo Americano, también llamado Libro de todo el mundo, cuyo primer tomo reunía 126 litografías en 416 páginas.

En el ambicioso Museo Americano, Bacle pretendió "que en él se hallen materias de todos los precios, de todos los gustos: cosas antiguas y modernas, animadas e inanimadas, monumentales, naturales, civilizadas, salvajes, pertenecientes a la tierra, al mar, al cielo, a todos los tiempos, procedentes de todos los países (...) en una palabra imitar en nuestros grabados, describir en nuestros artículos todo lo que sea digno de fijar la atención y las miradas". La entrega de esa virtual enciclopedia se efectuaba por fascículos por suscripción, mecanismo original para la época. Es considerado el primer libro ilustrado impreso en un establecimiento litográfico argentino.

Últimos años (1835-1838)

En 1835 Gregorio Ibarra (1814-1883), amigo de Rosas instaló su Litografía Argentina. Si bien en los comienzos Bacle se limitó a publicar impresos para canto y piano y recién en 1837 encararía un proyecto más ambicioso como el períodico Boletín Musical y en 1839 su propio "Trages y Costumbres de la Provincia de Buenos Aires", pudo haber sido percibido como una señal de alarma.

Tras publicar El Recopilador, obra similar al Museo e ilustrada con numerosas litografías, de la que alcanza a imprimir 25 números, en octubre de 1836 viajó a Chile obteniendo del ministro Diego Portales un contrato para fundar en ese país la imprenta y litografía del estado. Vuelto a Buenos Aires para preparar su partida a Chile, el 4 de marzo de 1837 fue detenido en el Cuartel del Retiro al denunciarse su vinculación con Bernardino Rivadavia.

Se lo acusaba de vender planos de importancia militar a Bolivia, en connivencia con los unitarios refugiados allí, de apoyar a los exiliados en Uruguay e intervenir en los asuntos internos de Chile. El vicecónsul Aimé Roger, a cargo provisoriamente de la legación francesa, afirmaba la inocencia de Bacle, no obstante existía una carta dirigida el 25 de febrero de 1837 a Rivadavia ofreciendo de acuerdo con el ministro chileno Diego Portales facilitar el pasaje de Agüero, Alsina, Varela y Rivadavia mismo a Chile con el objeto de obstaculizar la alianza con Rosas para enfrentar a la Confederación Peruano-Boliviana, corroborado con correspondencia de Alsina y de Mora, secretario del General Andrés de Santa Cruz.1​

Roger solicitó el 4 de marzo de 1837 que se lo remitiera a Francia para juzgarlo en el caso de que fuese culpable y posteriormente exigió directamente que de serlo se le concediera el perdón, no obteniendo respuesta alguna del gobierno.

Pese a la intervención de Roger, Bacle permaneció detenido seis meses. A fines de 1837 la salud física y mental de Bacle estaba sumamente deteriorada. Fue liberado pero falleció en su casa el 4 de enero de 1838. Roger acusaba de malos tratos a su custodia, específicamente al coronel D.N.Quevedo, afirmando que después de cerca de seis meses de estar encerrado en un calabozo había sido devuelto a su casa en un deplorable estado de salud. Al siguiente día el vicecónsul, los oficiales del navío d'Assas y más de quinientos franceses acompañaron el cortejo fúnebre.

Su esposa e hijos, en la miseria, se embarcaron para Europa el 2 de marzo de ese año. Su prisión y muerte fueron una de las causas aducidas para justificar la intervención francesa.

El mayor de sus dos hijos, Etienne Auguste Isaac Charles Bacle, nacido en Ginebra el 21 de febrero de 1817, murió el 16 de diciembre de 1873 en Constantinopla donde se desempeñaba como asesor del Sultán.


Obra
Exterior de una pulpería, 1833

Señora porteña, 1833

William Blake (1757-1827)



Blake, William (Londres, 1757-Londres, 1827) Poeta, pintor y grabador británico. 

Inició su aprendizaje de grabador en 1771 y se apasionó por el arte helénico y las obras de DureroRafael y Miguel Ángel. En el campo de la poesía debutó con Poetical Sketches (1783), a la que siguió Songs of lnnocence (1789), efusión mfstica que completó con Songs of Experience (1794). Lo más destacado de su producción está reunido en los llamados "libros proféticos", colección de largos poemas (The Book of Thel, 1789; The Marriage of Heaven and Hell, 1790; América, 1793, etc.). Su idea básica fue que la verdad sólo puede surgir de la visión profética e ilustró la virtud creadora del deseo y la defendió como base de una ética nueva; desconfiaba de la razón y recibió el influjo de los movimientos ocultistas y místicos. La mayoría de sus obras aparecieron acompañadas de grabados propios. A partir de 1804 se dedicó casi exclusivamente a su obra de grabador, con logros tan notables como sus series de ilustraciones para el Libro de Job y la Divina Comedia de Dante

Beatriz dirigiendo el carro que transporta a Dante de William Blake (Tate Gallery, Londres). En 1824, Blake comenzó a ilustrar La divina comedia de Dante, obra de la que forma parte esta pintura y que dejó inacabada a su muerte

William Blake empezó su formación artística copiando modelos de la antigüedad en una academia cuando era aún niño. Más tarde trabajó en el taller de James Basire, con quien se familiarizó con el espíritu medieval y le enseñó la técnica del grabado. El trabajo de grabador fue el medio que le permitió ganarse la vida, no sin grandes dificultades, realizando encargos para editores.

Blake se inspiró en los textos mitológicos y de religiones ocultas, en la Biblia y los poemas de Dante, para producir una extensa obra basada en la primacía de la emoción sobre la razón, la fantasía sobre la realidad. Una singular fuerza mística y espiritual se desprende de los numerosos dibujos realizados para ilustrar sus poemas, ediciones publicadas por el mismo autor con grabados coloreados a mano. Con este sistema imprimió Cantos de inocencia (1789), Cantos de experiencia (1794) y diversos Libros proféticos (1783-1804). Las acuarelas incluidas en el Libro de Job o los poemas de Dante, muestran su progresivo alejamiento del neoclasicismo a medida que la poesía o la filosofía adquieren mayor carácter visionario.

Elohim creando a Adán de William Blake (Tate Gallery, Londres). En esta obra, el artista reflejó una de las constantes que se manifestarían durante toda su vida: la lucha contra el materialismo. Sobre un fondo que parece corresponder a una puesta de sol y cuyos rayos rojos se dibujan en un firmamento de color azul oscuro, la figura del Dios creador, Elohim según los primeros capítulos de la Biblia, pasa a gran velocidad sobre el barro del que acaba de surgir su criatura, después de pronunciar las palabras de la creación. 

Influido por las realizaciones medievales y manieristas, utilizó un sistema de composición espacial propio recreando el color, la luz y la sombra de manera subjetiva con objeto de transmitir el mensaje a partir del poder de la imaginación. De ahí su fácil adscripción a las primeras corrientes románticas y su alejamiento del clasicismo. Formulaciones que anticipan el simbolismo de finales de siglo y la tendencia del Art Nouveau.

En sus obras Blake se rebela ante la razón y los valores materialistas del siglo XVIII: la mitología personal sustituye a la naturaleza exterior. Fantasía que le singulariza de entre los representantes más radicales del romanticismo.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Obra
Baile de Oberón, Titania y duende malicioso, 1786

El matrimonio del cielo y
el infierno, 1790-1793

Paisaje del Nilo


Uno de los aspectos más originales del arte helenístico fue la creación de mosaicos, los cuales llegaron a tener una perfección considerable, sobre todo por lo que concierne a su composición y colorido. Los romanos heredaron del mundo helenístico el arte musivario, conocido ya de los griegos, y lo emplearon especialmente en los pavimentos. Gran parte representaban dibujos decorativos, pero algunos llegaron a desarrollar grandes composiciones. El ejemplo más insigne es el que representa la batalla de Alejandro contra Darío.

Sin embargo, fue el período helenístico, principalmente la corriente alejandrina, la que reflejó una temática nueva: los temas egipcios, nilóticos especialmente. En general, son paisajes en los que abundan animales y plantas típicos de la flora y fauna egipcia. Estos paisajes nilóticos se inspiraban en la vida en torno a las orillas del río Nilo. El ejemplar más importante dentro de este grupo de asuntos nilóticos es el llamado Mosaico Barberini o Paisaje del Nilo hallado en Palestrina, la antigua ciudad de Praeneste, muy cerca de Roma, hacia el año 1600, y conservado en el Palacio Barberini de esta ciudad.

Este magnífico mosaico alejandrino es el mayor y mejor representante de la serie de temas nilóticos. Estas escenas se convirtieron en el mundo romano en un género popular, ya que, a lo largo de la historia, el paisaje de río Nilo y las imágenes de los que en sus orillas podía suceder, mantendrían una enorme repercusión en la iconografía artística. La extensa área del pavimento del Paisaje del Nilo está llena de pequeñas escenas, aparentemente aisladas entre sí, que se desarrollan entre rocas, palmeras, lotos y toda una diversidad floral característica del mundo egipcio.

También aparece una multitud de animales típicos de la fauna egipcia. Están presentes hipopótamos, leones, cocodrilos, rinocerontes, jirafas, monos, serpientes, flamencos. cigüeñas, hienas, etc. Cada uno de estos animales que compone esta especie de parque zoológico lleva adjunto su nombre en lengua y alfabeto griego. Incluso se puede admirar animales fantásticos como el compuesto con cabeza y busto femenino. El gusto por lo exótico, por lo pintoresco, por las rarezas y curiosidades fue captado por el artista y reflejado en la obra.

En la mitad inferior se han figurado varias escenas de género componiendo minúsculos cuadritos en los que se ven cabañas de pastores, palacios, templetes, barcas, navíos de vela, castillos, etc., poblado todo por pastores, soldados, sacerdotes egipcios, cazadores, pescadores, etc.

En definitiva, se contempla una abigarrada mezcla de personas, animales, plantas y edificios diversos, distribuido todo por un dilatado ambiente paisajístico donde la amplísima corriente del Nilo, que discurre entre escarpadas orillas, islas rocosas, peñas o llanuras, va dejando su huella.


Aunque desgraciadamente hay muchas partes restauradas, el conjunto es una excelente muestra de la musivaria helenística-alejandrina de comienzos del siglo I a.C. 

El Paisaje del Nilo es un mosaico nilótico procedente de la antigua Praeneste, del siglo I a.C., y conservado en el Palacio Barberini de Roma.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

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