Es una obra de 1346, que se tiene bien documentada por conservarse los documentos del encargo. En las pinturas de esta capilla, en la que se reproducen escenas de la vida de Cristo, se ha querido ver cierta influencia de Giotto, quizás descubierto por Ferrer Bassa en Siena, a quien se considera introductor del gótico italiano en la Península.Crucifixión de San Andrés de Lluís Borrassa (Museo Episcopal, Vic). Esta obra es una tabla del Retablo de Gurb, realizado entre 1417 y 1418. Puede considerarse a Lluís Borrassa la figura fundamental del gótico internacional catalán por su dominio técnico, la estilización imaginativa y el cuidado exquisito del detalle.
Tinguely, Jean (Friburgo, 22 de mayo de 1925 - Berna, 30 de agosto de 1991) Pintor y escultor suizo. Es
famoso por sus "máquinas escultura" o arte cinético, entroncado en la tradición Dada;
conocido oficialmente como Méta - Matics. A través de su arte Tinguely satirizó
la sobreproducción sin sentido de bienes materiales por parte de la sociedad
industrial avanzada.
Biografía
Tinguely creció en Basilea, pero
se mudó a Francia en su juventud para desarrollar su carrera artística.
Perteneció al movimiento de avantgarde (vanguardia) parisino de mediados del
siglo XX y fue uno de los artistas que firmó el manifiesto Neorrealista (Nouveau
réalisme) en 1960.
Su obra más famosa es una
escultura que se autodestruye, llamada Homenaje a Nueva York (1960), se
autodestruyó en forma parcial en el Museum of Modern Art, de Nueva York, aunque
su obra posterior, Estudio No.2 para un fin del mundo (1962), detonó de forma
exitosa enfrente del público reunido en el desierto cerca de Las Vegas.
En 1971, Tinguely se casó con la
artista francesa Niki de Saint Phalle.
En 1954 Tinguely creó un conjunto
de obras para exposiciones en París y Milán que hoy se incluyen bajo el título
“Méta-Malevitch”. Se trata de relieves hechos de cajas de madera cuadradas o
rectangulares frente a las cuales parecen flotar elementos metálicos en formas
geométricas básicas como línea y círculo en blanco puro (o en algunos casos en
rojo brillante).
Estas formas flotantes se montan
en alambres finos que se conectan detrás de la "superficie de la
imagen" con ruedas de madera o metal de varios tamaños. Cuando estas ruedas
se ponen en movimiento mediante correas de transmisión que las conectan con un
motor igualmente oculto, aparece una serie continua de nuevas constelaciones en
la “superficie de la imagen”. Tinguely mejora aún más el efecto así creado al
asegurar que el punto de pivote no esté en el medio para todas las líneas y que
las ruedas tengan diferentes diámetros, haciendo que los elementos giren a
varias velocidades. Esto además evita que se produzcan constelaciones
simétricas simples después de un cierto período de tiempo, o, como Tinguely una
vez le dijo a un espectador de sus obras: “Se necesitarían al menos 10,000 años
para que esta extraordinaria nueva máquina repita ante nuestros ojos la misma
composición . "
El “Méta-Matic No. 14” portátil y
manual enfatiza el aspecto de suceder aún más dramáticamente que las otras
máquinas de dibujo. Aquí se vuelve particularmente obvio que es el momento del
dibujo, la interacción entre el espectador del arte (usuario del arte) y la
escultura de máquina lo que realmente constituye la obra de arte, y que el
dibujo producido en el proceso se parece más a un documento de una interacción
vivida que a una obra de arte. obra de arte por derecho propio.
Bartolomeo (o Baccio) della Porta, Fra (Florencia, 28 de marzo de 1472 – 31 de octubre de 1517) Es considerado uno de los grandes artistas del Renacimiento en Florencia. Su nombre original era Baccio della Porta, tomando el nombre de Fray Bartolomeo en el año 1500 cuando llegó a la orden Dominicana.
Biografía
Nació el 28 de marzo de 1472 en la localidad de Savignano di Prato, cerca de Florencia en la Toscana. Recibe el apodo de Baccio della Porta que deriva de Baccio, diminutivo de Bartolomeo y Porta debido a que su casa estaba cerca de la puerta de San Piero Gattolini.
Entre 1483 y 1484, gracias a la recomendación de Benedetto da Maiano, ingresa como aprendiz en el taller de Cosimo Rosselli. Tras dejar el taller comienza a interesarse por la obra de Leonardo da Vinci. Entre 1490 y 1491 comienza una colaboración con Mariotto Albertinelli. A finales de 1490, Baccio fue seguidor de las enseñanzas de Fray Girolamo Savonarola, que denuncia lo que él ve como arte contemporáneo inútil y corrupto hasta llegar a crear la hoguera de las vanidades. Savonarola defiende el arte como ilustración visual directa de la biblia para educar a los que son incapaces leer la Biblia. A partir de 1498 dibuja su famoso retrato de Savonarola, ahora en el Museo Nazionale di San Marco en Florencia. Al año siguiente le encargan la realización del fresco del Juicio universal para el Hospital de Santa Maria Nuova, terminado por Albertinelli y Giuliano Bugiardini cuando Baccio se convierte en un fraile dominicano el 26 de julio de 1500. Al año siguiente entra en el convento de San Marco.
Renuncia a la pintura durante varios años, no reapareciendo hasta 1504 en que se convierte en el jefe del taller del monasterio en obediencia a su superior. En ese mismo año comienza La visión de San Bernardo para la capilla de la familia de Bernardo Bianco en la Badia Fiorentina, acabado en 1507. Poco tiempo después de este trabajo, Rafael visita Florencia y se hace amigo del fraile. Bartolomeo aprende el uso de la perspectiva del artista más joven, mientras que Rafael aprende las habilidades de colorear y la dirección del trazo, las nuevas técnicas aprendidas por ambos se reflejaran en los trabajos futuros de ambos artistas. Rafael, con quien entabló una gran amistad durante su estancia, finaliza dos obras que el monje había dejado en sus manos cuando este realiza un viaje a Roma.
A principios de 1508, Bartolomeo se traslada a Venecia para pintar Dios Padre, Santa María Magdalena y Santa Catalina de Siena para la iglesia dominica de San Pietro Martire en Murano, trabajos influenciados por el colorismo Veneciano. Debido a que los dominicos no pagaron el trabajo, él retorna de nuevo a Lucca, donde comienza a trabajar. En Lucca, en octubre de 1509, él pinta junto con Albertinelli el retablo de Madonna y el niño con los santos para la catedral local. El 26 de noviembre de 1510, Piero Soderini le encarga el retablo de la Sala del Consigliode Florencia, ahora en el museo de San Marco. Dos años más tarde acaba otro retablo para la catedral de Besançon.
En 1513 regresa a Roma, en donde pinta Pedro y Pablo, ahora en la Pinacoteca Vaticana, durante los años siguientes pinta San Marcos evangelista para el Palazzo Pitti en Florencia y los frescos del convento dominicano de Pian di Mugnone. Después de realizar el trabajo Banquete de Venus que había prometido para el duque Alfonso I de Este de Ferrara, del cual solamente se conservan algunos de los dibujos, realiza su último trabajo, los frescos de Noli me tangere ambos en Pian di Mugnone.
Murió en Florencia en 1517.
Una pintura suya, Sagrada Familia, fue adquirida hacia 1996 por el Museo J. Paul Getty de Los Ángeles, por casi 2.000 millones de pesetas de la época.
Barocci o Baroccio, Federico (Urbino, h. 1535 - 30 de septiembre 1612) Llamado también il Fiori. Pintor manierista italiano. Una de las figuras principales entre Correggio y Caravaggio.
Biografía
Nacido en Urbino de familia lombarda, recibió su primer aprendizaje de manos de su padre, Ambrogio Barocci, un escultor de fama local. Después entró en el taller de Battista Franco. Marchó con su tío Bartolomeo Genga a Pesaro, y en 1548 a Roma, donde trabajó en el estudio más importante de la época, el de los hermanos Taddeo y Federico Zuccari.
Tras pasar cuatro años en la Ciudad de los Papas, volvió a su ciudad natal, donde su primer trabajo fue una Santa Margarita para la Cofradía del Santísimo Sacramento. Fue invitado de nuevo a Roma por el papa Pío IV para colaborar en la ornamentación del Palazzo del Belvedere, donde pintó una Virgen con niño y Santos, así como la decoración del techo con la Anunciación.
En esta segunda estancia, Barocci contrajo una dolencia intestinal que le hizo sospechar un envenenamiento por parte de algún rival celoso. Temiendo que la enfermedad fuese mortal, dejó Roma en 1563. Desde entonces su salud fue frágil, aunque siguió en activo cuatro décadas más. Aunque es descrito por sus contemporáneos como una persona desconfiada e hipocondríaca, sus pinturas son vivaces y brillantes. Siguió trabajando para la corte papal, pero sin retornar a Roma. Su principal patrono fue Francesco Maria II della Rovere, duque de Urbino.
Barocci pasó los últimos cincuenta años de su vida sumido en una profunda hipocondría. Según Bellori no podía trabajar sino una hora por la mañana y otra por la tarde, lo cual resulta sorprendente teniendo en cuenta lo abundante de su obra. No podía concentrarse durante demasiado tiempo, ni física ni mentalmente, y por la noche le asaltaban los sueños más horrorosos. Según el mismo autor, estas anomalías en su carácter estuvieron originadas en un triste incidente durante su residencia en Roma, cuando fue envenenado por unos rivales envidiosos. No se sabe a ciencia cierta si esta historia era real o simplemente producto de la imaginación del hipocondríaco artista. Lo cierto es que estuvo cerca de la muerte. Cuando se recuperó abandonó Roma aterrorizado para no volver jamás.
Estilo
Barocci fue un artista innovador en su época y hasta "ecléctico". Parece que pudo admirar algunos dibujos al pastel de Correggio, y le imitó en esta técnica. Los dibujos de Barocci son los más antiguos de este tipo que han llegado a nuestros días. En estos pasteles y en sus bocetos al óleo (otra técnica en la que fue pionero), consigue una cualidad casi etérea. Algunos de estos diseños son preparatorios para obras de mayor envergadura. Parece que era meticuloso en su forma de preparar estos trabajos, pues sus esbozos de todo tipo fueron centenares: dibujos de posturas, composiciones, modelos de arcilla, estudios de perspectiva y color, desnudos, etc. En las obras ya acabadas, su colorido vivo en pinceladas ligeras, y ciertas expresiones faciales y gestos, parecen anticipar el barroco.
Al trasladarse a Roma y sumarse a las tesis contrarreformistas su carrera tuvo un éxito rapidísimo. En 1566 ingresó en la Orden de los Capuchinos. Parece que sufrió la influencia espiritual de San Felipe Neri y su doctrina. Efectivamente, Neri le encargó dos obras para su iglesia de Santa Maria in Vallicella: una Visitación (1583-86) y una Presentación de la Virgen (1593-94).
Entre sus obras, destacan dos en el Museo del Prado. Una es La Natividad (h. 1597), regalada por el duque de Urbino a la reina Margarita de Austria (esposa de Felipe III) quien al recibirla opinó: «Pintura muy buena, por cierto, y muy alegre y devota». El segundo ejemplo de Barocci en el Prado es un gran Cristo crucificado (h. 1610-12), cuyo fondo incluye un paisaje muy realista de Urbino. Este cuadro colgó sobre la capilla ardiente del duque de Urbino y fue legado por éste al rey español. De él se conoce una versión reducida, supuestamente original de Barocci, en la galería de arte Whitfield de Londres.
Su obra Huida a Egipto o Reposo en Egipto resulta interesante por la permanencia de temas tomados de los evangelios apócrifos como la rama milagrosa que calma la sed de la Virgen.
También incursionó en temáticas relacionadas con la mitología antigua, por ejemplo, Eneas y Anquises que además es pintura más cercana al barroquismo.
Barbari, Jacopo de (Venecia, 1445 - 1515) Pintor y grabador en cobre y madera italiano con un estilo muy personal. Se trasladó de Venecia a Alemania en 1500, convirtiéndose así en el primer artista renacentista italiano de cierta categoría que trabajó en Europa Septentrional. Los cuadros más antiguos que se conservan (alrededor de doce) incluyen el primer ejemplo conocido de trampantojo producido desde la Antigüedad. Sus 29 grabados en cobre y tres grandes xilografías fueron también muy influyentes.
Biografía
Se desconocen su lugar y fecha de nacimiento, pero fue descrito como veneciano por sus contemporáneos, incluyendo Alberto Durero («van Venedig geporn»), y como «viejo y débil» en 1511, así que se ha propuesto que nació entre 1450 y 1470. Dado que la primera fecha de este período daría a entender que no destacó hasta cumplir casi cincuenta años, la segunda fecha parece más probable. Hay también hipótesis de que fuera de origen alemán, pero ahora parece claro que era italiano; hay documentos supervivientes de él dirigidos a alemanes, donde escribe en italiano. Firmó la mayor parte de sus grabados con un caduceo, el signo de Mercurio, y su bodegón conservado en Múnich (a la derecha) tiene la inscripción "Jac.o de barbarj p 1504" en el pedazo de papel pintado. Probablemente Jacopo no formaba parte de la importante familia veneciana de los Bárbaro pues nunca fue incluido en la genealogía de esta familia.
Nada se sabe de sus primeras décadas de vida, aunque se ha sugerido que Alvise Vivarini fue su maestro. En sus primeras obras se notan las influencias de Giovanni Bellini; conoció a Alberto Durero en 1494-1496 en Venecia. En 1500 marchó a Alemania, y a partir de ahí su existencia está mejor documentada. Vivió sobre todo en Fráncfort del Meno y en Núremberg donde podría haber sido maestro de Hans von Kulmbach y se convirtió en pintor oficial de la corte del emperador Maximiliano I de Habsburgo de 1503 a 1504. Luego vivió en varios lugares al servicio de Federico el Sabio de Sajonia en 1503-1505, antes de trasladarse a la corte del elector Joaquín I de Brandemburgo durante aproximadamente los años 1506-1508. En Alemania fue conocido a menudo como Jacop Walch, probablemente de «Wälsch» lo que significa extranjero, un término que era especialmente usado para los italianos.
Puede haber regresado a Venecia con Felipe el Hermoso de Borgoña, para quien más tarde trabajó en los Países Bajos. A partir de marzo de 1510, estaba trabajando para la gobernadora de los Países Bajos en Bruselas y Malinas, sucesora de Felipe, la archiduquesa Margarita. En enero de 1511 enfermó e hizo testamento, y en marzo la archiduquesa le dio una pensión vitalicia, debido a su edad y debilidad («debilitation et vieillesse»). Para el año 1516 ya había muerto, dejando a la archiduquesa en posesión de treinta y tres matrices de grabado. Puesto que muchas de sus láminas fueron probablemente grabadas por ambos lados, significa que algunos grabados pudieron no haber sobrevivido.
Bamboccio, Pieter van Laer o Laar, llamado Il (Haarlem, h. 1592 - h. 1645) Pintor y grabador holandés de escenas de género o cotidianas, que alcanzó la fama durante una década de actividad en Roma. También citado con los nombres Pieter van Laar y Peter van Laer, su apodo «il Bamboccio» («el fantoche») dio origen al término bambochada, que se refiere a la temática de cuadros que solía pintar.
Biografía
Nacido en Haarlem, residió en Roma desde 1625. La influencia de la pintura italiana se detecta en sus paisajes y fondos, pero en cuanto a temas se mantuvo fiel a la tradición holandesa. Se volcó en el mundo campesino: mercados, fiestas populares, escenas de caza. Comparado con el arte italiano predominante, de cuidada estética y contenido intelectual, su estilo resultaba tosco y casi feísta, con personajes rudos y poco agraciados. Sin embargo, hay que aclarar que el apodo bamboccio (deforme, grotesco) no se debía a los cuadros del pintor, sino a su propio físico.
Coincidiendo con el auge de un naturalismo costumbrista derivado de Caravaggio, Van Laer se puso de moda y su producción, denominada bambochadas, fue imitada por varios pintores que residían en Roma, mayormente holandeses como él: Jan Both y su hermano Andries, Jan Miel...así como el ecléctico Sébastien Bourdon y el italiano Michelangelo Cerquozzi. Ellos fueron igualmente llamados bambochantes.
Van Laer regresó a Holanda hacia 1639, y vivió habitualmente en Ámsterdam y Harlem, donde falleció hacia 1642.
Baldung Grien, Hans (Schwäbisch Gmünd, Alemania, 1484 - Estrasburgo, Francia, septiembre de 1545). Pintor alemán del renacimiento, que también trabajó como ilustrador, grabador y diseñador de vidrieras. Discípulo de Durero, conformó un estilo muy personal, especialmente en sus inquietantes alegorías.
Biografía
Hijo de un abogado, Hans Baldung nace en la ciudad de Schwäbisch Gmünd, perteneciente a la histórica región de Suabia y que actualmente se engloba dentro del estado federado alemán de Baden-Wurtemberg. El apodo Grien («verde» en alemán) que recibió (presumiblemente ideado por Durero) no tiene un origen claro; se cree que aludiría al gusto de Baldung de vestirse de color verde, y así distinguirle de otros jóvenes que trabajaban en el taller, o podría derivar del término Grienhans («bruja»), lo que encaja con los temas de ocultismo y tétricos que gustaba representar.
Fue un artista relativamente prolífico: diseñó unas 550 xilografías, de las cuales más de 400 son ilustraciones de libros, y subsisten unos 250 dibujos suyos, muchos para la producción de vidrieras. Sus pinturas conservadas, a pesar de las pérdidas causadas por las revueltas iconoclastas y posteriores avatares, suman 89.
Tras un aprendizaje en Estrasburgo o Memmingen, hacia 1503 Baldung ingresa como aprendiz en el taller de Durero, al igual que el joven Hans Schaüfelein. En esa época produce algunos grabados bajo el fuerte influjo de su maestro, lo que en parte se explica por la necesidad de producir obras con un estilo homogéneo. Se pueden citar tres xilografías acaso pensadas como tríptico: La Virgen con el Niño, Santa Bárbara y Santa Catalina de Alejandría. Al menos la matriz del segundo fue adulterada hacia 1530 al sumársele el anagrama A D de Durero, pero es catalogada unánimemente como obra de Baldung. Se sabe que hasta Hernando Colón, hijo del famoso navegante, poseyó un ejemplar de este grabado; hay otros ejemplares en el Museo Británico y la Biblioteca Nacional de España.
La estrecha relación de confianza entre Baldung y Durero queda probada porque el maestro, durante su viaje a Venecia en 1505-07, dejó a Baldung al mando de su taller. Hacia 1507, al regresar Durero, Baldung decidió independizarse si bien lo hizo cordialmente y los artistas mantuvieron su amistad hasta el final. Hacia 1520 Baldung copió fielmente los hoy famosos cuadros de Adán y Eva del Prado (sus copias se conservan ahora en los Uffizi de Florencia) y durante su famoso viaje a los Países Bajos en 1521, Durero llevó consigo estampas de Baldung, y cuando el maestro falleció en 1528, un mechón de su cabello le fue remitido a su antiguo alumno.
Sus obras actualmente más estimadas son alegorías, por lo general de expresividad muy crispada y estética bizarra. Son famosas sus escenas de Venus y demás figuras femeninas desnudas, acosadas por esqueletos y criaturas diabólicas (Las tres edades y la muerte, Museo del Prado). Se pueden citar además: La armonía (o Las tres Gracias, Prado), La música y La prudencia (Alte Pinakothek de Múnich). También pintó el tema de Hércules y Anteo (Kassel), poco habitual en el arte alemán.
Con todo, la mayor parte de la producción pictórica de Baldung Grien fue religiosa, dentro de un estilo comparativamente más tradicional. En el Germanisches Nationalmuseum de Nuremberg se conservan varias obras suyas: Judith, La Virgen de los papagayos y un tríptico de San Sebastián. Su obra religiosa seguramente más importante y ambiciosa es un políptico sobre la vida de la Virgen María para el altar principal de la catedral de Friburgo de Brisgovia (Freiburg im Breisgau). Baldung fue tan bien pagado por este trabajo que se estabilizó económicamente para el resto de su vida. Para este mismo templo diseñó las vidrieras del coro.
Ocasionalmente produjo retratos; se representó a sí mismo en una pintura conservada en Estrasburgo si bien el único retrato firmado que se le conoce, un Retrato de dama con las iniciales H B, está en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid. Es la única efigie femenina de su producción, si bien viejas reseñas citan que pintó al menos dos más.
Sus grabados son muy cotizados en el mercado. En 1511 produjo una xilografía de chiaroscuro del tema de Adán y Eva, que repitió en otro grabado en 1519. En 1534 grabó tres escenas de Caballos en el bosque. Baldung apoyó la reforma luterana y ejemplo de ello es que produjo un retrato grabado de Martín Lutero protegido por el Espíritu Santo y, en 1543, otro del reformador Caspar Hedio.
Pasó mucho tiempo de su vida en Estrasburgo y en Friburgo, lugar donde tiene una gran parte de su obra (Augustinermuseum).
Baldovinetti, Alesso (Florencia, 14 de octubre de 1427 – 29 de agosto de 1499) Pintor y mosaísta florentino.
Biografía
Poco se sabe de su formación inicial, pero su estilo muestra la influencia de Fra Angelico y Domenico Veneziano. Dos de sus obras cumbre se encuentran entre las primeras muestras de pintura de paisaje con figuras, estas son El Nacimiento, un fresco que hizo entre 1460 y 1462 en la basílica de la Santísima Anunciada y su Virgen con Niño de los años hacia 1460, que se encuentra en el Museo del Louvre y que plasma el paisaje del valle del río Arno en el fondo.
Su quehacer, aunque era contadas veces innovador, ejemplifica el cuidadoso modelado de la forma y la precisa representación de la luz, característica general del estilo progresivo de la pintura florentina durante la última mitad del siglo XV. También diseñó la decoración de mosaico colocada sobre las puertas de bronce que Lorenzo Ghiberti hizo para el Baptisterio de San Juan entre 1453 y 1455, además de crear vitrales y taraceas. Empezó con un niño q no obedecia a su madre pero luego triunfo en la vida
Badajoz, Juan de, llamado el Mozo (León?, antes de 1498 - h. 1555) Alarife y maestro mayor de obras español, natural de Badajoz.
Biografía
Era miembro de una familia de maestros de obras del periodo tardogótico, con estilos arquitectónicos característicos en los que preponderaban los detalles decorativos sobre los estructurales o tectónicos. Uno de los miembros más destacados de esta familia fue su padre, Juan de Badajoz el Viejo, de cuya obra fue continuador. La continuación de las obras del padre (a partir del año 1525) arroja dudas acerca de si algunas obras y trabajos son autoría de la vejez del padre o de la juventud del hijo.
Juan de Badajoz el Mozo, ya en solitario, estuvo activo en la ciudad de León en las primeras décadas del siglo XVI, ejerciendo como maestro de obras en la catedral de esta ciudad, y siendo uno de los últimos representantes del estilo plateresco en la zona.
