Henry Moore (1898-1898)

Arte abstracto

Moore, Henry (Castleford, 30 de julio de 1898 -Much Hadhman, 31 de agosto de 1986) Escultor y dibujante británico. 

Hijo de un minero, estudió en la Escuela de Arte de Leeds y en el Royal College of Art de Londres. En su obra temprana se percibe el impacto de la escultura moderna europea pero, sobre todo, del arte arcaico egipcio, etrusco, precolombino y africano. A partir de 1926 trabajó preferentemente el motivo de la mujer reclinada, que procede de la escultura del dios maya de la lluvia Chac Mool, cuya composición le había impresionado profundamente. A partir de 1930 evolucionó hacia la abstracción, que entonces era la tendencia más extremista, pero siempre conservando referencias a formas que derivan de la naturaleza. Son de destacar sus dibujos de tiempos de guerra que describen el interior de los metros londinenses. convertidos en refugio, de los que posee una buena muestra la Tate Gallery de Londres. 

Trabajó preferentemente el mármol, que tallaba personalmente con los utensilios tradicionales. A menudo abría zonas cóncavas o, incluso, dejaba grandes vacíos en sus figuras para fundir la forma en el espacio que ocupaba. A partir de 1943 empezó a recibir encargos de esculturas monumentales destinadas a lugares públicos: volvió a las formas naturalistas, en particular la de la mujer reclinada, con el tema de la maternidad, del que realizó muchas versiones. Este tipo de esculturas fueron la base de su reputación internacional, que se consagró con la gran exposición retrospectiva celebrada en 1946 en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. En 1948 fue premiado por la Bienal de Venecia. Sus esculturas monumentales más importantes son la de la sede de la UNESCO en París (1957-58), la del Lincoln Centre de Nueva York (1963- 65) y la del ala este de la Galería Nacional de Arte de Washington (1978). Sus esculturas se encuentran en los mejores museos de arte contemporáneo de todo el mundo.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Obras comentadas

Figura recostada

Rey y reina

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Galería

Composición, 1934

Modelo de trabajo para Knife-Edge Two-Piece, 1962

Rey y reina de Henry Moore

Este escultor trabajaba al aire libre y prefería colocar su obra en espacios abiertos. Huyó de especulaciones intelectuales para concentrarse en los modelos que le ofrecía la vida, seducido por una forma de vitalismo que tomaría su temática principal de la familia, de la madre y el hijo, o de una figura aislada reclinada.

(en la campiña escocesa, cerca de Dumfries)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Figura recostada de Henry Moore

Realizada en 1938, esta famosa obra de Moore, el escultor británico más importante del siglo xx, representa uno de sus temas favoritos: la figura humana. El arte de Moore tiene elementos del surrealismo, el expresionismo y el cubismo sin que pueda ser encuadrado en ningún movimiento en concreto, porque se vale de todas estas corrientes artísticas para elaborar un estilo inconfundible.  

(Tate Britain, Londres)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

George Grosz (1893-1959)

Expresionismo

Grosz, George (Berlín, 26 de julio de 1893 - Berlín Oeste, 6 de julio de 1959) Pintor alemán, uno de los máximos representantes de la Nueva Objetividad.

Biografía

Asiste a la escuela de gramática de Stolp entre 1902 y 1908. Estudia en la Academia de Arte de Dresde (1909-1912), en la Escuela de Artes y Oficios de Berlín (1912) y en el estudio Colarossi de París en 1913. Le influyen el cubismo, Delaunay y el futurismo italiano.

En 1914 es dado de baja en el servicio militar por enfermedad. Reliza muchas caricaturas, donde se revela una personalidad amarga, ahora fortificada por sus observaciones de la autocracia, la corrupción y los horrores de la guerra.

En 1917 se llamado de nuevo a la milicia para volver a ser enviado a un hospital militar, donde protagoniza un grave incidente con un sargento. Escapa de una sentencia a muerte por deserción por la intervención de su mecenas Harry Countkeßler, y es enviado a un hospital para víctimas de guerra mentalmente discapacitadas, haciendo comentarios devastadores del personal administrativo. Es declarado definitivamente no apto para el servicio.

En 1917 realiza sus primeras series de litografías, aparecidas en diferentes publicaciones, en las que ya desarrolla un estilo y una temática característica de toda su obra gráfica. Sus cuadros de esta época, como Dedicado a Oscar Panizza (1917-1918), demuestran la influencia del futurismo y su capacidad para representar datos históricos, críticas a la sociedad y un diagnóstico de la crisis consecuente a la guerra. Sus dibujos mordaces y sus colaboraciones en happenings y publicaciones dadaístas hicieron de él una figura popular en los años veinte. Esta notoriedad provoca su enfrentamiento con grupos reaccionarios burgueses, que incluso le amenazan de muerte. El dibujo Apto para el servicio activo (1916-1917) muestra el sentido de Grosz de lo macabro y su odio a la burocracia, con una economía de medios gráficos que expresa un espacio contraído al modo cubista. Sus cuadros de estos tiempos tienen las mismas características. En Autómatas republicanos de 1920, aplica el estilo de De Chirico y la escuela metafísica a la sátira política, acercándose de este modo al espíritu fantástico de dadaístas y surrealistas; sin embargo, el modo que mejor se adapta a sus apasionadas convicciones es el que viene de la tradición expresionista de denuncia salvaje de la decadente Alemania. Durante un breve espacio de tiempo, en los años veinte, emplea un estilo realista preciso en los retratos, acercándose más a la Nueva Objetividad de Otto Dix.

En los años treinta escapa a los Estados Unidos, " ...donde su personalidad se transfoma. Aunque ocasionalmente caricaturizara pesonajes americanos, éstas eran bastante suaves, incluso afectivas. América fue para él un sueño hecho realidad y pintó los rascacielos de Nueva York y la dunas de Provincetown en un clima sentimental... El crecimiento del nazismo reavivó su habilidad para el comentario brutal, pintando, con motivo de la Segunda Guerra Mundial, series en las que expresa un odio amargo y a veces un profundo desengaño personal... Grosz perdió en su tierra prometida algo que jamás recuperaría... " (Arnason).

En 1954 tiene una retrospectiva en el Museo Whitney de Nueva York. Muere el 6 de julio de 1959 en Berlín oriental.

Fuente: http://www.mcnbiografias.com

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Obra comentada

El entierro del poeta Oscar Panizza

Galería

Café, 1916

John, la mujer asesina, 1916

El entierro del poeta Oscar Panizza de George Grosz

Pintado en 1917-1918, se inspira indudablemente en el “Funeral del anarquista Galli”, que en 1910 pintó Carrá. El funeral se convierte aquí en un motín dominado por un rojo de sangre y de fuego. Grosz se consideraba un propagandista de la revolución social. De estilo muy incisivo, la obra del autor ataca, según sus propias palabras, “a una sociedad dominada por los galones, la levita, la sotana y la caja fuerte” (1926).

(Staatsgalerie, Stittgart)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

Carolus-Duran (1837-1917)

Realismo

Carolus-Duran, seudónimo de Charles Durand (Lille, 4 de julio de 1837 - París, 17 de febrero  de 1917) Pintor e instructor de arte francés. Es conocido por sus pinturas de la alta sociedad en la Tercera República de Francia.

Biografía

Carolus-Duran nació en Lille. Estudió en la Academia de su ciudad y luego en la Académie des Beaux-Arts en París. En 1861, viajó a Italia y España para cursar estudios superiores, sobre todo dedicados a las pinturas de Velázquez. Su pintura dramática Asesinados o El asesinato (1866), fue uno de sus primeros éxitos, ahora en el Palais des Beaux-Arts de Lille.

Carolus-Duran es muy conocido como pintor de retratos, maestro de algunos de los artistas más brillantes de la siguiente generación, como es el caso del español Ramón Casas.​ Su pintura Virgen con el guante (1869), un retrato de su esposa,​ fue comprado por el Musée du Luxembourg en París.

En 1889, fue nombrado comandante de la Legión de Honor. En 1890 participó en la creación de la Sociedad Nacional de Arte Francés (Société Nationale des Beaux Arts). Se convirtió en un miembro de la Académie des Beaux-Arts en 1904, y al año siguiente fue nombrado director de la Academia de Roma. Murió en París.

Fuente: https://es.wikipedia.org  

Más obras

Estudio para una dama de negro, 1859

Retrato de Pierre Legrand, 1859

Rubens (1577-1640)

 

Barroco

Rubens, Pedro Pablo (Siegen, Alemania, 28 de junio de 1577 - Amberes, Flandes, 30 de mayo de 1640) Pintor flamenco. Fue el máximo representante del barroco en el norte de Europa. Nacido en Siegen (Westfalia), residió en Colonia hasta 1589, en que pasó a Amberes. Recibió educación clásica y estudió con T. Verhaecht, Adam van Noort y Otto van Veen. En 1598 figuraba como miembro de la guilda de Amberes y en 1600 se decidió a viajar a Italia, donde trabajó para el duque de Mantua y se dedicó al estudio de los maestros italianos (Miguel Ángel, Rafael, Correggio, Caravaggio). Las obras más importantes de este período italiano son el Tríptico de la Santa Cruz de Jerusalén (1602; Roma), Los doce apóstoles (1603; Prado) y el retablo de la Santísima Trinidad (1605; Mantua). En 1603 el duque de Mantua le envió a Madrid, donde pudo admirar los cuadros de Tiziano de la colección real, y pintó el magnífico retrato del Duque de Lerma a caballo (Prado). Regresó a Amberes en 1608 y fue nombrado pintor de la corte de la gobernadora de los Países Bajos, Isabel Clara Eugenia, cargo que conservó hasta su muerte. Se casó con Isabel Brandt, de la que tuvo dos hijos, e inició un período de espléndidos triunfos, que constituyó la más fructífera carrera de la historia del arte.

En este segundo período la influencia de la pintura italiana dejó paso a un estilo más personal, de mayor claridad en el tratamiento de los temas y de la luz; las mejores obras de esta época son Erección de la Cruz (1610) y Descendimiento de la Cruz, ambas en la catedral de Amberes. Una mayor fluidez en la plasmación de los volúmenes y mayor dinamismo en las escenas son las características de su tercer período (1614-1622), en el que pintó de preferencia batallas, cacerías y escenas mitológicas: Rapto de las hijas de Leucipo (1615; Munich), Juicio final (1616; Munich), Batalla de las amazonas (1617; Munich), Caza del león (1617; Munich). Son también de este período sus vastos proyectos decorativos, representados en primer lugar por las pinturas de la iglesia de los jesuitas de Amberes (1620).

A partir de 1620 Rubens se vio absorbido por grandes encargos internacionales: ciclo de la historia de María de Médicis para el Palacio de Luxemburgo (1622-1624), que comprende 21 composiciones gigantescas (Louvre); el ciclo de Enrique IV (1630; Uffizi); tapicerías de Luis XIII (1622-1623), entre otros. En esta época, además de trabajar en su ingente obra pictórica, desempeñó numerosas misiones diplomáticas que le llevaron a Países Bajos, Francia, Gran Bretaña, Italia, y de nuevo a España en 1627; en Madrid pudo copiar los cuadros de Tiziano que tanto había admirado y entabló una buena amistad con Velázquez.

En 1626 murió su primera esposa y en 1630 contrajo matrimonio con una bella y exuberante joven de dieciséis años, Elena Fourment, que pasó a ser su musa y modelo en retratos de gran colorido y de estilo ligero y fluido; la pintó con ricos ropajes y en sensuales desnudos (Elena Fourment con abrigo de piel, Museo de Viena), o en escenas mitológicas (Las tres Gracias, El juicio de París, ambas en el Prado).

Rubens realizó una obra ingente que puede ser admirada en los más importantes museos del mundo, pero en su realización contó con magníficos colaboradores y discípulos, como Antoon van Dyck, Jacob Jordaens o Frans Snyders.

Rubens, el pintor de la mujer

Peter Paul Rubens nació en Siegen (Alemania), de padres flamencos desterrados, el 28 de junio de 1577. Jan Rubens, su padre, se había hecho calvinista, lo que ponía en peligro su vida en la Amberes dominada por el yugo católico del ocupante español. Así que con su mujer, Maria Pypelinckx, y sus cuatro hijos se establece en Colonia como un refugiado más. Pero en Alemania daría muestras de lo más inconsciente de su carácter, pues se convierte en amante de la princesa Ana de Sajonia, quien lo ha tomado a su servicio como secretario. El padre del artista hubo de purgar una pena de reclusión en el castillo de Dillenburg. Por fin, la condena terminada, Jan y los suyos se instalan en Siegen, en donde va a nacer Philip -el futuro humanista- en 1573, y cuatro años más tarde nuestro Peter Paul, alemán involuntario, aunque siempre flamenco de alma. Un año después, los Rubens pueden volver a Colonia, y tras la muerte del padre la familia se instala en el Meir, centro de Amberes, tratando de casar a la hija mayor sin dejar por eso de ocuparse de la educación de los hijos más jóvenes.

⇦ Retrato ecuestre del duque de Lerma de Rubens (Museo del Prado, Madrid). Con este cuadro Rubens será de los primeros pintores que aborde el tema del personaje montando a caballo y en escorzo frontal.



Corre el año 1589; Peter Paul empieza a frecuentar la escuela latina de Rombaut Verdonck. Desgraciadamente, pocos meses pudieron durar esos estudios. No había para tanto en casa de Maria Pypelinclx, y para dotar a su hija Blandirse hubo que sacar a Peter Paul de la escuela y colocarlo de paje en casa de la condesa Margarita de Ligne d' Arenberg. Finalmente, en 1590 su misma madre consiguió hacerlo entrar de aprendiz en el taller de un pintor local.

Se ha llegado así a un punto espinoso, el de los estudios del joven pintor dentro ya de su propia especialidad.

Lo clásico era, hasta hace relativamente poco, decir que Rubens había estudiado con tres maestros sucesivos: Tobías Verhaecht, Van Noort y Octavio van Veen, más conocido quizá como Otto Venius. Para Leo van Puyvelde, el gran especialista belga, nada de esto es cierto, y lo que le hace dudar es que hasta el siglo pasado casi no se conocían obras seguras de los presuntos maestros, aunque parece casi seguro que Rubens trabajó con Venius.

Giorgio Vasari (1511-1574)

 

Renacimiento. Cinquecento. Manierismo.

Vasari, Giorgio (Arezzo, 30 de julio de 1511- 27 de junio de Florencia, 1574) Arquitecto, pintor y escritor italiano.

Considerado uno de los primeros historiadores del arte, es célebre por sus biografías de artistas italianos, colección de datos, anécdotas, leyendas y curiosidades recogidas en su libro Las vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos (Le vite de' più eccellenti pittori, scultori, e architettori italiani, da Cimabue insino a' tempi nostri, 1550; segunda edición ampliada en 1568). Se le atribuye el haber acuñado el término Renacimiento.

Biografía

Formación

Fue hijo de Antonio Vassari y Maddelena Tacci. A edad muy temprana se convirtió en alumno de Guglielmo da Marsiglia —destacado pintor de vidrieras—, a quien fue recomendado por su pariente el pintor Luca Signorelli. A los dieciséis años el cardenal Silvio Passerini lo envió a estudiar a Florencia, donde frecuentó el estudio del escultor Baccio Bandinelli y trató con el círculo de Andrea del Sarto y sus alumnos Rosso Fiorentino y Jacopo Pontormo. En Florencia conoció a Miguel Ángel, que preparaba su marcha a Roma y cuyo estilo de pintura le influyó poderosamente.

En 1529 visitó Roma y estudió las obras de Rafael y de otros artistas romanos de la generación anterior. Fue empleado regularmente por patronos de la familia Médicis en Florencia y Roma, trabajando también en Nápoles, Arezzo, Pisa, Bolonia y Módena.

Infancia y pubertad

Fama

Vasari disfrutó de una alta reputación durante su vida y logró una considerable fortuna. También disfrutó de la consideración de sus paisanos de Arezzo, ciudad dependiente de Florencia, donde terminó de construir en 1547 una bella casa a cuya decoración dedicó mucho esfuerzo y que actualmente es su museo. Fue nombrado representante del consejo municipal de su ciudad natal y finalmente ostentó el cargo supremo de confaloniero. Fue también coleccionista de dibujos, que en algunos casos le sirvieron para formular los juicios artísticos que incluyó en sus Vidas.

El manierismo de Vasari fue más admirado durante su vida que después. Se debe entender que Vasari era en cierto modo un romántico, lúcido y entusiasta ante el papel novedoso que estaba desempeñando en el arte el movimiento realista en el que participaba y al que puso nombre, en cierto modo de ruptura con el pasado.

Obra arquitectónica

Como arquitecto, su obra principal fue el Palacio de los Uffizi, en Florencia, edificio de un clasicismo simétrico y muy elegante.​ También levantó en 1559 el Corredor vasariano, un largo pasaje que conecta los Uffizi con el palacio Pitti a través del puente Vecchio. También hizo obras en las iglesias medievales de Santa Maria Novella y Santa Croce, en las que no respetó el coro y el trascoro, y que remodeló al gusto manierista de la época. En Roma colaboró en la construcción de la Villa del papa Julio III, Villa Giulia, iniciada en 1552, con Giacomo Barozzi da Vignola y Bartolomeo Ammanati. Varios edificios de Pistoia fueron diseñados por él.​ Se encargó además de la remodelación de la Piazza dei Cavalieri de Pisa.

Obra pictórica

Cristo conducido al sepulcro 1532, Retrato del duque Alejandro de Medicis1534 y Alegoría de la Inmaculada Concepción 1540.

Se le deben también los frescos del gran salón del palacio de la Cancillería en Roma y especialmente algunos de los frescos decorativos del Palazzo Vecchio en Florencia​ (Cronos castrando a su padre Urano). Comenzó los frescos de la cúpula de la catedral de Florencia, que no logró completar. Cabe destacar la pieza La adoración de los pastores, que conserva una estrecha relación con el fresco del convento de Santa Margarita en Arezzo. El soporte de piedra que el artista eligió cuenta con una delgada preparación. El óleo matizado logra expresar una profundidad de planos, típico recurso del Barroco Neoclásico. «Yo recuerdo que realicé una pequeña pintura de la natividad de Cristo, la cual regalé a mi Señora Costanza de Medici».

En 1563 fundó la Accademia delle Arti del Disegno en Florencia, bajo la protección del duque Cosme I de Médicis y con Miguel Ángel como cabeza de la institución, y treinta y seis artistas elegidos como miembros.

La obra pictórica de Vasari se muestra en todo su esplendor en el interior del Palacio Vecchio, en la conocida Sala de los Quinientos. En 1563 la sala es encomendada a Vasari a fin de llevar a cabo una remodelación decorativa acorde con la grandeza del palacio. Como resultado tenemos un impresionante salón de 52x23 metros, cuyas paredes están decoradas con obras del pintor: la conquista de Siena, la toma de Porto Ercole, la victoria de Cosme I de Marciano della Chiana, la derrota de Pisa en San Vincenzo, el ataque de Mazimiliano de Austria en Livorno y Pisa atacada por las tropas de Florencia. La decoración del techo representa, en 39 paneles, los episodios más importantes de la vida de Cosme I, los barrios de la ciudad y, en el centro, la escena de su nombramiento como gran duque de Toscana. A ambos lados, junto a las paredes, encontramos seis estatuas, incluyendo el Genio de la Victoria de Miguel Ángel.

Hay una polémica por la existencia de una obra de Leonardo da Vinci conocida como La batalla de Anghiari, que en su tiempo se encontraría pintada al fresco en estos muros pero que actualmente está perdida. Se baraja la posibilidad de que al redecorar la sala, Vasari la ocultase bajo sus pinturas. Uno de los elementos que refuerzan esta teoría es la existencia de una expresión italiana situada en la bandera de uno de los frescos de Vasari, que dice Cerca Trova (literalmente: busca y hallarás).

Fuente: https://es.wikipedia.org/

Obra comentada

Vista de Florencia

Galería

Entierro, 1532

Vista de Florencia, 1530

Edward Wadsworth (1889-1949)

 

Vorticismo

Wadsworth, Edward Alexander (Cleckheaton, West Yorkshire, 29 de octubre de 1889 – 21 de junio de 1949) fue un pintor inglés, relacionado con el vorticismo.

Biografía

Formación y evolución artística

Se educó en el Fettes College de Edinburgh.​ Estudió ingeniería en Múnich entre 1906 y 1907, donde en su tiempo libre estudió arte en la escuela Knirr. Ese contacto con el mundo del arte le hizo cambiar de carrera, y de vuelta en el Reino Unido asistió a la Bradford School of Art y posteriormente a la Slade School of Art de Londres.​ En esa escuela conoció a Stanley Spencer, Christopher Nevinson, Mark Gertler, Dora Carrington y David Bomberg.

Obras suyas se incluyeron en la segunda exhibición postimpresionista de Roger Fry en la Galería Grafton (1912). Poco tiempo después abandonó ese estilo, a raíz de su amistad con Wyndham Lewis, y exhibió algunas pinturas influenciadas por el futurismo en las exposiciones futuristas de la galería Doré. Fue miembro del comité que organizó una cena en honor de Filippo Tommaso Marinetti en 1913. A pesar de ello, se fue distanciando de la arrogancia italiana del movimiento. En junio de 1914 formó parte, junto a Lewis, del grupo de artistas que sabotearon la representación pública de Zang Tumb Tumb (poema sonoro sobre la batalla de Adiranópolis).​ El mes siguiente firmó con otros artistas el manifiesto vorticista publicado en BLAST, y suministró a la misma revista un ejemplar de De lo espiritual en el arte de Wassily Kandinsky para su reproducción.​

Primera Guerra Mundial

33 días después de la publicación de la revista, se declaró la guerra entre Alemania y el Reino Unido. Los vorticistas consiguieron cierta continuidad hasta junio de 1915, cuando se celebró una exposición en la galería Doré y, coincidiendo con ella, se publicó una segunda edición de BLAST. Wadsworth contribuyó en ambas. Al poco tiempo, se alistó en la marina. Dos de sus compañeros vorticistas: Henri Gaudier-Brzeska y T. E. Hulme, murieron en el frente; Bomberg y Lewis encontraron que su confianza en la pureza de la máquina había quedado seriamente cuestionada con la realidad de las trincheras. Wadsworth pasó la guerra en la Royal Naval Volunteer Reserve ("Reserva Real Naval Voluntaria") en la isla de Mudros, hasta que fue declarado inválido en 1917, diseñando un tipo específico de camuflaje (dazzle camouflage) para los barcos del bando aliado.​ Estos barcos camuflados (dazzle ships) no eran poco visibles, sino que confundían a los submarinos sobre su velocidad y dirección. Los diseños eran una obvia aplicación de formas cubistas y vorticistas.​ Su interés por la náutica fue una constante en la pintura de Wadsworth durante el resto de su carrera.

Obra posterior

Su principal obra: Dazzle Ship In Dry Dock, de 1919, le situó como un referente del vanguardismo; pero lo cierto es que a partir de entonces adoptó un estilo más realista. En los últimos años de su vida, sus obras se fueron haciendo cada vez más extrañas, con cierto toque surrealista, aunque en ningún momento tuvo contacto con ese movimiento.

Fuente: https://es.wikipedia.org/

Galería

Puerto marítimo, 1923

La Rochelle, 1923

Robert Campin (h.1375-1444)

Renacimiento del Norte. Pintura flamenca.

Campin, Robert (Valenciennes?, 1378?Tournai, 26 de abril de 1444) Pintor flamenco. Identificado modernamente con el Maestro de Fiémalle o de Mérode, fue, junto con Van Eyck, uno de los creadores de la pintura flamenca del s. XV. Se caracteriza por su plasticidad dinámica, casi violenta, con un sentido muy acusado del claroscuro, y por el acentuado escorzo con que traza las figuras, de expresión patética. Por sus contrastes lumínicos es el precedente de los pintores holandeses del s. XVII. Fue maestro de Van der Weyden. Sus obras más importantes, aparte las tres tablas que estuvieron en la abadía de Flémalle y hoy se hallan en el Stadelsches Kunstinstitut de Frankfurt, son el tríptico de la Anunciación (Metropolitan Museum, Nueva York) y las tablas de la Natividad (Museo de Dijon) y de San Juan Bautista y el maestro Francisco Enrique de Werl, Santa Bárbara, Anunciación y Desposorios de la Virgen, las cuatro en el Museo del Prado de Madrid.

⇨ San Juan Bautista y el donante de Robert Campin (Museo del Prado, Madrid). Campin fue llamado también el Maestro de Flémalle antes de ser identificado. Es casi un predecesor de los Van Eyck, y en él se aprecian ecos del estilo gótico internacional. Esta obra de 1438, muestra un gran espejo convexo que le señala como un admirador de "Los desposorios de los Arnolfini" que se muestra unas páginas antes. El donante, humildemente arrodillado, es Enrique de Werl; por ello esta obra se . conoce también como "Retablo de Werl".

La excelencia de la obra de Campin y su independencia prueban que la escuela flamenca de pintura era algo inevitable. Las circunstancias favorables de la corte de Borgoña favorecieron a artistas como Robert Campin, que pintó para esta corte una hermosa tabla de la “Adoración del Niño” (Museo de Dijon). Por de pronto se repite el fenómeno de la perfección técnica, debido a las experiencias acumuladas de siglos en la pintura francesa medieval; pero además, percibimos en la acumulación de detalles domésticos preciosos, en un aristocrático localismo de los fondos, algo que es exclusivamente flamenco. Esta tabla del Museo de Dijon, pintada hacia 1425, es una de las obras más encantadoras y lozanas del siglo.

Su “Virgen amamantando al Niño” (Nacional Gallery, Londres) es más tardía, quizá posterior a 1430. Las santas figuras son humanas hasta el exceso y nos transmiten un sabor de fidelidad y de cordialidad hogareñas. En estas obras y en la “Santa Bárbara leyendo” (Museo del Prado), los personajes que en ellas figuran ofrecen una de las más altas visiones de paz interior por la predilección que demuestran por los interiores de sus casas o paisajes de la región de Flandes, donde han descendido a habitar como simples mortales. Están sumidos en mística unción, mas siempre revelan carácter terrenal.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

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Más obras

Vestimentas litúrgigas de la Orden del Toisón de Oro:
La Copa de la Virgen María, 1442

Vestimentas litúrgigas de la Orden del Toisón de Oro:
La Copa de la Virgen María, 144201

Jenaro Pérez Villaamil (1807-1854)

Romanticismo

Pérez de Villaamil y d'Hugueta​, Jenaro (Ferrol, 3 de febrero de 1807-Madrid, 5 de junio de 1854) fue un pintor romántico español especializado en la pintura del paisaje.

Biografía

Pérez Villaamil fue un niño prodigio y a los ocho años ya ocupaba el puesto de profesor ayudante de dibujo en el Colegio Militar de Santiago a las órdenes de su propio padre, quien era profesor de fortificaciones, topografía y dibujo. Su vida fue una auténtica aventura ya que, tras vivir en Madrid con su familia, tenía dieciséis años cuando se unió al movimiento liberal y se alistó en el Ejército para repeler la invasión conservadora de los Cien Mil Hijos de San Luis en 1823 . En Sanlúcar la Mayor ( Sevilla ) fue herido y hecho prisionero de guerra. Llevado a Cádiz, su cautiverio no le impidió estudiar pintura en la academia de esa ciudad bajo la dirección del profesor José García y al ser liberado en 1830 se trasladó a Puerto Rico para realizar los decorados del techo del Teatro Tapia , el gran teatro de San Juan .

Pérez Villaamil pasó por dos etapas plásticas en las que se dividió su vida. El primero fue el prerromántico y el segundo, que ocupó los últimos años de su vida, ya plenamente romántico .

De regreso a España en 1833 , recorrió Andalucía y trabó amistad con el pintor y dibujante inglés David Roberts , con quien perfeccionó su técnica, y poco después marchó a Madrid, donde conoció a la reina Isabel II , y aplicó a la Real Academia de Bellas Artes. Artes de San Fernando , que obtuvo en 1835 .

Meses después participó en la fundación del Ateneo de Madrid y en la creación del Liceo Artístico y Literario Español , que fue el epicentro del romanticismo en Madrid.

También en esa época conoció a Ramón de Mesonero Romanos y comenzó a ilustrar las obras habituales de este escritor español.

En 1837 vendió cuadros al rey Luis Felipe I de Francia y también a la reina Isabel de España, y fue reconocido como uno de los mejores paisajistas de la época. Y en esa época empezó a cambiar de amigos: de las costumbres de Mesonero Romanos pasó a salir con jóvenes de su tiempo que estaban triunfando en la literatura, como José Zorrilla , a quien dedicó el poema La noche de invierno . Y en 1840, tras un viaje por Castilla , se trasladó a París , donde emprendió un viaje por Europa ( Francia , Bélgica , Países Bajos ) que se prolongó durante cuatro años. La excusa del viaje fue la publicación deEspaña artística y monumental , un álbum de litografías.

La temática de este pintor siempre ha sido el paisaje, a veces con vistas urbanas y también con exteriores arquitectónicos monumentales y trayendo figuras populares que representan personajes de la época lo que le da a sus pinturas un toque humano y costumbrista. En estos viajes europeos entró en contacto con la crítica internacional ( Charles Baudelaire habló de su obra en el Salón de París de 1845 , por ejemplo), aprendió de los maestros del romanticismo europeo y aprovechó para vender cuadros a diversas casas reales. Así que entre sus principales influencias estuvieron David Roberts , pero también los británicos Joseph William Turnery John Martin .

Fue nombrado teniente director de la Real Academia de San Fernando en febrero de 1845 , y también catedrático de paisaje. Y cuando se creó la Escuela Preparatoria para las carreras de ingenieros civiles y arquitectos , Villaamil fue nombrado profesor de paisaje.

Regresó a Galicia en 1849 y viajó por las provincias de A Coruña y Pontevedra .

Continuó viajando por España hasta 1852 , cuando comenzó a sufrir problemas hepáticos . Dos años después moría en Madrid a los 47 años.

Fuente: https://es.wikipedia.org/

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Galería

Fuente De Isabel II En La Calle De La Montera, 1835

Patio del Palacio del Infantado en Guadalajara (España), 1837