Primera acuarela abstracta de Kandinsky,

A pesar de que no tiene título, esta acuarela de Kandinsky, mundialmente conocida como Primera acuarela abstracta, a partir de la primera catalogación de Hill Grohmann, abrió el camino de la abstracción.

Se entiende por pintura abstracta aquella que prescinde por completo del objeto y de la figura y el cuadro se compone mediante la combinación de líneas y colores. Los movimientos anteriores, desde el Impresionismo, ya se habían encaminado hacia una no copia de la realidad. Desde entonces se iba reduciendo el concepto de arte como imitación. Pero la abstracción lleva este principio hasta las últimas consecuencias al prescindir por completo de la referencia a la realidad externa del cuadro.

En 1908, instalado en Murnau, un pueblo de Munich, Kandinsky comienza a desarrollar una pintura que paulatinamente se iría acercando a la abstracción a través de formas simplificadas y colores intensos, como verdes, azules, rojos y amarillos. El alejamiento del naturalismo y la tendencia hacia el arte abstracto se efectuó en Kandinsky entre 1910 y 1913 en una serie de obras que denominó Impresiones, Improvisaciones y Composiciones. En estas pinturas cuesta reconocer la plasmación de una figuración.

Es precisamente en 1910, a pesar de que algunos especialistas tienden a situarla en 1913, cuando pinta su Primera acuarela abstracta. A partir de esta fecha su pintura se basará en los principios expuestos en su obra teórica Sobre lo espiritual en el arte, escrita en 1911 y publicada en 1912, donde relaciona principios de la música y de la pintura, especialmente el concepto del ritmo. Para el artista ruso el arte debe expresar el espíritu, su realidad interior. Es el descubrimiento de que las formas coloreadas presentan propiedades expresivas propias. Su receptividad hacia el color fue la clave del desarrollo de su producción artística.

Kandinsky pinta su primer cuadro abstracto cuando el debate sobre el origen y, por tanto, creador de la pintura abstracta está en auge. La idea de la abstracción aparece también coetáneamente en pintores como P. Mondrian, K. Malevich, R. Delaunay, F. Kupka o F. Picabia.

Sobre un espacio imaginario flotan y se mueven formas abstractas coloreadas en las que no se encuentran referencias miméticas. La obra respira un sentido de libertad, lirismo, que, junto a la fluidez de las manchas de colores, dispuestos arbitrariamente, con gran intuición estética, y el gesto nervioso de la línea configuran un espacio de gran dinamismo. De hecho, esta autonomía del color es lo que le permitió enseñar una concepción de la pintura cercana a la pureza musical. Para él, tanto los colores como los sonidos tienen una capacidad y significado expresivo propio que conduce a una experiencia espiritual.

En definitiva, el resultado es una obra de gran creatividad y movimiento en que los colores son los protagonistas absolutos.

Esta gran acuarela con tinta china y lápiz, sin título, de 497 x 648 cm, grande según los formatos de la época, se conserva en el Museo Nacional de Arte Moderno, Centro Georges Pompidou de París, donada por Nina Kandisnky en 1976.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

Wassilly Kandinsky (1866-1944)

Arte abstracto. Expresionismo. Posimpresionismo.

Kandinsky, Wassily (Moscú, 4/16 de diciembre 1866 -Neuilly-sur-Seine, 13 de diciembre de 1944) Pintor ruso afincado en Alemania. En su juventud, cuando daba clases de derecho y economía en la Universidad de Moscú, se interesó por la tradición de los iconos medievales y por el arte popular ruso. En 1896 abandonó la carrera académica para dedicarse a la pintura y se trasladó a Munich, donde ingresó en la Academia de Bellas Artes para formarse como pintor. Su obra temprana parte del realismo, con influencias del impresionismo y del modernismo. Se interesó por la técnica divisionista del neoimpresionismo y por el tratamiento del color del fauvismo. Se relacionó con la mayoría de los grupos de artistas antiacadémicos que en aquellos años exponían en Europa.

En el período 1911-14 impulsó la formación del grupo Oer Blaue Reiter, que tuvo una gran influencia en el arte alemán. En esta etapa inició un proceso de búsqueda personal que tenía como objetivo lograr un tipo de pintura en la que los colores, las líneas y las formas se liberaran de la necesidad de representar objetos reconocibles para convertirse en un lenguaje visual que fuera capaz de expresar ideas y de evocar emociones. En La montaña azul (1908) ya se observa la evolución hacia la abstracción, que se consolidaría con Primera acuarela abstracta, tradicionalmente fechada en 1910, pero posiblemente más tardía. Trabajó en dos series de pinturas, las denominadas Improvisaciones, formas totalmente abstractas, con manchas irregulares de color y trazos en negro, sin ningún orden estructurado, en las que predomina lo espontáneo, y las Composiciones, formas también abstractas, pero de construcción más elaborada. En otras pinturas de la misma época, como El jinete azul (1911 , el elemento figurativo no ha desaparecido totalmente. La obra de este período ejercería una profunda influencia en el expresionismo abstracto estadounidense de la década de 1960.

Al estallar la I Guerra Mundial Kandisnky volvió a Rusia y, a partir de 1917, colaboró activamente con el nuevo gobierno revolucionario. Fue profesor de la Academia de Bellas Artes y de la Universidad de Moscú, pero a partir de 1922 el gobierno soviético dejó de apoyar el arte de vanguardia y el pintor, decepcionado, abandonó el país para trasladarse a Berlín.

Durante este período su pintura se hizo menos espontánea y de construcción más geométrica. Esta tendencia se acentuó durante los años 1922-33, en los que ejerció de profesor en la escuela de la Bauhaus, en Weimar y en Dessau. En 1933, cuando el gobierno nazi clausuró la Bauhaus, Kandinsky se trasladó a París, donde murió. En estos últimos años su pintura fue una síntesis entre el primer período, más lírico, y el segundo, más racional; sus cuadros están cubiertos por retículas de signos abstractos que parecen jeroglíficos o formas biomórficas: Bleu de ciel (1940). Su obra teórica es fundamental para el desarrollo del arte abstracto: en De lo espiritual en el arte (1910), realizó un estudio de los contenidos expresivos del color -el amarillo, por ejemplo, sería un color que transmite agresividad o el sonido de una trompeta, mientras el azul evoca la espiritualidad del cielo y el sonido de un órgano-; en Punto y línea sobre el plano (1926) analiza los efectos de los elementos abstractos del dibujo -una línea horizontal evoca la frialdad y una vertical el calor-.

Wassily Kandinsky (1866-1944) nació cerca de Moscú. La familia de su madre, de origen báltico, hablaba corrientemente el alemán, lengua que Kandinsky ya aprendió en su infancia, y pronto empezó a familiarizarse con la cultura germánica.

Estos antecedentes tienen interés porque ya hemos señalado que Worringer, en su obra de 1908, publicada en Munich cuando Kandinsky ya residía allí, había descrito la"abstracción" como la categoría artística propia del mundo germánico, nórdico, en su enfrentamiento con la naturaleza hostil; mientras que la categoría opuesta, a la que llamaba Einfühlung, correspondía a la identificación con el objeto (la naturaleza) y la consideraba propia de las civilizaciones clásicas, mediterráneas. En la misma época, otro erudito alemán, Joseph Strzygowsky, estudiando la evolución de los motivos ornamentales, intentaba invertir el punto de vista tradicional de la historia del arte: en su obra Orient oder Rom sostenía que la civilización mediterránea no había creado nada original, que todos sus temas procedían de las culturas orientales, en un inmenso arco que iba desde Persia a las regiones árticas.

Caballero, de Wassily Kandisnsky (Galería Tretjakov, Moscú). Pintado en 1911, la imagen interior, eminentemente lírica, parece una transposición pictórica de los poemas musicales que escribió Schoenberg, amigo del pintor. Puede hablarse en esta tela de una emancipación progresiva del color y de la forma. Comparándola con composiciones anteriores del artista, su pintura se organiza ya de una forma más libre y más colorista. 

El uno dentro de nosotros de Wassily Kandinsky

Esta acuarela de 1928 desconcierta por la combinación de rígida dureza y de fabulosa fantasía que presenta, dentro de la obra general de Kandinsky. El ritmo es tan importante aquí como en una composición musical. y abre un rico camino de posibilidades a la pintura abstracta, que compartiría una temporada con Paul Klee.

(Colección privada, Zürich)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

Wassily Kandinsky de Hornform

Esta composición forma parte de la serie que creó su autor en 1924 cuando fue nombrado profesor de la Escuela Bauhaus. Para Kandinsky fue una época muy tranquila en comparación con la agitación dramática precedente, que reflejó en su obra con un colorido fuerte y agresivamente luminoso, y con un cierto retorno a la figuración. Tendente también hacia la racionalización del proceso creador, sus posteriores composiciones adquirirían un carácter arquitectónico y un vitalismo que hasta entonces no se había visto en su obra anterior.

(Staatliche Museen Nationalgalerie, Berlín))

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat