El siglo XX empezó con el
movimiento de artes y oficios -Arts &
Crafts- en Gran Bretaña y Estados Unidos, y su concepción unitaria del arte
y la artesarúa basada en la recreación estética y formalista de los objetos.
Este movimiento pretendía no sólo impulsar una gran renovación social y
estética, sino también irradiar su validez teórica a otros movimientos
posteriores, creó una gran cantidad de escuelas de arte, desde donde se intentó
una exploración que contribuyó, siguiendo los ideales de William Morris, a la
formación de un nuevo concepto del diseño industrial. El modernismo de los
primeros años apuntó, en especial desde Viena, la necesidad apremiante de
liberar a los objetos de inútiles ornamentaciones artesanales, cediendo
protagonismo a la industrialización y a la estética mecanicista consecuente con
las teorías que más tarde definirían el racionalismo. Adolf Loos, con su
violenta réplica Ornamento y delito,
preconizaba el futuro comportamiento estético del diseño.
La experiencia del diseño racionalista del movimiento moderno, en especial desde la lección impartida por la Bauhaus, definió nuevos parámetros de actuación del diseño industrial. El espíritu del funcionalismo se impuso a las futuras generaciones de diseñadores.
Arquitectura y diseño, hasta la
década transgresora de 1960, siguen la línea impuesta por el funcionalismo y la
obra de los grandes maestros, permitiendo individualidades y caracteres
específicos en cada país en función de la propia tradición y experiencia, y del
grado de desarrollo técnico, cultural o económico. Así, la vanguardia de la
modernidad se desliza hacia la proliferación de lo idéntico, hacia la
repetición indiferente, una especie de creatividad difusa en la que va
desapareciendo la actitud crítica y opositora de la misma vanguardia.
Un cierto conformismo lingüístico
se apodera de la herencia racionalista, cuya matriz va logrando resultados
débiles y repetitivos. Con independencia de los condicionantes de producción y
de mercado, que están en la raíz de este proceso, el diseño ha interrumpido el
hilo teórico de sus antecesores. El concepto de "movimiento moderno"
y su imagen historiográfica entró en crisis en la década de 1960. A partir de
entonces, las tendencias del diseño describen una órbita de retorno y
recuperación de modelos pasados transcritos al lenguaje ecléctico y
controvertido de la nueva modernidad, del episodio denominado "postmodernidad",
realizando un desplazamiento oblicuo respecto al eje direccional de los
acontecimientos. Este movimiento de desplazamiento lateral, no de huida, a modo
de salto del caballo, estableciendo una analogía con el juego del ajedrez, es
típico del procedimiento artístico, una actitud transgresora que permite al
lenguaje, debilitado por la cotidianeidad, recobrar la capacidad de
comunicación.
Cafeteras La Conica de Aldo Rossi. Creada en 1982, esta máquina de café expreso se caracteriza por su simplicidad de líneas y su estricta funcionalidad. Está construida en acero con apoyo de cobre.
El mundo de los objetos
domésticos -mobiliario, lámparas, objetos para la mesa-, de los productos
textiles, cerámicos o electrónicos, al igual que el del diseño gráfico,
abandona los recursos del lenguaje minimalista del racionalismo, breve de
vocabulario, analítico en sus respuestas y dominado por las líneas rectas,
geometría elemental y monocromía, para llevar a cabo un giro excitante hacia el
omamentalismo y la recuperación de los valores artísticos del diseño. La
apropiación y simulación de motivos historicistas es una de sus estrategias.
El "menos es más"
enunciado por Mies van der Rohe, componente esencial del breviario
funcionalista, cede lugar al" menos es aburrido"; la supeditación de
la forma a la función explicada en la célebre frase de Sullivan "la forma
sigue a la función", se transforma en su inversión,"la función sigue
a la forma". Este cariz ecléctico del diseño durante las últimas décadas
del siglo no supone la restitución pragmática de ningún modelo pasado ni la
supresión vandálica de los ideales y premisas del movimiento moderno, sino una
nueva vía de actuación, licenciosa y artificiosa, que opta por combinar
tradición y vanguardia, artesanía y alta tecnología, funcionalidad y
artisticidad, estandarización y producción limitada, comercialización y utopía,
elegancia y desaliño, simplicidad y complejidad.
⇨ Tapón de botella "Anna Stop 7" de Alessandro Mendini. La reputación del diseño italiano se basó en el desarrollo de una estética exclusiva que trasciende la filosofía de austeridad del Movimiento Moderno y busca el valor expresivo de los objetos. Esta pieza diseñada en 1998 ejemplifica este concepto de unión entre funcionalidad y estética.
El diseñador deja de ser autor
anónimo de aquello que enriquece la cualidad de vida del individuo, para pasar
al status de artista, al estrellato
de los elegidos.
El carácter socializador del
primer diseño industrial, desnaturalizado ya durante los años treinta bajo la
presión del styling, pero asumiendo
la realidad del diseño como actividad estratégica de ventas en la sociedad
consumista, llega en los años ochenta a su momento más eufórico y prolífico. La
utilidad directa del diseño se desafía como dogma; aparecen sillas de formas
escultóricas realizadas con materiales insólitos -vidrio, cartón encolado-,
mesas con patas parecidas a un manillar de bicicleta, metamorfosis o simbiosis
en ocasiones teatrales, u objetos domésticos imposibles de utilizar. Al igual
que las fachadas se cubren de estucados, dorados y efectistas enyesados, o
descomponen su volumetría y estructura lógica buscando nuevas reflexiones sobre
la plasticidad o la función de la arquitectura, un radio transistor puede
convertirse en una fláccida bolsa de plástico transparente, y los muebles
pueden transformarse en objetos poéticos imposibles de clasificar o inspirarse
alternativamente en los lenguajes primitivistas y futuristas. El manierismo
inyecta atrevimiento a las nuevas premisas, y el diseñador comparte libertad
con el artista, los museos exponen piezas de diseño y los diseñadores tantean
el mundo de la pintura y la escultura aportando color, expresión y cualidades
texturales a sus piezas.
Interior postmoderno de Ferry Farell y Charles Jencks (Londres). Creado en 1988 para una Casa Temática de Kensington.
La proliferación de este tipo de
diseños no funcionales se explica en el contexto de una cultura hedonista,
experimental y plural. El diseño ejerce un papel relevante en una época de
cambios y los diseñadores asumen un papel estratégico interpretando o
sugiriendo las imágenes formales de nuestro tiempo. No hay que olvidar que el
mundo del diseño (gráfico, industrial, de interiores, textil, etc.) a partir de
la década de 1960 obedece, lógicamente, a intereses económicos y productivos, y
es, sin duda, uno de los sectores con más futuro y mayor expansión. En el
entorno de la sociedad postindustrial, el diseño es una de las alternativas
productivas más convincente. Los industriales van entendiendo, poco a poco, que
el buen diseño es una cualidad básica para que sus productos sean competitivos
en el mercado de los objetos. Desde el diseño "personal" de un
interior al diseño" colectivo" del mobiliario urbano, de un cenicero
a un tren de alta velocidad, todo se contempla desde la óptica del diseño de
calidad, en el que el factor estético es determinante.
Sillones "Big Soft Easy" y "Rolling Volume" de Ron Arad. Realizados en 1990 con vistoso cromatismo y sugerente morfología, son piezas únicas de potente presencia. Los valores pictóricos y escultóricos, la forma y las texturas de los materiales, imprimen al nuevo diseño de las últimas décadas una gran expresividad. Arte y diseño concilian una vez más sus presupuestos, funden lenguajes y comparten espacio comunicacional.
A lo largo de la década de 1980
aparecen objetos que, superando las preocupaciones meramente funcionales o
incluso poniéndolas en crisis, colocan en primer plano de su interés la
expresión de los valores simbólicos, formales, conceptuales o rituales del
diseño. Diseños originales, vanguardistas, radicales, como los proyectados
desde 1976 por el Studio Alchymia, laboratorio de nuevas ideas fundado por
Alessandro Guerrieri y definido como "proyecto de imágenes para el siglo
XX". En 1979 presentó su primera colección de muebles y objetos
"Bauhaus" con los prototipos y maquetas de Branzi, Michele de Lucchi,
Mendini, Daniela Puppa y Ettore Sottsass, entre otros. Al mismo tiempo, Barbara
Radice publicó Elogio del Banale.
Alchymia prefiere definirse como productora de ideas y no de objetos.
Izquierda: Silla Etrusca de Danny Lane (Colección particular). Diseño de 1990, realizado en cristal y acero forjado, en el que la simplicidad y la elegancia se combinan para producir un grato resultado. Derecha: Silla Rush de Tom Dixon (Colección particular). Creada en 1990 utilizando acero y fibras de junco, su bajo coste y la matización, unidos al justo diseño, han hecho de esta silla un objeto clásico.
En 1980 apareció en Milán el
grupo Memphis alrededor del polifacético Ettore Sottsass. Desde el comienzo,
una de las novedades de Memphis, como movimiento cultural integrado por
arquitectos y diseñadores, fue su interés en colaborar con la producción
industrial, considerándola como uno de los más importantes elementos
canalizadores y promotores de la cultura pública. Pero como productora, Memphis
no se sirve de los diseñadores, sino que se pone al servicio de sus intuiciones
y visiones, convirtiéndose en una especie de camaleón que se mueve con soltura
entre los museos y las grandes galerías, entre el mundo de los negocios y el de
la cultura, una experiencia que nadie sabe cómo definir ni descifrar, que sigue
un desarrollo insólito estableciendo nuevas relaciones con el público y el
mercado. Memphis se caracteriza desde su nacimiento por la efervescencia de sus
ideas e iniciativas, y cuenta con gran éxito entre el público y la prensa
especializada. Los diseñadores vinculados a esta nueva productora -De Lucchi,
Bedin, Thun, Du Pasquier, Zanini, entre otros- actúan como agitadores de ideas
y amplían el concepto del diseño cargándolo de información y comunicación, y
adecuándolo a las modas y a los gustos. Sottsass, al respecto, apunta:
"Hoy, aquello que se hace se consume. Todo aquello que se hace está
dedicado a la vida y no a la eternidad". Memphis tiene una personalidad
hecha de collage de materiales y de estructuras, de espinas agudas y curvas
sexy, de tonos cromáticos agresivos, de formas un poco infantiles que con el
tiempo se vuelven más sofisticadas, a la vez que las aristas y los colores se
suavizan. Muebles, objetos de iluminación, relojes, piezas de vidrio, estampados
... diseñados sin una pauta precisa, pero con una clara vocación de búsqueda
agresiva y radical.
Bañera Edition 1 de Philippe Starck. Las creaciones de este diseñador sorprenden por su humor y mezcla de referencias, asociadas siempre al mundo del cómic o del cine. Las formas de sus piezas de mobiliario u objetos domésticos, como en el caso de esta bañera realizada en 1994, aparentemente absurdas o díscolas, aportan imaginación y nueva funcionalidad al diseño.
Ettore Sottsass persigue la
construcción de una nueva Gesamtkunstwerk,
una nueva" obra de arte total", en la que la vida y el arte se
entrelazan. Sus diseños encuentran en el placer del juego coloreado y de la presencia
mágico-ritual de los objetos una continuidad feliz entre el impulso y el
lenguaje. Si el proyecto racionalista puede contemplarse como metáfora del
maquinismo, ahora la propuesta metafórica se actualiza: la metáfora del
universo electrónico e informático, con la decoración como testigo, juega con
la comunicación intercontextual de referencias de lo vivido, retomo de las
vanguardias, imágenes extraídas de los medios de comunicación de masas,
revalorización de lo banal en la línea del Pop
art, etc.
El fenómeno italiano del diseño
postmodemo, a pesar de que la etiqueta se cuestiona continuamente al igual que
su influencia, conmueve al mundo entero. Entre la monotonía del "modemo"y
la efervescencia superficial de lo "neomodemo" o
"postmoderno", se van desarrollando y siguen en curso otras
búsquedas, tantas, casi, como proyectistas individuales. Su tensión ha girado
hacia una recuperación de la complejidad del objeto, más allá del movimiento
moderno, o en un intento de ponerlo en relación con las tipologías históricas,
a menudo con resultados de un carácter poético sutil y esquivo, con presencias
a veces cargadas de memoria y a veces de analogías con formas arquitectónicas.
Una de estas búsquedas es la protagonizada por el arquitecto italiano Aldo
Rossi que, en 1980, presentaba una forma "análoga", la Cabina dell'Elba, al mismo tiempo
arquetipo e imagen autobiográfica, pequeña arquitectura doméstica con muchas
funciones posibles. Después ha continuado proyectando objetos que interrogan a
la historia y proponen formas que perviven en la memoria, recuperando con la
racionalidad del diseño el sentido de la dignidad y de la oportunidad del
mueble, hasta llegar a congelar en mármol las líneas de una mesa 1800, como
símbolo de repetición frente a la gratuidad de creaciones abstractas.
Tostadora Modelo TT-100. En la década de 1980, se recuperaba en Alemania el espíritu del diseño racional a través de la línea de productos de empresas como Braun, vinculada a la escuela de Ulm. Un ejemplo es esta tostadora
Con los muebles diseñados por
Alessandro Mendini, llenos de referencias a un mundo plástico próximo, por
ejemplo, a Kandinsky, por encima de la funcionalidad se persigue recrear la
capacidad que tienen las formas y los colores de producir relaciones de afecto.
Al igual que los muebles polifuncionales de Sottsass, combinan formas
sorprendentes y autónomas tratadas de manera epidérmica y ornamental.
Los diseñadores italianos no
cesan de idear nuevas formas contra el agotamiento de la repetición. Achille
Castiglioni revela metáforas de tono irónico en sus piezas de mobiliario; Luigi
Serafini se aproxima a la fantasía zoom órfica en su silla de orejas de conejo.
Las formas vivas inspiran otras mueLas piezas, como el perchero
"Spiros" de Vico Magistretti, que recuerda un árbol en invierno.
Habría que hablar también del
manierismo sofisticado de Hans Hollein, cuyas decoraciones son una perfecta
síntesis entre la ostentación de la alta tecnología, la cita historicista, la
ironía y la búsqueda de la recreación de ambientes sugerentes.
Mesa y jarro de Shiro Kuramata. Diseño de 1985 realizado en resina sintética y aluminio. Utilizando esencialmente la estética de su país en sus obras, este arquitecto y diseñador japonés incorpora los nuevos materiales aparecidos en el siglo XX y se inclina hacia estilos de la cultura occidental moderna.
En este esfuerzo por la
renovación, la semiótica se mezcla con el arte conceptual desarrollando una
amplia obra basada en el" desplazamiento" de significados y
significantes, como ocurre en las piezas historicistas diseñadas por Charles
Jencks, objetos que no buscan la sinceridad de los materiales o la técnica, ni
la superficialidad de motivos del pasado, sino explorar los valores simbólicos,
de gratuidad y de juego que en las combinaciones sintácticas de las formas se
pueden obtener.
En Gran Bretaña, Derek Frost
aloja videos y sistemas de alta fidelidad de los años ochenta en pagodas y
tocadiscos de los cincuenta. Ron Arad da vida a extrañas creaciones de acero
galvanizado cubierto de plástico, muebles o lámparas, piezas únicas o de
producción limitada, que parecen más de la esfera de la ciencia-ficción que, de
la doméstica, manifestando una tendencia casi turbadora a fragmentar el
material industrial. Danny Lane, nacido en Estados Unidos, pero con estudio en
Londres, utiliza el vidrio de modo inusitado y desafiante en piezas únicas, tan
barracas de expresión como las sillas de metal de Tom Dixon.
Barra Libre de Josep Llusca. El diseño de aparatos de alta tecnología también reclama soluciones formales y funcionales nuevas. El trabajo en este campo destaca por su estricta metodología y creativa resolución, tal como se aprecia en el diseño de esta bancada audiovisual modular realizada en 2000.
Los diseñadores franceses más interesantes,
Pascual Mourgue, Philippe Starck o Jean Nouvel, buscan inspiración en el
minimalismo, la aerodinámica y el mundo del cómic. La tradición escandinava
sigue la ruta de su aire simple y funcional, adecuado a la producción en
pequeña escala, y ofrece conceptos de diseño imaginativos también en el campo
de la iluminación o la electrónica, tal es el caso de Ahlström, Andersen y
Jensen. El diseño alemán combina elegancia e innovación tecnológica en
productos con frecuencia deudores aún del espíritu Bauhaus; el equipo de diseño
de los productos Braun actualiza esta constante, y las sutiles lámparas de
Maurer dan una nueva dimensión a la tradición alemana.
Robert Venturi ironiza las formas
tradicionales y Michael Graves celebra su poshnodernidad en cada objeto que
diseña. La obra de Holl evoca en muebles de armadura de acero y líneas
verticales la imagen de los rascacielos. Los diseños de Frank O. Gehry se
exponen en todos los museos del mundo como imagen de las tendencias más
atrevidas y renovadoras del diseño de la década de 1990.
El panorama japonés está
sustantivado por nombres de reconocimiento internacional. Isozaki practica
deliberadamente el eclecticismo en muebles de formas imprecisas que combinan
tecnología y sofisticación, a la vez que Shinohara invierte la corriente
megaestructural creando mobiliario de apariencia ligera y engañosa simplicidad
geométrica. Kuramata aloja pequeños circuitos integrados de plástico Led bajo
la superficie de vidrio coloreada de la mesa "Blues in the Night", o
evoca las cualidades de la luz natural o artificial en la malla metálica de sus
butacas y sillas.
No siempre la clave histórica o
poética que siguen los proyectistas se traduce en formas sorprendentes y
mpturistas, como las formas rotas de apariencia inestable diseñadas por Paolo
Pallucco y Mireille Rives, Zana Hadid o Borek Sipek. La simplicidad formal, los
materiales tradicionales, la belleza de la línea, la expresión de una
funcionalidad son también ingredientes básicos en los diseños de lámparas de
Kurokawa, los muebles de Bellini o las piezas de mesa de Magnussen.
El diseño español emerge a partir
de la década de 1980 proyectándose internacionalmente, y la colaboración de las
instituciones y empresas modelo en el campo de la producción hace más fácil este
despegue. El diseño juega un papel de ariete del proceso de modernización
social y económica del país y actua como uno de los ejemplos más visibles de la
nueva sintonía entre las producciones culturales españolas e internacionales.
Nombres propios destacan en el campo del mobiliario, en especial a partir de
las piezas diseñadas por Pedro Miralles, Pete Sans, Gemma Bernal y Ramon Isern,
Osear Tusquets, Jorge Pensi, Alberto Liévore, Vicente Blasco o Josep Llusca,
entre los seguidores de la línea más exquisita y original del diseño español.
Una tendencia más radical en el tratamiento de las formas y su
conceptualización postmoderna la representan los trabajos de Xavier Mariscal,
Santiago Calatrava, Pepe Cortés y el grupo Transatlántic (Benedito-Morillas-Puig).
El diseño industrial más
vinculado con los avances de la tecnología y sus aplicaciones en los aparatos electrónicos,
instrumental técnico, máquinas y herramientas, equipamientos urbanos, etc., en
una línea más tecnicista y empresarial que esteticista, apunta hacia la labor
realizada por Ramon Benedito, Ramon Bigas, Guillermo Capdevila, Esteve Agulló o
Santiago Miranda, entre otros diseñadores.
⇨ Pantalla B-10.000 de Ramon Benedito. Pantalla acústica omnidireccional, diseñada en 1980 para Vieta, que marcó un hito en su época a nivel internacional. Estos altavoces recreaban un sonido tridimensional a través de tan solo dos canales de sonido, jugando con la reflexión del sonido en las paredes adyacentes.
Al igual que ocurre
internacionalmente, el nivel del diseño español encuentra su parangón en el
ámbito de la creación gráfica. ilustraciones de Peret y Xavier Mariscal;
diseños de identidad corporativa realizados por Alberto Corazón, J. M. Cruz
Novillo y Arcadi Moradell; carteles de América Sánchez y Albert Isem; portadas
de Enrie Satué y Daniel Gil; imágenes de comunicación visual creadas por Yves
Zimmermann, Josep M. Trias y Lluís Pau, entre otros muchos, son excelente
muestra de la línea de normalización del diseño español próximo a las
tendencias europeas contemporáneas y singular en sus aportaciones.
En la última década el diseño
también se ha afianzado en el plano institucional, pedagógico y profesional. Muestra
de ello es la aparición de nuevas generaciones de creadores formados en las
escuelas de diseño y su normalización como servicio regular a las empresas. Tal
normalización no ha agotado, sin embargo, el impulso cultural que caracteriza,
desde sus orígenes, al diseño. Las creaciones más recientes que emergen en este
cambio de siglo a una completa revisión del papel del diseñador, de las
relaciones entre el diseño y los medios tecnológicos y del valor social del
diseño. La experimentación con los nuevos medios y los nuevos materiales, la
preocupación etnográfica por el papel del usuario o la calidad ecológica de los
productos y los mensajes han inspirado las aportaciones de colectivos de creadores
y editoras de diseño como los holandeses de Droog Designo la alemana
Authentics. Su influencia se ha dejado sentir también en el diseño catalán y
español con nombres como Martí Guixé, Luki Huber, Martín Azua o Curro Claret.
Estos nombres constituyen buenos ejemplos del vigor intelectual y testimonial
del diseño, de la disolución de fronteras disciplinares entre el diseño y el
arte y de cómo se ha dado un nuevo énfasis a la experim2ntación
interdisciplinar como sucedió en Europa a principios del siglo XX. La elipse ha
recorrido su trayectoria, el futuro sigue ante nosotros.
Fuente: Historia del Arte.
Editorial Salvat.
