Este pintor polaco, nacionalizado francés,
fue miembro destacado de la Escuela de París. Influido por Vlaminck y Derain,
en sus inicios pintó sobre todo cuadros de estilo impresionista, tendencia que
posteriormente abandonó para dedicarse a composiciones de gran realismo y
precisión en el dibujo, caracterizadas, sobre todo, por su colorido brillante.
Como representante del expresionismo parisino, Kisling quiso interpretar la
melancolía interior, pero no a través de imágenes "torturadas", como
se pone de manifiesto en este sereno retrato de mujer.
Kisling, Moïse (Cracovia, 22 de enero de 1891 – Sanary-sur-Mer, 29 de abril de 1953). Pintor francés de origen polaco y ascendencia judía.
De estilo expresionista, perteneció a la llamada Escuela de París.
Biografía
Estudió en la Escuela de Bellas Artes de Cracovia. En 1910 se trasladó a París, residiendo primero en Montmartre y posteriormente en Montparnasse. Al estallar la Primera Guerra Mundial se ofreció como voluntario para servir en la Legión Extranjera francesa, y en 1915 fue gravemente herido en la Batalla del Somme, por lo cual se le concedió la ciudadanía francesa.
Kisling vivió y trabajó en Montparnasse, donde fue parte de la comunidad de artistas de renombre que se reunieron allí en ese momento. Entre 1911 y 1912 vivió en Céret, pueblo de los Pirineos donde había una floreciente comunidad de artistas liderada por Pinchus Krémègne. En 1913 tomó un estudio en Montparnasse, donde vivió durante los próximos 27 años, coincidiendo en el mismo edificio con Jules Pascin y Amedeo Modigliani.
Su estilo utilizado en la pintura de paisajes era similar al de Marc Chagall, pero, siendo un maestro en representar el cuerpo femenino, sus desnudos y retratos de corte surrealista le valieron la más amplia aclamación.
En 1940 se presentó nuevamente voluntario para el servicio militar. Cuando el ejército francés fue dado de alta en el momento de la entrega a los alemanes, Kisling, que era de origen judío, fue a los Estados Unidos y, después de exponer en Nueva York y Washington, vivió en California hasta 1946.
La mayor colección de obras suyas puede verse en el Musée du Petit Palais, en Ginebra, Suiza.
Earle, Eyvind (Manhattan, Nueva York, 26 de abril de 1916 - Carmel-by-the-Sea, California, 20 de julio de 2000) fue un artista, autor e ilustrador estadounidense, conocido por su contribución a la ilustración de fondo y al estilo de las películas animadas de Disney en la década de 1950. El Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, el Museo de Arte Rahr Wes, el Museo de Arte de Phoenix y el Museo de Arte de la Universidad Estatal de Arizona han comprado las obras de Earle para sus colecciones permanentes. Sus obras también se han mostrado en muchas exposiciones individuales en todo el mundo.
Biografía
Earle nació en Nueva York, pero su familia se mudó a Hollywood en 1918. Comenzó a pintar cuando tenía 10 años y tuvo su primera exposición individual en Francia cuando tenía 14 años.
La primera exposición de Earle en Nueva York fue en las Charles Morgan Galleries en 1937. En una exposición de 1939, el Metropolitan Museum of Art compró una de sus obras para su colección permanente. Su trabajo en este momento era la pintura realista. En la década de 1940 pintó más de 800 diseños de tarjetas de Navidad para el American Artist Group.
En 1951 se unió a Walt Disney Productions como pintor de fondo asistente y recibió crédito por la pintura de fondo experimental en el corto de Goofy, For Whom the Bulls Toil. En 1953 creó el aspecto de Toot, Whistle, Plunk and Boom, un cortometraje de animación que ganó un premio de la Academia y un premio del Festival de Cine de Cannes. También trabajó en Peter Pan, Working for Peanuts, Pigs is Pigs, Paul Bunyan y Lady and the Tramp. Fue responsable del estilo, el fondo y los colores de la aclamada Bella Durmiente.
En 1961, Earle completó un segmento animado de 18 minutos de la historia de la Natividad para el especial de televisión presentado por Ernie Ford en Tennessee, The Story Of Christmas en NBC.
Earle regresó a la pintura a tiempo completo en 1966, produciendo acuarelas, óleos, esculturas, dibujos, scratchboards y serigrafías de edición limitada. Gran parte de este trabajo no se exhibió durante su vida.
Boulanger, Gustave Clarence
Rodolphe (París, 25 de abril de 1824 - 22 de septiembre de 1888) fue un
pintor figurativo francés , artista académico y profesor conocido por sus temas
clásicos y orientalistas .
Biografía
Boulanger nació en París en 1824.
Nunca conoció a su padre, y cuando la muerte de su madre lo dejó
huérfano a la edad de catorce años, pasó a estar bajo la tutela de su tío,
Constant Desbrosses, quien en 1840 lo
envió a estudiar, primero bajo el pintor de historia Pierre-Jules Jollivet y
luego en el taller de Paul Delaroche , donde Boulanger conoció y se hizo amigo
de su compañero de estudios Jean-Léon Gérôme .
Boulanger y Gérome se
convertirían en las principales figuras del movimiento Néo-Grec en el arte
francés, que revisó la fascinación de generaciones anteriores por el mundo
clásico, pero aportó a su tema austero toques subversivos de fantasía,
sensualidad y erotismo. "Cuando aparezcan en la escena del arte
contemporáneo, los Neo-Grecs serán defendidos como rejuvenecedores de la
tradición clásica por algunos, condenados como sepultureros de la pintura de
historia por otros... rara vez dan una imagen ortodoxa de la Antigüedad,
algunos, como Gérôme, Boulanger y Hamon , sin dudar en elegir temas
licenciosos, parodiar personajes mitológicos o inventar alegorías muy
personales de la Antigüedad".
En 1845, Boulanger fue enviado
por su tío a Argelia para atender los intereses comerciales de Desbrosses. Allí,
Boulanger quedó fascinado con todo lo que vio, y lo que estaba planeado como
una estadía de dos meses se convirtió en ocho, hasta que Desbrosses amenazó con
cortarle los fondos. Boulanger trajo una gran cantidad de bocetos que utilizó
para sus primeras pinturas orientalistas. (Este fue el primero de al menos tres
viajes al norte de África, incluido uno en 1872 con Gérôme. )
En 1848 y 1849, compartió
vivienda y trabajo comunales con otros artistas del movimiento Néo-Grec en el
Chalet, 27 rue de Fleurus. El grupo también se reunió en el taller de Gérôme en
la rue de Sevres. Boulanger centró sus esfuerzos en ganar el Prix de Rome y,
con él, una beca para la Académie de France à Rome . En 1848 obtuvo el segundo
puesto con Saint Pierre chez Marie , y al año siguiente ganó el Gran Premio con
Ulysse reconnu par Euryclée y partió hacia Roma, donde permanecería
hasta 1855. Su formación e investigación incluyeron estudios en las
excavaciones de Pompeya. También viajó a Grecia.
Cada año, los estudiantes de Roma
enviaban a la Academia de París una pintura para demostrar su progreso y para
exhibición pública; Las obras de Boulanger decepcionaron repetidamente a la
Academia y escandalizaron a los críticos, comenzando con la primera, Phryné ,
en 1850. Escribió un crítico:
M. Boulanger, pensionista de
primer año, gastó mucha paciencia para pintar con gran delicadeza... una mujer
gorda y desnuda, de pelo rojo y ojos rasgados azules, sentada sobre trapos de
todos los colores y un trozo de cojín en el que está grabado en letras griegas
su nombre: Phryné. Para asumir esta maravillosa belleza que inspiró la obra
maestra de Praxíteles y la famosa Venus de Apeles, un artista debe imponerse la
más severa pureza de diseño, la máxima simplicidad de línea, el tranquilo
esplendor de la belleza. El Phryné de M. Boulanger está lejos de responder a
este programa.
En 1856, cuando terminó sus
estudios en Roma, Boulanger hizo un segundo viaje al norte de África, y luego
regresó a París. Boulanger se mudó a su propio taller en la rue de La
Rochefoucauld, 64, pero continuó conociendo y socializando con los otros
Néo-Grecs. Se convirtió en uno de los amigos más cercanos de Jean-Léon Gérôme;
después de 1863, Gérôme le confió regularmente la dirección de su estudio en la
École des Beaux-Arts durante sus viajes por Oriente.
Muere el 22 de septiembre de 1888,
en su casa en 6 bis, rue Ballu en el distrito 94 y está enterrado en el
cementerio de Montmartre.
Gosławski, Józef Jan (24 de abril de 1908 - 23 de
enero de 1963) fue un escultor y artista de medallas polaco. Fue diseñador de
monedas (p. ej. 5 zł con pescador), monumentos (p. ej. Frédéric
Chopin en Żelazowa Wola) y medallas (p. ej. Año 1939). Laureado en
numerosos concursos artísticos; condecorado con la Cruz de Plata al Mérito.
Biografía
Józef Gosławski nació en
Polanówka, en la Gobernación del Congreso de Polonia de Lublin, pero se crió en
Wąwolnica con sus padres, dos hermanos (incluido el hermano menor Stanisław
Gosławski, que también se convirtió en escultor) y dos hermanas. Comenzó su
formación artística en la Escuela de Oficios de la Construcción fundada por Jan
Koszczyc-Witkiewicz en Kazimierz Dolny. Después de terminar en esta escuela,
pasó un examen en la Academia de Bellas Artes de Cracovia, pero era demasiado
joven para comenzar los estudios. Continuó su educación en la Escuela Nacional
de Artes Decorativas e Industria Artística de Cracovia. Él fue influenciado por
Stanisław Szukalski.
En 1932, finalmente comenzó sus
estudios en la Academia de Bellas Artes de Cracovia, donde fue instruido por el
profesor Xawery Dunikowski. Luego se trasladó a Varsovia, donde fue instruido
por el profesor Tadeusz Breyer. Fue becado para estudiar en Roma, donde se
graduó en la Real Academia de Bellas Artes en 1937 (fue instruido por Angelo
Zanelli). Durante su estancia en Italia, que terminó en 1939, participó en
exposiciones de Kapitol, una sociedad de artistas polacos. También se desempeñó
como vicepresidente de la sociedad.
Regresó a Polonia en julio de
1939 para convertirse en conservador del Castillo Real de Varsovia. No ocupó
este cargo debido al inicio de la Segunda Guerra Mundial. Pasó los años de
ocupación en Wąwolnica. Después del final de la guerra, renovó, entre otras,
una casa del siglo XVII bajo St. Nicolaus en Kazimierz Dolny.
Ocupó la Cátedra de Medalla y
Escultura en Metal en la Escuela Artística Nacional de Poznań desde 1947, y fue
presidente del distrito de Poznań de la Asociación de Artistas y Diseñadores
Polacos (ZPAP) durante dos mandatos. Casado con su alumna Wanda Mankin en 1948,
tuvo dos hijas: Bożena Stefania y Maria Anna. Se mudó con su familia a Varsovia
en 1956, donde se convirtió en presidente del Departamento de Escultura de la
junta central de ZPAP. Murió repentinamente en Varsovia en 1963 al comienzo de
una nueva etapa artística.
Arte
Józef Gosławski fue el creador de
numerosos monumentos y esculturas de retratos, caricaturas de esculturas,
medallas, monedas, renovaciones y dibujos. Sus primeras obras, generalmente no
conservadas, muestran cierta influencia del cubismo (Autorretrato -
1932-1933, Retrato de Witold Chomicz - 1927-1928), las ideas de
Szukalski (escultura caricatura de Henryk Uziembło), así como formas
similares a las ideas de la Sociedad Polaca de Artes Aplicadas (diseño del
altar de San Francisco). Su estancia en Italia y un contacto directo con su
arte cambiaron el punto de vista de Gosławski – los retratos de Robert, Maria
Maro, y el siciliano muestran una fuerte influencia de sus estudios antiguos.
Esta influencia, combinada con el impacto del Renacimiento italiano, también se
ve en las primeras medallas y placas creadas en Roma. Las obras de antes de la
guerra se perdieron casi por completo durante su regreso a Polonia en agosto de
1939 (hay una relación, cuyo autor dice sobre la posibilidad de permanecer una
parte de las obras en Castello del Catajo).
Los años de la Segunda Guerra
Mundial no se perdieron en términos de actividad artística. Las condiciones de
guerra le obligaron a interesarse por las formas escultóricas pequeñas. Las
medallas creadas en esos años estaban principalmente relacionadas con el
martirio de la nación polaca.
Después de la guerra continuó su
trabajo en el campo de las medallas. Fue un precursor de la retirada de la
forma clásica y la forma de las medallas. Se convirtió en una conexión
solitaria de la generación de Konstanty Laszczka y Józef Aumiller con
medallistas posteriores. Su fuerte posición en las artes medallistas se
confirma con numerosos premios y compras de sus obras a museos en Polonia (por
ejemplo, Varsovia, Wrocław, Cracovia, Lublin, Toruń) y en Europa (por ejemplo,
Praga, Atenas, Budapest, Roma, Ciudad del Vaticano, París,La Haya, Moscú, San
Petersburgo).
Regresó a la escultura monumental
con el monumento a Adam Mickiewicz en Gorzów Wielkopolski, el monumento
a la guerra Nunca en Żabikowo (distrito de Luboń) cerca de Poznań, un grupo
escultórico llamado Música en Varsovia (MDM), y el monumento a Frédéric
Chopin en Żelazowa Wola. Participó y ganó numerosos concursos de diseño de
monumentos, por ejemplo, Héroes de Varsovia, Soldados del I Ejército
del Ejército Popular de Polonia y Bolesław Prus. También creó un
altar monumental de la Transfiguración de Jesús en Masłówcerca de Kielce.
Las obras de Józef Gosławski son
difíciles de clasificar. La constante prospección y una inquietud artística lo
llevan a crear en las diferentes formas y materiales. Pero el enfoque principal
de su arte siempre fue un ser humano, como héroe y en la vida cotidiana.
Gosławski era modesto y amigable, incluso sus caricaturas, el tipo de arte muy
raro entre los escultores, se presentan con un sentido del humor benigno en
lugar de malicia.
Fue honrado con 14 exposiciones
individuales y sus obras se presentaron en más de 60 exposiciones nacionales
(en Polonia) y más de 20 en el extranjero.
Zlotnikov, Yury Savelyevich (Moscú,
23 de abril de 1930 – 25 de octubre de 2016). Pintor ruso.
Sus encuentros como joven
estudiante de arte con personas como VA Favorsky e IS Efimov fueron
particularmente influyentes. En 1954, comenzó a trabajar como aprendiz en el
Teatro Bolshoi, donde entró en contacto con el trabajo de artistas famosos como
IM Rabinovich y AG Tishler. Bajo la influencia de Vladimir Slepyan, Zlotnikov
se convirtió en uno de los primeros pioneros de la nueva vanguardia en la
década de 1950, creando su sistema personal y original de arte abstracto. Su
ahora famosa serie 'Signal System' (1957-1962) fue fundamental para revivir
la práctica de la pintura abstracta en Rusia, y artistas como Ilya Kabakov,
Erik Bulatov y Oleg Vasilyev visitaron a Zlotnikov en su estudio a fines de la
década de 1950.
Zlotnikov percibe el arte como
una investigación detallada de la psicología de la persona, y un gran interés
en la experimentación y el descubrimiento lo llevó a estudiar el mundo a su
alrededor lo más cerca posible. El conjunto de su trabajo se ha dedicado a
investigar al ser humano y a la humanidad. Se diferencia de otros abstraccionistas
en su espontaneidad y dinamismo: "el motor, la dinámica, la vibración
detrás de todo lo que he hecho es la investigación".
Crome, John (Norwich, Norfolk, Reino Unido, 22 de diciembre de 1768 - 22 de abril de 1821) llamado Old Crome. Pintor y grabador romántico británico.
Biografía
Nacido en la ciudad inglesa de
Norwich, John Crome es conocido como Old Crome (El Viejo Crome) para
distinguirlo de su hijo, John Berney Crome, también un artista reconocido.
Hijo de un tejedor, se dice que
aprendió sus habilidades copiando los gainsboroughs y hobbemas propiedad de
Thomas Harvey de Old Catton, su patrón desde 1790. Las dos principales
influencias en su estilo son la pintura holandesa del siglo XVII y Richard Wilson.
Crome fue fundador de la escuela
de Norwich de pintores, de la que John Sell Cotman es otro miembro famoso.
Trabajó tanto la acuarela como el óleo. Sólo sus óleos son más de 300. Muchos
pueden verse en la Tate Gallery y la Royal Academy, pero también está representado
en el propio Norwich. Produjo grabados y enseñó arte.
Castagnino, Juan Carlos(Camet, prov. Buenos Aires, 18 de noviembre de 1908 - Buenos Aires, 21 de abril de 1972) Pintor y arquitecto argentino.
Biografía
Cursó estudios en la Escuela Superior
de Bellas Artes de la Nación Ernesto de la Cárcova, para luego concurrir a los
talleres de Lino Enea Spilimbergo -a quien considerará siempre su maestro- y de
Ramón Gómez Cornet.
A fines de la década del '20
ingresa al Partido Comunista de la Argentina.
En 1933 integra el grupo que
fundará el primer sindicato argentino de artistas plásticos. Ese mismo año
expone en el Salón Nacional de Bellas Artes. Junto a Antonio Berni, Lino Enea
Spilimbergo y el mexicano Siqueiros, realiza los murales en la Quinta de
Natalio Botana, en Don Torcuato.
En 1939 viaja a París, ciudad
donde asiste al taller de André Lhote, y recorre Europa perfeccionando su arte
junto a Braque, Léger y Picasso, entre otros.
Regresa a la Argentina en 1941,
se casa con Nina Haeberle, recibe el título de Arquitecto de la Universidad de
Buenos Aires y se muda a su atelier de la Av. General Paz 13545 en Villa
Insuperable.
Entre los premios que recibió se
destacan el Gran Premio de Honor Salón Nacional (1961), la Medalla de Honor en
Pintura de la Feria Internacional de Bruselas (1958) y el Premio Especial de
Dibujo II Bienal de México (1962).
Son muy difundidas sus
ilustraciones para la edición del poema gauchesco Martín Fierro de José
Hernández que efectuó la editorial EUDEBA. Finalmente, vale hacer una especial
mención al mural "Mujer Trabajando" (1934, fuera de catálogo),
pintado durante su estadía en la Biblioteca Popular y "Veladas de Estudio
después del trabajo" (Entre ríos 731, Avellaneda, Pcia. De Buenos Aires).
Dicha obra fue restaurada como un donativo a la institución por el maestro
Piero Bernini.
La misma Institución, se mantiene
fiel a la memoria de Castagnino y a la de los artistas con una visión social de
la Pintura (Face /Veladas Biblioteca).
Fue nombrado miembro de número de
la Academia Nacional de Bellas Artes.
Coello, Claudio (Madrid, 2 de marzo de 1642 - 20 de abril de 1693) Pintor barroco español, de origen portugués.
Biografía
Era hijo de un broncista portugués que trabajaba en Madrid. Se formó como discípulo de Francisco Ricci. De su maestro aprenderá la ejecución de las composiciones rítmicas, dinámicas y espectaculares, al igual que los efectos escenográficos, presentes en obras como El Triunfo de San Agustín, de 1660, La Anunciación y La Virgen con santosyVirtudes Teologales, donde se encuentra también una influencia de los fondos arquitectónicos propios del Veronés.
En 1685 fue nombrado pintor de cámara, mismo año en que realizó su famosa obra La Sagrada Forma, pintada para el Monasterio de El Escorial. También realizó una galería completa de retratos cortesanos de la corte del enfermizo Carlos II. Juan Carreño de Miranda le encargó trazar los adornos y arcos triunfales para la entrada de María Luisa de Orleans, mujer de Carlos II.
Primaticcio, Francesco(Bolonia, 30 de abril de 1504 - París, 1570) Pintor, arquitecto y escultor manierista italiano, que pasó la mayor parte de su carrera en Francia. Se le llamó il Bologna y también, il Primaticcio.
Biografía
Nacido en Bolonia, se formó con Giulio Romano en Mantua y se convirtió en alumno de Innocenzo da Imola, ejecutando las decoraciones del Palazzo Te de dicha ciudad italiana antes de procurarse un puesto en la corte de Francisco I de Francia en 1532. Junto al fuerte clasicismo de Giulio Romano, tuvieron una clara influencia sobre él las obras juveniles de Parmigianino, con su mórbida y refinada elegancia.
Junto a Rosso Fiorentino fue uno de los artistas que lideró la obra del Palacio de Fontainebleau (donde él se encuentra dentro del grupo llamado Primera Escuela de Fontainebleau) pasando allí gran parte de su vida. A la muerte de Rosso en 1540, Primaticcio asumió el control de la dirección artística de Fontainebleau, proveyendo de dibujos a los pintores y estuquistas de su equipo (como Niccolò dell'Abbate).
Realizó cartones para tapices y, como todos los artistas cortesanos del siglo XVI, realizó las efímeras decoraciones para las mascaradas y fiestas palaciegas, de las que sólo se conservan los dibujos preparatorios y, a veces, grabados. Francisco confiaba en su criterio y lo envió de vuelta a Italia para realizar compras en 1540 y de nuevo en 1545. En Roma, parte del encargo de Primaticcio fue sacar moldes de las mejores esculturas romanas en la colección papal, algunas de ellas en bronce, para decorar los parterres de Fontainebleau.
Primaticcio conservó el cargo de pintor de corte con los herederos de Francisco, Enrique II y Francisco II. Sus obras maestras, la Sala de Hércules en Fontainebleau, les ocuparon, a él y su equipo desde los años 1530 a 1559.
Las populosas composiciones manieristas de Primaticcio y su canon de belleza, de piernas alargadas, influyó el arte francés durante el resto de siglo.
Primaticcio se dedicó a la arquitectura al final de su vida. Su mayor obra es la Capilla Valois en la Basílica de Saint-Denis, aunque no se completó hasta después de su muerte y fue destruida en 1719.
Fragmento de la obra pintada en 1685 . Son características de este autor la aparatosidad escenográfica y el trato realista de los paños y de los detalles de los trajes. Los retratos de este cuadro corresponden a personajes de la corte de Carlos II rodeando al rey. La tela conmemora el traslado a El Escorial de una forma sagrada milagrosa, procedente de Gorkum, para celebrar la ruptura del sitio de Viena en 1684.
