Consta que en Padua trabajaba
Giotto con varios discípulos, y en sus frescos de Asís se percibe claramente la
colaboración de ayudantes. Uno de los más destacados fue Bernardo Daddi, cuyo
“giottismo” profundo se orientó hacia el preciosismo pictórico; pero el
predilecto parece haber sido Taddeo Gaddi (hacia 1300-1366). A menudo es difícil
precisar si una obra es de Giotto o de Gaddi. De Tadeo aprendieron sus propios
hijos, Agnolo, Giovanni y Nicola, quienes continuaron la bottega del padre por
varios años.
La familia de los Gaddi no era, como la de Giotto, enteramente
popular: el padre de Tadeo era pintor y mosaiquista, y del linaje de los Gaddi
salieron conocidos mercaderes, políticos y hasta cardenales.
A la generación que capitanea
Tadeo Gaddi sigue otra, formada por Andrea di Bonaiuto y los últimos pintores
del siglo XIV que trabajaron en el Camposanto de Pisa.
Juicio y martirio de San Esteban de Bernardo Daddi (hacia 1317-1355) que se halla en la basílica de Santa Croce de Florencia. Este discípulo de Giotto vivió halagado por la sociedad florentina que admiraba particularmente la elegancia y el refinamiento de su pintura. Si en su primera época se notó la influencia de Giotto, se dejó arrastrar luego por la escuela sienesa y un preciosismo pictórico amanerado.
San Eloy en el taller de orfebrería (Museo del Prado, Madrid) de Tadeo Gaddi, el más fiel discípulo de Giotto. Como su maestro, su pintura tiene un sentido especial de la composición. No es éste el único punto de contacto en la obra de ambos, sino que son en ocasiones tan similares que resulta comprometido decir cuál de los dos es el autor.
El claustro destinado a
cementerio en Pisa tiene una ancha galería de arcos góticos, como un claustro
monástico, en que se acumularon sarcófagos y mármoles antiguos. Las paredes
exteriores no tienen ventana alguna que rompa el paramento del muro, y por
tanto se prestaban admirablemente a ser decoradas con grandes frescos.
La decoración del cementerio duró
más de un siglo; comenzada por los discípulos de Giotto, que pintaron la pared
de Levante, fue terminada en el siglo XV por florentinos, Benozzo Gozzoli y
discípulos suyos. De estas últimas pinturas, en su mayoría destruidas durante
la II Guerra Mundial, hablaremos más adelante; en cambio, los frescos del ala
oriental deben ser citados entre las obras de los discípulos de la segunda
generación después de Giotto.
Vasari atribuyó a un tal Andrea de Cione, por
sobrenombre Orcagna, un ciclo de pinturas del Triunfo de la Muerte y del Juicio
Final, en el cementerio pisano, que hoy se atribuyen, generalmente, a un pintor
pisano llamado Francesco Traini, activo en Pisa a partir de 1323. A un lado, un
grupo de alegres damas y apuestos caballeros cantan al son del clavicordio, y
en el más completo abandono, la vida fácil de los sentidos; pero al otro lado,
una cabalgata, también de damas y caballeros que cruzan la floresta, se encuentra,
de pronto, cerrado el paso por tres ataúdes con sus cadáveres en
descomposición, que les recuerdan el triunfo de la muerte. Los caballos
detienen su marcha, amenazadores, al pisar el territorio mágico de la muerte.
Los perros olfatean el aire inquietos. El horror lo impregna todo
silenciosamente con un escalofrío que hace visible el miedo.
De la segunda mitad del siglo XIV
es también la obra grandiosa de Andrea di Bonaiuto, pintor de Florencia,
conjunto monumental de frescos que decoran las paredes y el techo de la capilla
llamada “de los Españoles”, en el claustro de Santa Maria Novella, en donde se
reunían (y allí están enterrados) los españoles que el comercio de la lana
había llevado en el siglo XVI a Florencia. Es una sala cuadrada, vastísima, en
cuyo fondo hay una representación del Calvario, que es, ciertamente, un cuadro
de animación verdaderamente original. A un lado está representado el triunfo de
la Iglesia, defendida por una jauría de perros blancos y negros, que quieren
representar a los frailes dominicos, mientras las ovejas reposan a los pies de
sus pastores, que son las jerarquías eclesiásticas. Enfrente, otra composición
contiene las nueve figuras de las artes liberales y nueve patriarcas y
filósofos, que corresponden a cada una de ellas.
Así, por ejemplo, Cicerón está a
los pies de la retórica; Tubalcaín, a los de la música; San Agustín, a los de
la teología dogmática; Justiniano, a los de la jurisprudencia; Pitágoras, a los
de la aritmética, etc. El conjunto de toda esta decoración mural fue realizado
hacia 1365-1367, y por su sentido alegórico y su profundo empuje teológico y
humanístico puede considerarse una sinopsis orgánica de toda la cultura
cristiana del Trecento.
El repertorio se agranda con
estos conceptos humanísticos en los artistas florentinos de final del siglo,
que, sin embargo, siempre permanecen fieles a los principios de composición
establecidos por Giotto. Los mismos artistas tienen conciencia de que lo que
progresa con sus novedades no es la técnica artística, aunque el arte
progresaba a consecuencia de haberse acrecentado el repertorio, y haber
aumentado, con nuevos personajes, las escenas algo esquemáticas de aquel primer
maestro.
Con ello, la parte psicológica
que con anterioridad era personal, individual, se hizo social y humana.
Fuente: Historia del Arte.
Editorial Salvat.
