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Artistas de la A a la Z

Ignacio Zuloaga (1870-1945)



Zuloaga y Zabaleta, Ignacio (Éibar, 26 de julio de 1870 - Madrid, 31 de octubre de 1945) Pintor español.


Biografía

En 1896 se trasladó a Madrid y copió cuadros en el Museo del Prado. En 1889 viajó a Roma y un año más tarde a París, donde acudió a la Academia "La Palette", recibió clases de Puvis de Chavannes, Gervaux y Carrière. Conoció a DegasGauguin y Toulouse-Lautrec, y se sintió muy atraído por el impresionismo.

A partir de ese momento, alternó su residencia entre París y España, con viajes a otros países. En 1895 se instaló en Sevilla, donde se interesó por los temas taurinos y andaluces, en especial, mujeres ataviadas con trajes de volantes, mantones, mantillas, abanicos y flores, como por ejemplo, Mujer de Alcalá de Guadaira. A este momento de su pintura se le conoce como estilo "España blanca”

En 1898 se trasladó a Segovia y allí su obra adquirió gran fuerza expresiva. El paisaje y los hombres de Castilla, con los que se sintió muy identificado, son los temas predominantes de su nuevo estilo, conocido como el de la "España negra". Pintó los tipos españoles y las visiones de una Castilla ruda, hosca y empobrecida, para ello se sirvió de varios elementos, como la miseria y las costumbres tradicionales de los pueblos. Sus obras muestran una España campesina, con personajes solemnes, hieráticos y atemporales. Su visión de España le relaciona con la generación del 98: paisajes yermos y ciudades decadentes que evocan un pasado glorioso.

Como paisajista, en un primer momento otorgó al paisaje un lugar secundario en el fondo de los cuadros, donde representó viejas casas agrietadas, edificaciones populares y nobles fachadas de piedra labrada desgastada por el tiempo. Así, por ejemplo, en su obra Mis primas representa una desolada y desnuda comarca por la que caminan jinetes aislados o grupos de personas. Lo mismo ocurre en El peregrino y en Gregorio el botero, donde las murallas de Ávila son el telón de fondo sobre el que destaca la figura del enano.

En otras obras como Casas viejas de Haro, Castilla la Vieja o Gregorio en Sepúlveda, el paisaje tiene la misma importancia que las figuras, y en Mujeres en Sepúlveda son las propias figuras las que conducen la mirada al pueblo segoviano, de retorcidos caminos y abigarradas casas que se alzan en un áspero paisaje de barrancos y colinas. Para Zuloaga, Sepúlveda fue el pueblo que mejor expresa el carácter español, castellano, austero y adormecido en un rincón de la historia.

Con el tiempo, por tanto, Zuloaga abandonó poco a poco la figura humana para centrarse en el paisaje, como se observa en Paisaje de Burgos, donde muestra en primer término las derruidas murallas del viejo castillo y a lo lejos, las torres de la catedral gótica; en Cerros de Calatayud define un paisaje mediante planos, la sobriedad del dibujo y de la pincelada. En primer plano se encuentran los prados y los sembrados, después, las montañas, y sobre ellas, las nubes. Otros ejemplos de interés son Paisaje de Nájera, Paisaje de Motrico, Paisaje de Tarazona, Catedral de Burgos o Paisaje de Pancorbo.

Las principales regiones españolas que le sirvieron de inspiración fueron Castilla, Aragón y Navarra, El paisaje del País Vasco, su tierra natal, está representado en Fuente de Eibar y Corrida de toros en mi pueblo.

Consolidado su prestigio internacional, le encargaron decorados para las Operas de Berlín y Bruselas. En 1914 se instaló en Zumaya, pero siguió viajando a menudo. En la última etapa de su vida trabajó en su estudio de Madrid y recibió numerosos encargos de retratos, aunque sin abandonar el bodegón y el paisaje como su obra más personal. Sus retratos muestran el carácter y vigor expresivo del retratado, subraya el gesto, la acción y la mirada y abandona los detalles, rasgos y delicadezas, como se observa en el retrato de la Condesa de Noailles. Entre sus numerosos retratos destacan el de Unamuno, Valle-Inclán o Pérez de Ayala.

Zuloaga rechazó el impresionismo y buscó una pintura con fuerza, que se caracteriza por un dibujo enérgico, una constructividad volumétrica en la línea de Cézanne, una pastosidad que deriva de Van Gogh y unas curvas decorativas que proceden del modernismo y de Gauguin. Como Degas, sus composiciones muestran el motivo principal descentrado.

Su obra se reparte entre diferentes museos: Museo Zuloaga, en Zumaya; Museo de Bellas Artes, en Bilbao; Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, en Madrid; Museo de San Telmo, en San Sebastián; Museo de Bellas Artes, en Sevilla.


Obra comentada

Galería
El enano Gregorio el botero, 1893

Retrato del Marqués de Villamarciel, 1893

Anna de Noailles de Ignacio Zuloaga



Este retrato de Anna de Brancovan, condesa de Noailles, muestra a la poetisa en una actitud confiada y segura, con la figura resaltada sobre un fondo oscuro, para resaltar la sonrosada opalescencia del atuendo femenino. Zuloaga plasmó con brío la fuerza de sus ojos y la erótica caída de su larga cabellera sobre el hombro y el pecho.

(Museo de Bellas Artes de Bilbao)

Taddeo Zuccari (1529-1566)


Renacimiento. Cinquecento. Manierismo.

Zuccari,  Taddeo (Marcas, cerca de Urbino, 1 de septiembre de 1529 - 2 de septiembre de 1566) Pintor italiano.

Carrera

Fue autodidacta, aprendiendo en particular de la obra de Rafael y de la escuela rafaelesca del primer manierismo. Consigue recrear parcialmente algo del nuevo sentido esencial del clasicismo. Su pintura exhibe una cualidad contradictoria con el estilo de su época: una tendencia al naturalismo descriptivo que aparece dentro de su estilización manierista. El naturalismo es un componente importante en el complejo global de su arte; este representa el nexo que supo efectuar entre el manierismo y las exigencias que la incipiente reforma católica demandaba. Su tendencia preanuncia el barroco de los Carracci.

Sus obras más importantes son una Crucifixión (1553-1556), en la Capilla Mattei de Santa María de la Consolación; la Conversión de San Pablo (1563); Cristo muerto sostenido por ángeles (1564-1565); la decoración de la sala del Fasti (1565); El Concilio de Trento (1565), obra de valor mayormente histórico. En los fondos del Museo Nacional de Arte de Cataluña se conserva un dibujo Apuntes de figura, proveniente de la colección privada de Raimon Casellas.

Al morir en 1566 su hermano y discípulo Federico Zuccaro será el encargado de terminar los compromisos que este dejó, especialmente en Roma.


Galería
Alejandro Magno y Bucéfalo, 1553

Crucifixión, 1556

Alexey Zubov (1682-1741)


Barroco


Zubov, Alexey Fyodorovich (Moscú, 1682 – 1741) fue un grabador ruso .

Zubov y su hermano Ivan fueron aceptados como aprendices de su padre Fyodor en la tienda de iconos del Kremlin a una edad temprana. En 1699, Alexey fue aprendiz del grabador holandés Adrian Schoonebek por orden de Pedro el Grande .

Sus grabados de eventos importantes, personas y monumentos de la Rusia del zar le valieron gran fama en su propia vida. Se desconoce el año de su muerte, pero se cree que fue en 1750 o después.


Galería
Vista de la mansión de Moscú de Gagarin desde el patio, 1707

La entrada ceremonial de las tropas rusas a Moscú
el 21 de diciembre de 1709 después de su
victoria en la batalla de Poltava, 1711

Larry Zox (1937-2006)




Zox, Lawrence "Larry"  (Des Moines, Iowa, 31 de mayo de 1937 - Colchester, Connecticut, 16 de diciembre de 2006) fue un pintor y grabador estadounidense clasificado como expresionista abstracto , pintor de campos de color y abstraccionista lírico , aunque no siempre utilizó e esas categorías para su trabajo.

Biografía

Zox nació en Des Moines, Iowa, hijo de Oscar y Mildred (née Friedman) Zox, pero se mudó a la ciudad de Nueva York a una edad temprana. Vivió la vida de un artista, frecuentando los círculos de muchos nombres prominentes en el mundo del arte. En los últimos años se había mudado a su segunda casa en Colchester, Connecticut. Zox era considerado un artista abstracto, pero más adelante se describiría a sí mismo como un colorista.

Zox recibió su educación en la Universidad de Oklahoma y la Universidad Drake. Estudió con George Grosz en el Des Moines Art Center. Fue galardonado con una beca Guggenheim y recibió subvenciones de la National Endowment for the Arts y la Fundación Adolph y Esther Gottlieb. Fue un artista residente en la Universidad de Carolina del Norte en Greensboro, Dartmouth College y la Universidad de Yale .

Su trabajo ha sido exhibido en muchas exposiciones individuales y grupales, incluyendo el Museo Whitney de Arte Americano ( Ciudad de Nueva York ); el museo de arte moderno (NY); Galería de Arte Albright-Knox ( Buffalo, Nueva York ); Instituto de Arte de Chicago ; Museo de Bellas Artes, Boston ; y el Museo Solomon R. Guggenheim (NY). En los últimos años, su obra ha sido expuesta en la Galería Stephen Haller de la ciudad de Nueva York y en la Galería Rocket de Londres.

Murió, de 69 años, de cáncer.


Galería
Bandera, 1962

Blanco 7, 1963

José Luis Zorrilla de San Martín (1891-1975)



Zorrilla de San Martín, José Luis (Madrid, 5 de septiembre de 1891 - Montevideo, 24 de mayo de 1975) Escultor y pintor uruguayo, hijo del escritor Juan Zorrilla de San Martín. Fue uno de los escultores que prolongó el modernismo de Antoine Bourdelle en monumentos significativos de Montevideo. En su obra hay ecos de una estética barroca que es una constante en su quehacer plástico. Fue nombrado miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes de Argentina.

Biografía

Inicios artísticos

Hijo del escritor Juan Zorrilla de San Martín, Ministro Plenipotenciario de Uruguay en la Corte de Alfonso XIII. A los tres años se trasladó a París, ciudad en la cual conoció a Carlos Federico Sáez. En 1898 se radicó en Montevideo. Sus primeros retratos al óleo datan de 1906 y muestran una gran influencia de Sáez. Cursó estudios en el Círculo de Bellas Artes con el pintor Vicente Puig y posteriormente recibió clases del escultor Felipe Bernini (1909). Entre 1911 y 1914, realizó sus primeras exposiciones en pequeños salones.

Etapa europea

Al recibir una beca del gobierno uruguayo en 1914, para estudiar en Múnich, debió permanecer en Florencia sin llegar a destino debido a que se desató la Primera Guerra Mundial. Regresó a Uruguay al año siguiente e ingresó al Palacio Legislativo como ayudante de escultura. Ganó el Concurso Internacional para erigir el Monumento al Gaucho (1922) y ya casado con Guma Muñoz del Campo, se trasladó con ella y sus dos primeras hijas - Guma y Concepción - a París, donde instaló un taller y estudió con el escultor Antoine Bourdelle.

El monumento debió fundirlo en Bruselas, ya que el mejor taller de fundición de la capital francesa estaba ocupado en la realización del Alvear de Bourdelle, a quien más adelante se vincularía como discípulo y como amigo. En ese mismo año, realizó el "Viejo Vizcacha" y la estatua de José Gervasio Artigas en el Paraguay.

De esa época es también "San José y el Niño", destinada a una iglesia de la isla Saint Louis. Paralelamente concurría a los talleres de Maillol, Despiau y Drivier. En 1925 presentó La Fuente de los Atletas, en el Salón de Otoño (actualmente, ubicada en el Parque Rodó de Montevideo), por la cual recibió la Medalla de Plata.

Regreso a Uruguay

En 1925 regresó a Uruguay y al año siguiente se inauguró el Monumento al Gaucho. Obra de los años siguientes: monumento a la Batalla de Sarandí (1930), decoración de la capilla de la cárcel de mujeres (1930), estatua ecuestre del Grito de Asencio (1936) y el obelisco a los constituyentes de 1830 (también de 1936, aguja de granito de 41 metros de alto, con tres alegorías de bronce, instalado en el Parque José Batlle y Ordóñez de Montevideo).

De 1930 es el monumento yacente de Monseñor Mariano Soler, Primer Arzobispo de Montevideo, emplazado en la Catedral de esa ciudad. Fue invitado a concurrir a la Exposición de París de 1937 y declarado "huésped de honor". En 1940, a su vez, fue invitado a viajar a los EE. UU., por el presidente Franklin D. Roosevelt.

En 1937 ganó el concurso internacional para el monumento al General Julio Roca en Buenos Aires y abrió un taller en esa ciudad para su ejecución. La obra fue inaugurada en 1941 y se encuentra en la esquina de la Avenida Presidente Julio Argentino Roca y la calle Perú. En su base revestida en mármol, se destacan dos alegorías que representan la Patria y el Trabajo, y en el coronamiento del monumento se erige la escultura del General Roca montando un caballo.3

En 1947 realizó la estatua de Artigas que se encuentra en el Banco de la República Oriental del Uruguay (inaugurada en 1949).

El monumento a Artigas, encargado por el gobierno de Argentina, fue realizado en 1960, pero su inauguración se demoró hasta 1971. En 1966, con motivo de inaugurarse la estatua de Artigas de pie, fue invitado por el gobierno de Italia a concurrir al acto y se le otorgó el título de Comendador. También realizó un Artigas con destino a Villa Borghese, en Roma (1967). El Viejo Pancho, emplazado en la plaza de la calle Libertad de Montevideo, data de 1969.

Entre 1940 y 1961 fue Director del Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo.

Contrajo matrimonio con Guma Muñoz del Campo, con quien tuvo cinco hijas. Su segunda hija fue la famosa actriz Concepción "China" Zorrilla.

Falleció en Montevideo a los 83 años de edad.

El edificio lindero al Museo Zorrilla en Punta Carretas alberga su taller. La Escuela Pública Nº 1934​ y la calle donde se localiza el Museo Zorrilla de Montevideo llevan su nombre como homenaje.


Heimo Zobernig (1958)




Zobernig, Heimo (Mauthen , Austria, 1958) es un artista austriaco que trabaja en una variedad de medios, desde pintura y escultura hasta instalaciones y diseños específicos del sitio.

Biografía

Zobernig asistió a la Academia de Bellas Artes (Akademie der bildenden Künste), Viena a fines de la década de 1970 y se graduó de la Academia de Artes Aplicadas (Hochschule für angewandte Kunst), Viena en 1983.

Zobernig comenzó su carrera docente como profesor en la Academia de Artes Aplicadas de Viena. Después de varias becas de enseñanza en Alemania, fue nombrado profesor de arte en la Academia de Bellas Artes de Viena, en 1999, donde continúa enseñando.

Zobernig crea objetos discretos, pinturas y esculturas, que necesariamente tienen una conciencia integral de su contexto e historia, no solo en relación con las bellas artes sino también con la arquitectura y el diseño. También concibe y construye entornos completos que fomentan una conciencia integral por parte de sus espectadores. Qué es una obra de arte, cómo funciona y cómo los espectadores perciben e interactúan con ella son proposiciones fundamentales en el trabajo de Zobernig.


Galería
1987

1991

Dominikus Zimmermann (1685-1766)

 


Zimmermann, Dominikus (Gaispoint bei Wessobrunn, 30 de junio de 1685- Wies, 16 de  noviembre de 1766) Arquitecto rococó y estucador alemán.

Biografía

Nació en Gaispoint cerca de Wessobrunn en 1685. Como su hermano mayor, Johann Baptist Zimmermann, también arquitecto y estucador, Dominikus Zimmermann descendía de una familia de artistas y artesanos que pertenecieron a la llamada Escuela Wessobrunner, trabajando primero como un estucador y más tarde como maestro constructor y arquitecto. Vivió en Landsberg am Lech, donde fue alcalde entre 1748 y 1753. Murió cerca de la iglesia de peregrinos de Wies cerca de Steingaden en 1766.

Murió en diciembre de 1989 en Antibes, Francia.


Obra comentada


Galería
Ayuntamiento en Landsberg am Lech, 1719


Iglesia abacial, Mödingen en el distrito de Dillingen, 1716-1725

Nave y púlpito de la iglesia de Wies, de Johann Baptist y Dominikus Zimmermann, Steingaden, Baviera

 



Los interiores de esta iglesia de peregrinación son una muestra de la culminación del rococó, creando una integración absoluta entre arquitectura y decoración. Construida entre 1745 y 1754, la bóveda se apoya sobre columnas pareadas que aligeran la estructura de tal modo que provoca un juego de perspectiva muy amplia que parece abrirse más allá del techo. Las pinturas recargadas y las formas retorcidas de la madera de las esculturas, los púlpitos y los estucos animan el conjunto dotándolo de un movimiento continuo que acaba disolviendo la visión de la propia estructura, estableciendo un enlace entre el mundo celestial representado artificiosamente y el terrestre, desde el cual observa el espectador de este impresionante monumento. 

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Guan Zilan (1903-1986)



Zilan, Guan ( chino: ; Wade – Giles : Kuan Tzu-lan ; Shangai, Qing, Enero de 1903 - 30 de junio de 1986), también conocido como Violet Kwan , fue una pintora de vanguardia china.  Fue una de las primeras artistas en introducir el fauvismo en China, y era conocida por aplicar el estilo de pintura occidental a los temas tradicionales chinos. Su obra más famosa es Retrato de la señorita L. (1929). Aunque fue una de las favoritas del mundo del arte a fines de la década de 1920 y 1930, dejó de pintar después del inicio de la Revolución Cultural y quedó olvidada en la China comunista.

Biografía

Guan nació en Shanghai en 1903, durante la tumultuosa dinastía Qing tardía. Ella era de ascendencia de Nanhai, Guangdong. Sus padres, que fueron exitosos comerciantes textiles involucrados en el diseño textil, le dieron una educación artística desde una edad temprana. Estudió pintura en Shanghai Shenzhou Girls 'School y luego pintura occidental en China Art University (中華 藝術 大學) en Shanghai, donde fue enseñada por los conocidos pintores Chen Baoyi ( ) y Hong Ye ( ).

Después de su graduación en 1927, siguió el consejo de Chen y se fue a Japón para continuar sus estudios. Se matriculó en Bunka Gakuin en Tokio, y su estilo se vio fuertemente influenciado por el fauvismo de Henri Matisse. En las décadas de 1920 y 1930, las mujeres chinas que tuvieron carreras exitosas en Japón atrajeron una atención significativa de los medios japoneses. Guan apareció en los titulares como representante de la " chica moderna " y se proyectó como una belleza modelo.

Guan regresó a Shanghai en 1930 y se convirtió en uno de los primeros artistas en traer el fauvismo a China. Ella y su compañera pintora Pan Yuliang se convirtieron en favoritas en el mundo del arte de la joven República de China (1912–49). Las mujeres artistas formadas en estilo occidental, como Guan y Pan, capturaron la fascinación del público y fueron aceptadas como la encarnación de la modernidad. Sus pinturas y retratos fueron publicados repetidamente en la popular revista Liangyou (The Young Companion) Debutó en la revista en 1927, cuando publicó obras seleccionadas de su exposición de graduación en la Universidad de Arte de China. En 1930, cuando Guan realizó una exposición individual en Shanghai, Liangyou dedicó una página completa a sus pinturas de la exposición. Una fotografía de ella tocando la mandolina fue elegida para la portada de la revista.

Durante la Segunda Guerra Sino-Japonesa, cuando el este de China, incluido Shanghai, fue ocupado por el Imperio de Japón, el ex maestro de Guan Chen Baoyi se negó a trabajar para los japoneses y cayó en la penuria. Guan lo apoyó financieramente hasta su muerte en 1945.

Guan se quedó en Shanghai después de que los comunistas se apoderaron de China en 1949 y vivieron en la calle Liyang en el distrito de Hongkou. Trabajó en el Instituto de Investigación de Cultura e Historia de Shanghai y se convirtió en miembro de la Asociación de Artistas de China, cambiando su estilo artístico para ajustarse al realismo socialista dominante en la China comunista. Dejó de pintar por completo después de la erupción de la Revolución Cultural en 1966. Fue olvidada gradualmente por el público chino, aunque su Retrato de la señorita L. fue seleccionado para su exhibición en el Museo Guggenheim de la ciudad de Nueva York en 1998  El 30 de junio de 1986, Guan Zilan murió de un ataque al corazón en su casa.

En 2007, una caja de fotografías antiguas de los años 1920 y 1930 se redescubrió en el sótano del Wang Kai Photo Studio de Shanghái. The Xinmin Evening News publicó algunas de las fotos, pero identificó erróneamente a Guan Zilan como la famosa estrella de cine Ruan Lingyu. El error se rectificó cuando la hija de Guan vio las fotos en el periódico y las reconoció como las de su madre.

Shen Zhou (1424-1509)

 



Zhou, Shen o Shen Cheu (Sūzhōu, 1427 - 1509 ) pintor chino fundador de la llamada escuela Wu.

Biografía

Shen Zhou nacido en la ciudad de Wuxian ( actual Sūzhōu), provincia de Jiangsu durante la dinastía Ming, se interesó tempranamente por las obras pictóricas de Wan Mêng y Ni Zan ( o Ni Tsan ), aunque posteriormente se encontró principalmente influido por la pintura de Wu Chên; de este modo su estilo se caracteriza por la libertad en la composición, composición en la cual resaltan las dinámicas pinceladas, esto se encuentra plasmado en obras que reúnen una gran calidad poética y que sin embargo de ello suelen ser altamente realistas, tales características signaron a la escuela Wu, escuela que dominó el ámbito pictórico chino a finales de siglo XV.


Galería
Lofty Mount Lu, 1467

Poeta en la cima de una montaña, 1500

Zeng Fanzhi (1964)



Zeng Fanzhi ( chino  : 梵志  ; pinyin  : zēng fànzhì) (Wuhan, provincia de Hubei, China, 1964 ), es un artista chino con sede en Beijing.

Rompió el récord de premios de trabajo asiático con "Mask Series 1996 No. 6", vendido por $ 7.5 millones de dólares en Hong Kong, en la inauguración de Christies Hong Kong en 2008, posteriormente, ese mismo año, un nuevo récord con 317.384 millones de dólares de Hong Kong (31.7 millones de euros) para "The Last Supper" en el Centro de Convenciones y Exposiciones de Hong Kong.

Entre sus obras, se encuentra la colección de máscaras, que representan a varios personajes, a veces famosos (como Andy Warhol a su lado), con la bufanda roja que se les dio a los niños de la escuela en China. Al no ser un trabajador muy duro en la escuela, que no había conseguido que la bufanda en el inicio de su escolarización.

Recordando los viajes que había hecho mientras comía solo sandías, pintó en varias de sus pinturas, como en su trabajo, "La Última Cena", tomando el trabajo de Leonardo da Vinci, donde se representa a sí mismo en el medio de la mesa, en lugar de Jesucristo y donde la mesa está cubierta de sandías.

Más recientemente, se ha inspirado en obras de grandes artistas, como la famosa acuarela "La liebre" de Alberto Durero, que la transpuso a su propio universo pictórico hecho de entrelazado y gran formato


Galería
Un hombre melancólico, 1990

Serie de hospitales, 1994

Fahrelnissa Zeid (1901-1991)



Zeid, Princesa Fahrelnissa (en árabe: الأميرة فخر النساء زيد‎, Fakhr un-nisa o Fahr-El-Nissa; nombre artístico internacional Fahr el Nissa Zeid), (Büyükada, Turquía, 7 de enero de 1901 – Amán, Jordania, 5 de septiembre de 1991) fue una artista turca reconocida por sus obras abstractas en gran escala con elementos caleidoscópicos. También su obra tenía combinaciones de elementos occidentales junto con orientales.

Fue una de las primeras mujeres en ir a la Escuela Imperial de Arte de Estambul y luego estudió en la Académie Ranson. En la década de 1930 se casó dentro de la familia real Hachemí de Irak, trasladándose a vivir a Berlín, y fue la madre del príncipe Ra'ad bin Zeid. Después de la Segunda Guerra Mundial, vivió en Bagdad y en 1970 se trasladó a Jordania, donde fundó un instituto de Bellas Artes.

Vivió en numerosas ciudades y formó parte de los movimientos de avant-garde en Estambul, en Berlín previo a la guerra y en París post-guerra. Sus obras han sido expuestas en numerosas instituciones en París, Nueva York, y Londres, incluido el Instituto de Arte Contemporáneo in 1954.​ En el 2017, Tate Modern en Londres organizó una gran retrospectiva de la artista y la identificó como "una de las más grandes mujeres artistas del siglo XX".​

Su obra más grande vendida en un remate es, Hacia un cielo (1953), 2 m x 6 m, se vendió por casi un millón de libras esterlinas en el 2017.

Biografía

Fahrelnissa Zeid nació como Fahrünissa Şakir (en lo sucesivo, Zeid), en una familia otomana de élite en la isla Büyükada en el mar de Mármara. Su tío, Cevat Çobanlı Pasha fue el Gran Visir del Imperio Otomano desde 1891 hasta 1895. El padre de Zeid, Sakir Pasha, fue nombrado embajador en Grecia, donde se encontró con la madre de Zeid, Sara İsmet Hanım.​ En 1913, el padre de Zeid recibió un disparo mortal y su hermano, también llamado Cevat, fue juzgado y condenado por su asesinato.

Zeid comenzó a dibujar y pintar a una edad temprana. Su trabajo más antiguo conocido es un retrato de su abuela, pintado cuando ella tenía 14 años.​ En 1919, Zeid se inscribió en la Academia de Bellas Artes para Mujeres, en Estambul.

En 1920 con diecinueve años de edad, Zeid contrajo matrimonio con el novelista İzzet Melih Devrim.​ De luna de miel, Devrim llevó a Zeid a Venecia donde tomó contacto por primera vez con las tradiciones pictóricas europeas.​ El matrimonio tuvo tres hijos. Faruk (nacido en 1921) su hijo mayor falleció de fiebre escarlatina en 1924. Su hijo Nejad (nacido en 1923) se convirtió en pintor, y su hija Şirin Devrim (nacida en 1926) se convirtió en actriz.

En 1928 Zeid viajó a París y se matriculó en la Académie Ranson, donde estudió con el pintor Roger Bissière. A su regreso a Estambul en 1929, Zeid se inscribió en la Academia de Bellas Artes de Estambul.

1930–1944
En 1934 Zeid se divorció de Devrim y se casó con el Príncipe Zeid bin Hussein de Irak, quien en 1935 fue designado primer embajador del Reino de Irak en Alemania. La pareja se mudó a Berlín donde Zeid presidió numerosos eventos sociales en su rol de esposa del embajador. Luego de la anexión de Austria en marzo de 1938, el Príncipe Zeid y su familia regresaron a Irak, estableciéndose en Bagdad.

Zeid se deprimió en Bagdad y siguiendo el consejo de un doctor vienés regresó a París por una breve temporada.​ Paso los siguientes años viajando entre París, Budapest, y Estambul, intentando recuperarse y dedicarse de lleno a la pintura.​ Para 1941, ella estaba de regreso en Estambul y se dedicaba a la pintura.

Zeid se involucró con el Grupo d de Estambul, un grupo de pintores avant-garde que trabajaban para la nueva República de Turquía liderada por Mustafa Kemal Atatürk.​ A pesar que su relación con el grupo fue breve, las exhibiciones que realizó con el Grupo d a partir de 1944 le dieron confianza a Zeid para comenzar a realizar exhibiciones sola. La artista inauguró su primera exhibición personal en su casa en Maçka, Estambul en 1944.

1945–1957

En 1945, Zeid despejó los ambientes de la recepción de su departamento en Estambul y realizó su primera exhibición individual.​ En 1946, luego de dos exhibiciones individuales en İzmir en 1945 y en Estambul en 1946, Zeid se mudó a Londres donde el príncipe Zeid Al-Hussein se desempeñó como el primer embajador del reino de Irak ante la Corte de Saint James. Zeid continuó pintando, para lo cual convirtió una sala de la embajada iraquí en su estudio.​

A partir de 1947, el estilo de Zeid se tornó más complejo y su trabajo mudó de la pintura figurativa a la abstracción, en lo que se observa la influencia sobre Zeid de los estilos abstractos que surgen en el París de postguerra. Ella fusiona en sus pinturas de una manera muy personal sus raíces persa, bizantina, cretense y oriental con conceptos, estilos y técnicas del Modernismo.​

En 1948 expone en Londres en la Galería Saint George. Y la reina Isabel concurre a la inauguración. A causa de su destacada posición en la familia real iraquí, numerosos miembros de la alta sociedad visitan la exposición. El critico de arte Maurice Collis visita y analiza las obras expuestas y posteriormente forjan una amistad. El prominente crítico de arte y curador francés Charles Estienne se convierte en un importante impulsor del trabajo de Zeid.

Durante la década siguiente, vive entre Londres y París, y Zeid pinta algunas de sus obras más impactantes, experimentando con telas abstractas monumentales que zambullen al observador en universos caleidoscópicos gracias al marcado uso de líneas y colores vibrantes.​ Zeid expone en la Galería Dina Vierny en 1953, donde muestra sus obras abstractas más recientes El pulpo de Triton, y el Mar de los Zargazos. La exposición es presentada en el Instituto de Arte Contemporáneo en Londres en 1954. A mediados de la década de 1950 Zeid se encontraba en la cima de su carrera. Por esta época, ella traba amistad con un grupo de artistas internacionales tales como Jean-Michel Atlan, Jean Dubuffet y Serge Poliakoff, quienes estaban experimentando con abstracción gestual.

1958–1991

En 1958, Zeid convence a su esposo el príncipe Zeid al-Hussein de no viajar a Bagdad para desempeñarse como regente a cargo mientras su sobrino, el rey Faisal II, se tomaba vacaciones, cosa que Zeid solía hacer. En cambio el matrimonio se dirigió a su casa de vacaciones en la isla de Ischia en el Golfo de Nápoles. El 14 de julio de 1958 hubo un golpe militar en Irak y toda la familia real es asesinada. El príncipe Zeid y su familia se salvan de ser asesinados y se les concede 24 horas para desocupar la embajada de Irak en Londres.​ The coup halted Zeid’s career as a painter and hostess in London.

Zeid y su familia se mudan a un departamento en Londres y a la edad de 57 años, por primera vez Zeid debe prepara una comida.​ La experiencia la impulsa a comenzar a pintar sobre huesos de pollo, y posteriormente a crear esculturas a partir de huesos conformados con resinas, a las que denomina paléokrystalos. En sus pinturas, ella comenzó a apartarse de la abstracción, y comenzó a pintar retratos de sus familiares y otras personas de su entorno..​

Al cabo de unos pocos años su hijo más joven, el príncipe Ra'ad bin Zeid, contrae matrimonio y se muda a Amman, Jordania. En 1970, fallece en Paris su esposo Zeid Al-Hussein y Zeid se muda a Amman en 1975. Allí Zeid crea en 1976 el Real Instituto Jordano Fahrelnissa Zeid de Bellas Artes y durante los siguientes 15 años hasta su muerte en 1991 ella enseña y apadrina allí a un grupo de jóvenes mujeres


Galería

Arte abstracto
1950

1950

Obra de Victor Zaretsky. Art nouveau.

Ciudad laborista, 1979

No duermas, cosaco, 1980

Amapolas, 1980

Chica con paleta y pincel. Retrato de Ivanna Moskovka, 1982

La anciana en el mundo de mini y maxi, 1983

Nastya, 1984

Otoño. Mañana en el jardín, 1984

Eugenia, 1986

Invierno, 1986

Jardín en flor, 1986

Malva, 1986

Bosque de invierno, 1987

Kalina Snow, 1987

Primavera, 1987

Retrato de Tetyana Tsymbal, 1987

Sed, 1987

La primavera ha llegado, 1988

Soledad, 1988

Árbol. Los orígenes del arte, 1988

Campana. El cráneo de oro, 1989

Campanas, 1989

Niños, 1989

Teatro, 1989

Luces de la carretera, 1990

Noche de terciopelo. Espíritus de amor, 1990

Prados de agua, 1990

Proceso creativo, 1990

Santa pascua, 1990

Zaretskaya Grigoryeva Maya Margarita, 1990

Punto al Arte