Szilvashi, Tiberiy (Mukachevo,
Transcarpatia, 13 de junio de 1947).
Graduación de 1966 de la Escuela
de Arte Estatal Taras Shevchenko.
1972 graduación del Instituto
Estatal de Arte de Kiev.
Premio 1995 como "Artista
del año" en Ucrania. El mismo año tiene beca de adjudicación por parte del
municipio de Munich.
2013 académico, miembro
correspondiente de la Academia Nacional de las Artes (Ucrania).
Orden de 2015 "Para la
valentía intelectual" por la revista independiente «Ї».
Muchas de las obras de Tibery
Szilvashi se encuentran en colecciones públicas y privadas en Munich, Viena,
Nueva York y otras ciudades de Europa y el cofundador de los Estados Unidos del
grupo de arte Alliance22.
Botero, Fernando
(Medellín, 19 de abril de 1932 - Mónaco, 15 de septiembre de 2023) Dibujante, pintor y escultor
colombiano, el más importante artista colombiano de las últimas décadas, nacido
en la ciudad de Medellín el 19 de abril de 1932.
Biografía
Aparte de los breves estudios
realizados en la Academia de San Fernando de Madrid y luego en la de San Marcos
en Florencia, hay que señalar que Fernando Botero es un autodidacto. Desarrolló
un estilo personal: figurativo y realista. Empezó a los dieciséis años como
dibujante del suplemento literario del periódico El Colombiano, cuando aún
cursaba sus estudios en el colegio. A los dieciocho años, Botero fue expulsado
del colegio de los jesuitas donde estudiaba bachillerato por haber publicado un
artículo titulado Picasso y el no conformismoen el Arte.
En 1951, realizó su primera exposición individual en Bogotá. Con el dinero allí
recaudado, se estableció luego en Tolú. Después de participar en el IX Salón de
Artistas Colombianos (Bogotá, 1952), donde obtuvo el segundo premio con su
cuadro Frente al mar, y tras realizar dos exposiciones de sus obras en
Santafé de Bogotá, a los 20 años viajó a Europa (Barcelona, Madrid, París,
Florencia).
Ingresó en la Academia de San
Fernando y trabajó durante un año en el Museo del Prado. Cuando volvió a su
país, repitió sus éxitos en las exposiciones: en 1957, consiguió el segundo
premio en pintura del X Salón de Artistas Colombianos, con su óleo Contrapunto;
en 1958, primer premio en el XI Salón Nacional con el óleo La Camera degli
Sposi. Aunque desde 1960 reside en el extranjero (doce años en Nueva York y
luego en París e Italia), se siente el más colombiano de los artistas
colombianos. Algunos de sus cuadros más famosos son: La comida con Ingres y
Piero della Francesca (1972), Obispos muertos (1965), Dictador tomando
chocolate (1969), Familia con animales colombianos (1970), Toro
muriendo (1985), Muerte de Ramón Torres (1986), La Mona Lisa de
doce años, Sillón con mandolina, El niño de Vallecas, Los músicos
(1979), La madre priora (1980), La casa de los gemelos Arias
y La apoteosis de Ramón Hoyos.
A partir de 1976, Botero se
dedicó a la escultura. Su primera exposición como escultor tuvo lugar en el
Gran Palais de París en 1977, con trece esculturas. Luego, en 1978, el artista
presentó una serie de 32 obras en la Galería Brusberg de Hannover. La calidad
de sus esculturas se hace más manifiesta cuando agiganta un fragmento del
cuerpo humano o lleva al absurdo el contraste entre dos figuras o partes del
cuerpo. Los más grandes reconocimientos al valor de su trabajo escultórico lo
representan su exposición en los Campos Elíseos de París (1992) y en la Quinta
Avenida de Nueva York (1993). Todos sus trabajos tridimensionales tienen un
carácter arcaizante. Ello se debe, según explicaciones del propio
artista, a su deseo de buscar las raíces en el arte precolombino y a cierta
influencia del arte popular mejicano. Algunas de las características de sus
obras son el feísmo, la monstruosidad y la deformación. El centro de sus obras
es el hombre, pero el hombre que sobrevive atrapado en las convenciones de una
sociedad. Muchas de estas figuras fueron posteriormente regaladas a algunos de
los países que acogieron dichas exposiciones. Así, y por votación popular,
Botero dejó dos esculturas en Madrid tras la gran exposición en 1994 en el
Paseo de Recoletos, una Mano y una Maja desnuda. También dejó, asimismo, una
escultura en el aeropuerto madrileño de Barajas titulada El rapto de Europa.
En abril de 2005 inauguró una
exposición en el Palacio Venecia de Roma en la que presentó más de cincuenta
pinturas cuyo motivo eran las torturas infringidas por soldados estadounidenses
a presos iraquíes en la cárcel de Abu Ghraib durante la ocupación de Irak en
2003. Botero volvió a aparecer en las noticias en noviembre de 2009, saberse
que una escultura suya, Mujer Fumando, fue subastada en la galería
Christie´s de Manhattan, por un precio de 1 millón de dólares, el mayor importe
pagado por una obra suya, superando al resto de artistas latinoamericanos que
vendían sus obras.
La
imagen es un detalle de una de las obras de la primera época pictórica de este
artista colombiano, en la que abundaban las referencias a la religiosidad y las
figuras de monjas y obispos con una intención satírica. A pesar de haber vivido
durante años en un exilio voluntario, Botero siempre ha insistido en llevar a su
obra plástica sujetos que están cerca de la idiosincrasia colombiana.
En esta obra de uno de los máximos exponentes del arte
hispanoamericano actual se puede apreciar una característica constante en su
producción como es su afán por casar una aparente ingenuidad infantil con una
sordidez en los contenidos, como pone de manifiesto en su serie de lienzos
sobre las torturas de Abu Ghraib.
Cano, Alonso (Granada, 19 de marzo de 1601 - 3 de octubre de 1667).Pintor, escultor y arquitecto español. Biografía En 1614 se trasladó a Sevilla, donde trabajó de aprendiz en el taller de Francisco Pacheco y conoció a Velázquez. En 1638 se trasladó a Madrid como pintor de cámara del conde-duque de Olivares. Activo también en Granada. En su vida artística es posible distinguir tres momentos: a) Período sevillano (1614-38) Adquirió más nombre como escultor y retablero que como pintor. La mejor obra de este período es el altar mayor de Santa María de Lebrija. b) Período madrileño ( 1638-52) Se dedica preferentemente a la pintura y su técnica evoluciona hacia una pincelada más blanda, próxima a la de los cuadros italianos de la colección Real: Milagro del pozo, Inmaculada. e) Período granadino (1652-67) Dedicado esencialmente a los encargos de conventos y monasterios. Plasma de modo admirable el espíritu místico-ascético que caracteriza lo mejor del arte religioso español de esta época. Obras principales: serie de la Vida de la Virgen, Inmaculada, la Virgen del Rosario (catedral de Granada). La personalidad de Alonso Cano representa en la pintura española barroca la culminación de esta escuela.
Dispuesta a modo de arco triunfal, consta de tres calles divididas en dos cuerpos por una cornisa horizontal y cubiertas con arcos de medio punto, cuyas pilastras tienen medal lones en el lugar del capitel. La decoración culmina en el jarrón de azucenas.
De las distintas versiones de este tema religioso, el artista realizó ésta ambientándola en un paisaje. La Virgen aparece joven y con una larga melena y el Niño parece mirarla complacido.
Morris, William (Walthamstow, Reino Unido, 24 de marzo de 1834 - Londres, 3 de octubre de 1896) Pintor, diseñador y poeta británico. Su poesía es narrativa y a veces inspirada en leyendas clásicas y medievales: The Defense of Guinevere (1858), The Earthly Paradise (1868), Sigurd the Volsung (1876). Como pintor, formó parte del grupo prerrafaelista. Su interés por el mobiliario le inclinó hacia las artes y los oficios, con ánimo devolver la decoración su lugar en las Bellas Artes. Durante la segunda parte de su vida se dedicó de manera especial a la tipografía y al estudio de los problemas sociales, sin renunciar a las artes aplicadas. William Morris y las Arts & Crafts
El Pre-Raphaelitism, que empezó siendo en el fondo una erupción romántica, con Burne-Jones y William Morris acabaría adquiriendo verdadera trascendencia artística.
Las concepciones artísticas de los prerrafaelistas ejercieron una notable influencia en las artes decorativas, sobre todo a través de Morris.
Poeta, pensador, político, pintor y diseñador, William Morris (1834-1896) es una figura singular en la historia inglesa de la segunda mitad del siglo XIX, el artífice del gran impulso renovador en el dominio de la estética y la popularización del arte en Inglaterra y en casi toda Europa.
La Reina Genoveva, de William Morris (Tate Britain, Londres). De título equívoco, pues se trata en realidad de un retrato de Jane Burden, responde a una escena de los mitos artúricos que el autor pintó en 1857, poco antes de casarse con la modelo. El elegante sentido ornamental del cuadro sugiere la cercana intención de Morris por abandonar la pintura para dedicarse exclusivamente al diseño y a la decoración de interiores. Quien fuera representada como la esposa del rey Arturo acabó siéndole infiel con Dante Gabriel Rossetti ante la indiferencia de Morris, cuyo principal interés residía en la observación casi obsesiva de los detalles de la naturaleza.
Steen, Jan Havicksz (Leiden, 1626 - 3 de febrero de 1679) fue un destacado pintor neerlandés del Siglo de Oro, conocido por sus vívidas y humorísticas escenas de género que a menudo contenían mensajes moralizantes.
Formación y carrera
Nacido en una familia católica acomodada de cerveceros en Leiden, Steen asistió a la escuela de latín en su ciudad natal. Se formó como pintor en Utrecht bajo la tutela de Nicolaes Knüpfer, un artista alemán especializado en escenas históricas. La influencia de Knüpfer se refleja en el uso que hizo Steen de la composición y el color en sus obras. También se inspiró en Adriaen van Ostade, conocido por sus representaciones de la vida campesina.
Además de su carrera artística, Steen intentó diversificar sus actividades económicas. En 1654, se casó con Grietje van Goyen, hija del paisajista Jan van Goyen, y trabajó como asistente de su suegro. Más tarde, en 1654, abrió una cervecería en Delft, aunque no tuvo mucho éxito en este emprendimiento. A pesar de sus esfuerzos, Steen enfrentó dificultades financieras a lo largo de su vida.
Obra y estilo
Steen fue un pintor prolífico que abordó una amplia variedad de temas, incluyendo escenas de la vida cotidiana, alegorías, temas religiosos y algunos retratos por encargo. Sus pinturas se caracterizan por composiciones animadas y detalladas, a menudo representando interiores domésticos desordenados y bulliciosos. Estas representaciones eran tan distintivas que en neerlandés existe la expresión "una casa de Jan Steen" para describir un hogar caótico.
Entre sus obras más destacadas se encuentran "La familia Gato" (1660), "Muchacha aseándose" (1663), "La boda" (1667) y "La sorpresa" (1675).
Legado
A pesar de las dificultades económicas que enfrentó, Jan Steen dejó una huella indeleble en la historia del arte neerlandés. Sus obras se exhiben en algunos de los museos más importantes del mundo, y su enfoque humorístico y detallado de la vida cotidiana continúa siendo apreciado por su ingenio y profundidad.
