François Boucher (1703-1770)

 

Rococó

Boucher, François (París, 29 de septiembre de 1703 - 30 de mayo de 1770) Pintor y grabador francés. Es un típico representante del rococó. Su estilo ejerció gran influencia en la corte de Luis XV, y fue el pintor favorito de la Pompadour. Cultivó preferentemente el desnudo femenino, en temas mitológicos: Triunfo de Venus (1740), Diana saliendo del baño (1742).

La pintura sensual de Boucher

En franco contraste con la obra de Watteau se manifiesta la pintura de François Boucher (1703-1770), artista formado en la Academia e imbuido plenamente del espíritu ligero del mundo rococó. Quizá sean la cara y la cruz de la misma moneda; Boucher es el perfecto anfitrión para una fiesta, el que siempre ríe y sabe alegrar las conversaciones, mientras que, por su parte, Watteau nos recuerda que, antes o después, se debe regresar a una realidad no siempre agradable. Boucher fue profesor de pintura de la Pompadour y dirigió la manufactura de tapices de Beauvais y además llegó a ser primer pintor del rey.

Sobresalió por su actividad de decorador, y el estudio de la pintura decorativa (de la que hizo bella aplicación en el Hôtel de Soubise, en París, y en Fontainebleau) le llevó a Roma, donde residió entre 1727 y 1731.

El rapto de Europa de François Boucher (Musée du Louvre, París). Realizado en 1747, el autor representa en este cuadro un episodio clásico de la mitología griega, recogido por Ovidio en su Metamorfosis: el rapto de la hija del rey de Fenicia, Agenor, por Zeus transformado en un toro blanco. Como se puede observar, no faltan las volutas y los querubines desplegando un arco de triunfo.

Su arte se apoya abiertamente en temas sensuales, muy propios del rococó. En 1733, de regreso de Roma, se casó, y puede decirse que entonces empieza su brillante carrera, relacionada con los devaneos del rey. Su estilo revela entonces una visión clara del mundo, al menos tal como él debía desear que fuese: un jardín poblado de ninfas. Protegido por la favorita de Luis XV, en varias ocasiones fue la misma marquesa de Pompadour quien le sugirió los asuntos amorosos (o por mejor decir, eróticos) de sus cuadros, a que la habilidad de Boucher, como dibujante estudioso del desnudo femenino, tanto se prestaba. Boucher pintó los más bellos y juveniles cuerpos de mujer imaginables: Psiquis conducida por el Céfiro al palacio del Amor, el Baño de Diana, etc. En esos cuadros y plafones hay una auténtica sinceridad que los hace estimables.

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Obra comentada

El rapto de Europa

Obra

Cabeza de rey Louis XV, 1729

El rapto de Europa, 1732-1734

El rapto de Europa de François Boucher

 

Realizado en 1747, el autor representa en este cuadro un episodio clásico de la mitología griega, recogido por Ovidio en su Metamorfosis: el rapto de la hija del rey de Fenicia, Agenor, por Zeus transformado en un toro blanco. Como se puede observar, no faltan las volutas y los querubines desplegando un arco de triunfo.

(Musée du Louvre, París)

Fuente: Texto extraído de Historia del Arte. Editorial Salvat

Cesáreo Bernaldo de Quirós (1879-1968)

Arte latinoamericano

Bernaldo de Quirós, Cesáreo (Gualeguay, 27 de mayo de 1879 - Buenos Aires, 29 de mayo de 1968) Pintor argentino. 

Biografía

Desde muy joven se inició en la pintura. A la edad de 13 años se traslada a Buenos Aires, e ingresa al taller del maestro valenciano de dibujo Vicente Nicolau Cotanda. Tres años más tarde ingresa en la Academia de la Sociedad Estímulo de Bellas Artes, bajo la tutela de los maestros Ángel della Valle y Reynaldo Giudici.

Luego de recibir el Premio Roma, es becado por el gobierno nacional y viaja a Italia contando con apenas veinte años. Allí se perfecciona y recibe incluso una mención en la Bienal de Venecia con una obra de grandes dimensiones en 1901. En 1905 viaja a España vinculándose con Zuloaga y Sorolla, haciéndolo más tarde a París, Florencia y Cerdeña.

Regresa a su país en 1906. Integra el grupo Nexus junto con Fernando Fader, Pío Collivadino, Carlos Ripamonte, Alberto Rossi y Justo Lynch. En 1910 obtiene el Gran Premio y Medalla de Oro en la Exposición Internacional de Arte del Centenario. La gran muestra del Centenario fue consagratoria para Quirós, una sala completa fue dedicada a sus pinturas.

Viaja nuevamente a Europa y se establece durante cinco años; regresando posteriormente para radicarse en la estancia de los Sáenz Valiente, en Entre Ríos (1916-1927), en donde produce una obra nítidamente gauchesca sin precedentes en las artes figurativas de Argentina. Se trata de una serie de pinturas a las que llamó "Los Gauchos" y en las que reflejó el espíritu, la historia, las costumbres y los personajes de su tierra; que tuvo su correlato en la literatura de Leopoldo Lugones, Florencio Sánchez y José Ingenieros. Estas obras fueron exhibidas Buenos Aires en 1928 y luego recorrieeron con gran éxito España, Alemania, Inglaterra, Francia, Estados Unidos y Canadá. La gira se prolongó hasta 1936, año en que Quirós regresó definitivamente al país y se instaló en Paraná.

Entre otras actividades vinculadas con el ámbito artístico, el artista proyectó importantes pinturas murales para el Jockey Club de Rosario y el Ministerio del Ejército.

Fue profesor en la Escuela Nacional de Artes Decorativas, y presidente de la Academia Nacional de Bellas Artes.

En 1942 adquiere una gran extensión de tierra sobre las barrancas del río Paraná, cerca de la ciudad homónima, creando un museo con una vasta colección de armas, muebles, adornos y objetos de gran valor artístico.

Obtuvo numerosas distinciones en el país y en el exterior, siendo su obra especialmente valorada por coleccionistas nacionales y extranjeros.

Vivió en Vicente López los últimos veinte años de su vida, donde falleció el 29 de mayo de 1968.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Más obras

Los pescadores, 1904

La Alameda de los Enamorados, 1908

Vela Zanetti (1913-1999)

Muralismo

Zanetti, José Vela (Milagros, Burgos, 27 de mayo de 1913 – Burgos, 4 de enero de 1999)​ Pintor y muralista español. Inició su formación en León con Lucas Pérez Morales, profesor de Dibujo del instituto. A los diecisiete años viajó a Madrid por primera vez, para poner aprueba su vocación, y tras visitar, reiteradamente, los museos y las escasas galerías de la época regresó a León confirmando en su deseo de ser pintor. Poco después su padre le puso en contacto con Bartolomé Cossío que le recomendó al pintor José Ramón Zaragoza, del que fue aprendiz y discípulo, sin perder el contacto con Cossío que le llevó, casi sin darse cuenta, a aprender la historia del arte español.

Biografía

Hijo de un veterinario republicano y de una madre, de origen italiano, muy devota. Siendo niño, sus padres se trasladaron a León. Allí se inicia en el estudio de la pintura junto con Manuel Bartolomé Cossío y José Ramón Zaragoza. En León tuvo su primera exposición en 1931 en el Palacio de los Guzmanes, junto a Modesto Sánchez Cadenas. En 1933 la Diputación Provincial de León lo becó, permitiéndole visitar Italia para conocer la técnica de pintura en fresco.

Como consecuencia de la Guerra Civil Española hubo de exiliarse a América, donde permaneció desde 1939 hasta 1960. Residió más de una década en la República Dominicana donde pintó innumerables obras, entre ellas más de cien murales. Durante su estancia en este país, realizó obras en diferentes ciudades, resaltando los murales del Monumento de Santiago (Santiago), del Palacio de Justicia (Santo Domingo), del Banco Central (Santo Domingo), del Instituto Politécnico Loyola de San Cristóbal, de la Biblioteca Nacional (Santo Domingo), del otrora Teatro Ercilia (Barahona), de la parroquia San Juan Evangelista de la ciudad de Salcedo (las cuales luego fueron removidas), y de la Basílica de Nuestra Señora de la Altagracia (Higüey). ​Dirigió la Escuela Nacional de Bellas Artes en Santo Domingo, de la cual fue uno de los fundadores.​ Visitó Puerto Rico, México, Colombia y Estados Unidos.

En 1953 se inauguró en la sede de la ONU el mural La ruta de la libertad o La lucha del hombre por la paz (en inglés Mankind's Struggle for Lasting Peace). Esta obra de 20 x 3,5 metros fue un regalo de la República Dominicana a la ONU (organización en la cual ingresó España en 1955) y es una de sus obras más destacadas.​

En 1960 fijó su residencia en Milagros (Burgos), bajo el mecenazgo de la empresa arandina Bigar y durante este periodo pintó murales de temas históricos para los edificios de la Diputación Provincial de Burgos y el Arco de Santa María de la misma ciudad.

Dijo en una ocasión que su propósito como artista «fue siempre romper el esquema de superficial», de que era «sólo un pintor de campesinos». En 1987 fue nombrado hijo adoptivo de Aranda de Duero y un instituto de educación secundaria de la localidad lleva su nombre.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Carlo Dolci (1616-1686)

 

Barroco

Dolci, Carlo  o Carlino Dolci (Florencia, Italia, 25 de mayo de 1616 - 17 de enero de 1686) fue un pintor italiano del Barroco, activo sobre todo en Florencia, conocido por sus primorosas pinturas religiosas, copiadas por otros artistas muy frecuentemente. Su popularidad fue enorme hasta bien entrado el siglo XIX, cuando el gusto por los temas religiosos tratados de manera edulcorada decreció notablemente.

Biografía

Nació en Florencia, nieto de pintor por parte de madre. Comenzó su aprendizaje con Jacopo Vignali a edad muy temprana, para después convertirse en aprendiz de Mario Balassi, a cuya muerte completó algunas obras que el maestro dejara inacabadas.

Según su biógrafo Filippo Baldinucci no fue un pintor prolífico, de ahí que no hiciera pintura al fresco, que necesita una cierta rapidez en la ejecución. Aunque sus obras son de pequeño tamaño, realizó algunas de tamaño natural. Repetía sus composiciones con frecuencia, modificando levemente las versiones. Su hija, Agnese Dolci, hizo copias de muchas de ellas. Su anecdotario, contradictorio y legendario, propone que en 1682 sufrió una profunda depresión cuando supo que Luca Giordano, motejado como Luca fa presto, pintaba en cinco horas lo que a él le había llevado varios meses. Murió en Florencia en 1686.

Estilo

Debe su reputación a sus pinturas con una sola figura de medio cuerpo, imbuidas de una profunda religiosidad. Su depurada técnica se hizo más compleja y sofisticada con la madurez, aunque su atormentada personalidad se hace más patente en su obra después de la década de 1640. La «gran maniera», el colorido vigoroso y la luminosidad, unidas a la emoción y dinamismo de la escuela boloñesa, son extraños al estilo de Dolci y el barroco florentino. Inmerso en la larga tradición de la pintura florentina, Dolci fue inmune al nuevo estilo, atado a su escuela patria, rígida en su academicismo. Wittkower lo describe como la versión florentina, en términos de temática religiosa, del romano Sassoferrato. Pilkington define su estilo como pulcro e inexpresivo. Fue criticado por invertir demasiado trabajo en cada una de sus pinturas, y por darle a sus carnaciones una apariencia más cercana al mármol que a la carne, un defecto en el que también cayó Agnolo Bronzino.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Galería

Virgen y el niño con el infante
San Juan Bautista, 1638

La Adoración de los Reyes. 1649

Franz Kline (1910-1962)

Expresionismo abstracto

Kline, Franz (Wilkes-Barre, Pennsylvania,  el 23 de mayo de 1910  - Nueva York, 13 de de mayo de 1962) Pintor estadounidense asociado al grupo expresionismo abstracto que geográficamente se centra en Nueva York entre los años 1940 y los años 1950. Falleció en la ciudad de Nueva York debido a una enfermedad reumática cardíaca.

Carrera

Como Jackson Pollock y otros pintores abstractos, fue un pintor de acción por su simple, espontáneo e intenso estilo, mediante el uso de trazos fuertes y figuras abstractas. La mayor parte del trabajo de Kline, sin embargo fue "practicada espontáneamente". Preparó muchos sketchs sobre dibujo, aunque nunca los publicó, antes de su trabajo plástico, y además fue un músico del arte abstracto.

Colores negro y blanco

Los mejores y más conocidos trabajos expresionistas de Kline fueron hechos con los colores blanco y negro puros, aunque a veces introdujo diversas tonalidades de ambos colores. Sólo volvió a utilizar color en sus pinturas a partir de 1955, aunque sus pinturas más importantes en color fueron hechas recién a partir de 1959. Las pinturas de Kline son muy complejas y subjetivas. Cuando las pinturas de éste artista siempre tuvieron un impacto dinámico, dramático y espontáneo, es importante saber que él siempre las describió muy simples en cuanto a dichos elementos. Cabe decir que hizo muchas de sus pinturas a raíz de los conocimientos aportados por sus estudios previos.

Parece haber referencias a la caligrafía china en dichas composiciones en blanco y negro, a pesar que él siempre negó dicha relación. Puentes, túneles, edificios y otras estructuras arquitectónicas e industriales fueron usualmente mencionados como fuentes de la inspiración de Kline.

Los más reconocidos estilos suyos fueron originados a partir de un consejo de su amigo Willem de Kooning. En 1948 le sugirió a un entonces artísticamente frustrado Kline que experimentara con un proyector que tenía en su estudio analizando la proyección sobre una pared lisa. Kline hizo varias pinturas con el estilo que resultó de la observación, presentando en 1950 una colección con el estilo ante la Charles Egan Gallery (Galería de Charles Egan, en inglés).

Fuente: https://es.wikipedia.org

Obra comentada

Sin título

Galería

Hot Jazz, 1940. Expresionismo

Chatham Square, 1948. Expresionismo

Sin título de Franz Kline

Realizada en 1959, su pintura acusa la influencia del arte oriental y del ideograma; pero las teorías sobre la abstracción, marcaron su evolución. A una primera etapa expresionista y de progresiva esquematización le siguió un expresionismo abstracto. Su obra se caracteriza por grandes dimensiones cubiertas de brochazos bruscos, con gran sentido del movimiento. A partir de 1957 volvió a utilizar el color (en el anterior período pintó en negro y blanco) y añadió efectos espaciales, que cargaron de complejidad su pintura. Su influencia fue enorme, especialmente en Europa.

(Colección particular)

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat

Benedetto da Maiano (1442-1497)

 

Renacimiento

Benedetto da Maiano (Maiano, 1442 - Florencia, 24 de mayo de 1497) Destacado arquitecto y escultor de la escuela florentina.

Su obra encaja de un modo perfecto en el tono propio de la Florencia del siglo XV y, sin ser el mayor de los artistas del momento, cabe ser considerado como arquetipo; su sobriedad y reserva expresiva, su neto y puro concepto de la forma, su depurada elegancia es muy florentina. Su más perfecto y equilibrado ejemplo es el Palacio Strozzi que Benedetto hizo en el corazón de la ciudad.

Trayectoria

En los primeros tiempos colaboró con su hermano Giuliano de Maiano: las primeras obras de Benedetto fueron altares y tumbas en el interior de capillas realizadas por su hermano. El altar de Santa Fina (1475) en la capital de San Gimignano; el púlpito de Santa Croce de Florencia (terminado en 1475), de curiosa disposición en su escalera que atraviesa el pilar a que va adosada. De 1476 es la tumba de San Sabino en la catedral de Faenza. La tumba de María de Aragón, duquesa de Amalfi, comenzada por Bernardo Rossellino, para Santa Ana de los Lombardos en Nápoles fue concluida por Benedetto y en 1489 hizo el altar de Mastrogiudice en la misma iglesia. Para Santa María Novella llevó a cabo la tumba de Filippo Strozzi (1491).

Tenía por costumbre trabajar con bocetos, o modelos, ejecutados en tierra cocida. En el momento de su muerte abundaban en su taller este tipo de obras, entre ellas las realizadas para la Puerta Capuana de Nápoles, cuyas estatuas comenzó y no acabó. Sus retratos ofrecen relación con los bustos romanos antiguos, como ocurre destacadamente en el que hizo a Pietro Mellini (Museo Nazionale, Florencia), pero más característicamente florentinos y de la época son otros, de los que puede ser considerado ejemplo mayor el de Filippo Strozzi (Museo del Louvre), severo, elegante y con ese aire cortante, muy florentino; Benedetto, satisfecho de su obra,la firmó-

Como decorador, aparte de su labor en las capillas de su hermano, intervino en el Santuario de Loreto y en el Palazzo Vecchio de Florencia.

Su producción arquitectónica resplandece sobre todo en dos piezas de primer orden: el Palacio Strozzi, citado anteriormente, comenzado en 1489 y concluido después de su muerte por el Cronaca, quien hizo la magnífica cornisa; el edificio ha sido atribuido alguna vez a Giuliano da Sangallo, que influyó claramente en Benedetto; sin embargo, este logra aquí una composición más monumental y simétrica, más equilibrada y perfectamente calculada en sus proporciones: altura y anchura, de los pisos entre sí y el acertado reparto de huecos y macizos. La otra obra es muy diferente y una de las más gráciles y bellas de todo el Quattrocento italiano: la logia de la iglesia de Santa María delle Grazie, en Arezzo, obra que partiendo de lo brunelleschiano alcanza una elegancia, un ritmo de proporciones, una exquisitez decorativa, pocas veces superada; la quebradiza finura y gracia, la casi inmaterialidad de las arquitecturas y pórticos que los pintores de la época nos ofrecen en los fondos de sus composiciones, se hacen aquí insospechada e insuperable realidad, gracias a una poco común sensibilidad poética y a una indudable sabiduría y maestría de oficio.

Fuente: https://es.wikipedia.org

Obras comentadas

Antorcha del Palacio Strozzi

Argolla para sujetar los caballos de la fachada del Palacio Strozzi

Detalle de la fachada del Palacio Strozzi construido

Galería

San Juan Bautista, 1480

El martirio de los frailes franciscanos, 1481

Detalle de la fachada del Palacio Strozzi construido por Benedetto da Maiano

Resultan espectaculares y atrayentes los sillares de la fachada, que se van empequeñeciendo al ganar altura.

Florencia

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.

Argolla para sujetar los caballos de la fachada del Palacio Strozzi de Benedetto da Maiano

En esta magnífica figura fantástica con cuerpo de dragón y cabeza antropomorfa, observamos el gran detallismo aplicado por el artista.

Florencia

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat. 

Antorcha del Palacio Strozzi de Benedetto da Maiano

Los detalles ornamentales también están presentes en esta antorcha, realizada como una pequeña obra arquitectónica, con claros elementos renacentistas. 

Florencia

Fuente: Historia del Arte. Editorial Salvat.